Five Titles n°17 : Cowboy Bebop (1998/2020) de Seatbelts

CBA l’heure où à peu près tout le monde récapitule 2020 et son flot de tops et de flops (y compris le poto Sylphe qui bosse dur sur la question), arrêtons nous sur un album en particulier avant de sacrifier à cette grande tradition rétrospective. Notre galette du jour est une double, comme dans les bonnes crêperies, avec dedans tous les ingrédients nécessaires à un excellent moment pour vos oreilles. La bande originale de Cowboy Bebop fait partie de ces soundtracks dont je pense le plus grand bien. Si vous traînez par ici régulièrement, vous connaissez ma position sur la question : lorsqu’une BO peut s’écouter et s’apprécier isolément de l’œuvre qu’elle accompagne, c’est qu’elle a gagné la partie et qu’elle devient alors une œuvre à part entière. Plus encore : lorsque cette même BO réussit à elle seule à convoquer des images mentales et des souvenirs du film, de la série ou du jeu vidéo qu’elle renforce, on touche alors au sublime. C’est le cas de bon nombre de BO, et celle de Cowboy Bebop en fait assurément partie.

Avant de plonger dans ladite BO, resituons : Cowboy Bebop, kézako ? Une série TV animée japonaise sortie en 1998, pilotée par Schin’ichiro Watanabe (réalisation) et Keiko Nobumoto (scénario). Au long des 26 épisodes, on suit les aventures de plusieurs chasseurs de primes, appelés les cowboys, dans un futur plutôt proche puisque l’histoire se place en 2071. L’intelligence de la série consiste en un savant mélange de quêtes isolées et d’arcs narratifs plus larges qui permettent de suivre le parcours des personnages principaux. Spike Spiegel est le premier d’entre eux : un ancien membre d’une organisation criminelle qui fuit son passé tout en recherchant la femme qu’il y a aimé. Il y a à la fois du Edgar (le détective cambrioleur) et du Cobra dans ce personnage plus profond qu’il n’en a l’air au départ. Spike voyage à bord du Bebop, le vaisseau de Jet Black, autre chasseur de primes de l’équipe. Cette dernière est complétée de Faye Valentine et Edward, respectivement une joueuse endettée et amnésique et une jeune hacker surdouée. Autant dire que la galerie est déjà très cool, et ce ne sont pas les personnages secondaires qui me feront mentir.

Au-delà de ses protagonistes hauts en couleurs et en sentiments, Cowboy Bebop est une grande série. Les situations tour à tour comiques, émouvantes, inquiétantes s’enchainent pour donner finalement une longue histoire qui sait mélanger divertissement et réflexions, autant sur le monde actuel que sur nos parcours de vie. La série nous balade dans un mix de futur et de monde actuel. Si les environnements urbains ressemblent à ceux que l’on connait de nos jours, ils prennent place sur Mars ou Venus. La Terre, en comparaison, n’est que peu évoquée. On en retient surtout que les Terriens se sont installés ailleurs et y reproduisent leurs erreurs, comme dans les meilleurs récits de SF.

Autre force de Cowboy Bebop : ses références à n’en plus pouvoir au cinéma de SF, mais pas que. Rien que le générique est une perle avec ses ombres et son écran splitté. En quelque sorte, un savant mélange de James Bond et de L’affaire Thomas Crown, soit la garantie d’une classe immédiate. Ce sont ensuite plusieurs gros morceaux du ciné qui sont référencés plus ou moins explicitement. Citons simplement Akira, Blade Runner (avec un personnage nommé Deckard), 2001 : L’odyssée de l’espace, Alien (épisode à hurler… de rire) ou encore Django avec ce perso de passage en ville qui traîne sa camelote dans son cercueil. Ce ne sont là que quelques exemples, mais pour qui aime le ciné, il y a de quoi se régaler à chaque épisode.

Enfin, et c’est bien l’objet premier du jour, la BO tout simplement démentielle. Composée par Yoko Kanno et son groupe Seatbelts, elle mélange jazz, blues, rock et quelques autres petites surprises, que nous allons tenter de balayer en cinq titres représentatifs.

  1. Impossible de ne pas commencer par Tank!, le son du générique, qui envoie un bon gros jazz swing Big Band. Le morceau fait la part belle aux cuivres et saxos, avec au milieu un bon chorus de saxophone justement. Ce titre là balancé avec le générique visuel dont on a parlé plus haut, c’est de la pure énergie et ça donne le ton de l’univers à la fois groovy et rock dont la série est imbibée. Cette même énergie revient fréquemment dans d’autres titres comme Bad dog no biscuits, qui s’ouvre sur un free jazz puissant pour se poursuivre sur un ska total foutraque. Ou encore Rush qui sonne plutôt comme un morceau perdu de Bullitt que Lalo Schifrin aurait ressorti d’un tiroir.
  2. La BO sait aussi se faire plus intimiste, avec par exemple un Spokey Dokey qui regroupe uniquement une guitare folk et un harmonica pour un blues lent. Ce genre d’ambiance reviendra plusieurs fois, sous des formes différentes. Cosmos est une petite pépite avec sa trompette bouchée qui pose direct une ambiance de film noir à détectives des années 30/40. Quant à la Waltz for Zizi, c’est juste une merveille de composition avec une valse (sans surprise) interprétée à la guitare folk. Enfin, en dernier exemple, citons Diamonds, un des rare titre chanté, qui pose une ambiance de James Bond romantique. Diamonds are forever.
  3. La série sait aussi se faire plus légère et très décalée par certains moments. En témoigne The Egg and I, constitué de percussions, de guitare slide et d’un gimmick mélodique joué haut perché à la flûte. Le genre de titre qui transporte immédiatement dans un autre univers et qui, surtout, devrait bien vous rester en tête pendant des heures, même en ne l’ayant écouté que quelques minutes. Bon courage pour vous en défaire (mais puisque le son est bon, on ne va pas se plaindre).
  4. Autre parenthèse un peu inattendue, avec Pot city, qui est très marqué années 80 et crée un climat sans réelle mélodie. La basse et la guitare dialoguent dans des sonorités étranges et psychédéliques, soutenues par une batterie arythmique qui contribue à l’étrangeté du moment. Tout ceci ponctué de mini-phrases de trompette. C’est possiblement le morceau le moins facilement abordable de cette BO, mais qui a néanmoins toute sa place dans ce qu’elle apporte de palette de couleurs musicales indispensables à la série.
  5. Enfin, les sept minutes de Space lion apportent la touche émotion à cet ensemble. Ouverture par un long solo de saxophone, auquel viennent s’ajouter des nappes de synthés, des percussions douces et des chœurs de toute beauté : voilà un morceau qui dénote dans cet ensemble jazz mais qui s’intègre naturellement à ce que Cowboy Bebop nous raconte, visuellement comme musicalement.

Cette géniale BO de Cowboy Bebop ne m’a pas attendue pour se révéler. Dès 2006, IGN a élu la série comme l’anime ayant la meilleure bande son de tous les temps. Je ne peux que souscrire, et vous invite (si ce n’est déjà fait) à binge-watcher les 26 épisodes (20 minutes chacun, ça passe crème) avec le son bien réglé pour profiter de chaque pépite musicale. Dernier point : si vous n’avez pas la série sous la main, la BO, vous l’aurez compris, se suffit à elle-même. Coup de bol, elle est disponible sur les plateformes de streaming mais aussi en réédition double vinyle couleurs de toute beauté. La pochette est splendide et invite, bien entendu, à sortir la galette et à la poser sur votre platine. Le temps pour moi de replonger dans les chroniques 2020 pour en sortir l’album de l’année. Cependant, si vous Five-minutez régulièrement, vous pouvez déjà deviner le podium qui s’annonce. Vérification très bientôt !

Impossible pour moi de clore ce papier BO sans un clin d’œil vers la rédaction de Gamekult, qui voit partir aujourd’hui 24 décembre un de ses plus brillants membres : Gauthier Andres aka Gautoz quitte la boutique après 6 années à nous régaler de ses talents et d’innombrables découvertes BO de jeux vidéo. L’homme qui écoute les JV au moins autant qu’il y joue m’aura baladé dans des univers insoupçonnés et incroyables. Rien que pour ça (mais aussi pour le reste du boulot accompli), merci et bonne continuation.

Raf Against The Machine

Five Titles n°16: Inner Song de Kelly Lee Owens (2020)

Deuxième belle découverte féminine en cette fin d’année avant la dernière ligne droite, les tops deKelly Lee Owens fin d’année et le plaisir de réécouter tout ce qu’on a savouré, en vérifiant si la patine du temps a embelli ou atténué l’éclat des pépites. L’artiste du jour, Kelly Lee Owens, est galloise et a sorti son deuxième opus Inner Song fin août. Après un premier opus éponyme sorti en 2017 et passé sous mon radar, cette dernière a décidé d’allier sa belle voix de falsetto et son électro-techno pour un résultat percutant tout en contrastes. La preuve en cinq instantanés menés tambour battant…

  1. Après le morceau d’ouverture Arpeggi, reprise instrumentale aux confins du dubstep du titre de Radiohead, On nous permet de découvrir la voix d’une très grande suavité de Kelly Lee Owens. Le résultat d’une grande luminosité est d’une très belle richesse: une dream-pop aérienne, illuminée par des synthés en arrière-plan m’évoquant le Loops from the bergerie de Swayzak avant que la fin plus techno révèle la puissance plus sombre sous-jacente.
  2. Après un Melt! sans concession par sa techno martiale sur laquelle des paroles chuchotées tournent en boucle, je choisis le trip-hop moderne de Re-Wild. On sent rapidement le potentiel illimité du chant, une voix qu’on aimerait voir illuminer les productions d’un James Blake
  3. Jeanette s’impose ensuite comme le sommet lumineux de l’album. Les synthés primesautiers évoquent Pantha du Prince ou les dernières productions de Four Tet, le pouvoir cinétique du titre est incontestable et le paysage sonore du morceau se dessine avec minutie. Le résultat démontre bien la double volonté de l’album: parler au corps avec cette tentation du dance-floor et satisfaire l’esprit par la capacité à mettre en place des atmosphères suggestives.
  4. L.I.N.E s’impose ensuite comme le morceau le plus accessible de l’album. Une voix et une mélodie d’une grande innocence font de ce titre un superbe condensé de dream-pop sucrée et gourmande.
  5. Même si Night ou Wake-Up auraient mérité de figurer ici, je ne résiste pas à la tentation de partager Corner Of My Sky, titre plus oppressant et sombre qui met à l’honneur un autre Gallois en featuring, John Cale en toute simplicité. Le résultat évoque les bouges enfumés de Bristol et le ton rocailleux de Tricky.

Sur ce, je vous laisse savourer ce Inner Song à sa juste mesure et me mets désormais en mode Top de fin d’année, enjoy!

Sylphe

Five Titles n°15: Someone New d’Helena Deland (2020)

Alors que je tente de lutter contre l’appel du top de fin d’année -je préfère taire les tops de finHelena Deland d’année qui sortent depuis 2 semaines et oublient qu’il existe un douzième mois, enfin bref…- je fais actuellement de bien belles découvertes d’artistes féminines. Je n’avais jusqu’à maintenant jamais croisé la route de la Canadienne Helena Deland malgré plusieurs EP, Drawing Room en 2016 et From The Series of Songs « Altogether Unaccompanied » (en quatre volumes pour 9 titres) en 2018. Voilà qui est désormais chose faite avec ce premier opus Someone New sorti le 16 octobre dernier… Un album plein de grâce et de sensibilité dont je sais d’emblée que je vais peiner à en exprimer la quintessence par mes mots maladroits, #meaculpainitial. J’ai malheureusement la fâcheuse tendance à ne pas totalement refuser l’obstacle et je vais choisir le confort du 5 titles pour vous donner l’aperçu le plus juste de cet album. Pour vous donner une idée générale de l’album de celle qui a fait la première partie de Weyes Blood ou encore Connan Mockasin (excusez du peu), imaginez une très belle voix qui tente d’exprimer l’indicible avec humilité et sans aucune trace de démonstration. L’atmosphère instrumentale, quant à elle, est au service de la voix et esquisse des univers feutrés propices à l’introspection et à la rêverie. Le jeu sur une rythmique downtempo quelquefois aux frontières d’un certain dépouillement m’évoque souvent les cendres du trip-hop et Helena Deland, par certains aspects, dessine les traits d’une créature hybride entre la chanteuse de The Dø Olivia Merilahti et Beth Gibbons de Portishead. Voici cinq titres qui, je l’espère, vous inciteront à aller écouter les 13 créatures fragiles qui peuplent ce Someone New.

  1. Someone New, le morceau d’ouverture éponyme, offre d’emblée un univers aride où seule la voix amène sa douceur. Peu à peu, l’univers s’étoffe avec les cordes et la guitare très Portishead, le morceau s’affirme avec la boîte à rythmes à l’image des paroles qui évoquent la renaissance « I’ll stay in this room/ Where again I want to lay/ Kissing someone new/Who tells me/ Something pretty / So that I too/ Can Feel like someone new ».

  2. On retrouve cette notion centrale d’introspection avec le titre suivant Truth Nugget. Helena Deland évoque ce tiraillement entre le besoin de sincérité et la difficulté de se livrer pleinement à l’autre, semblant aboutir à un constat d’échec « I am another solid mystery when it comes to you/ Michael, I’m the puzzle in the other room ». J’aime tout particulièrement la rythmique affirmée de la guitare et la montée finale.
  3. Pour finir le tryptique initial de haut vol, Dog propose des sonorités plus âpres pour souligner l’influence de l’autre qui veut sans cesse dominer et réduire à néant « Who gets to be your mirror/ If I’m the nail on the wall? ». Le titre s’illumine peu à peu avec la guitare pour aboutir à la libération et au refus du reniement de soi-même « I hate to be your dog. »
  4. Après un Pale presque psyché, Comfort, Edge démontre tout le pouvoir de la dream-pop que recèle ce Someone New.
  5. Smoking at the Gas Station et son univers instrumental sur le fil du rasoir évoquant Portishead est tout simplement d’une grande beauté et cette phrase se suffit à elle-même…

Sur ce, je vous laisse en la charmante compagnie d’Helena Deland, enjoy!

 

 

Sylphe

Five Titles n°14: The Ascension de Sufjan Stevens (2020)

Avec trois de jours de retard par rapport à ce qui était prévu, nous voilà donc aux Etats-Unis pour laSufjan Stevens 2 suite de notre road-trip musical des vacances. 3 jours à se torturer l’esprit face à ce gargantuesque onzième opus de Sufjan Stevens, The Ascension, que je voulais chroniquer entièrement mais que je vais finalement aborder plus modestement à travers cinq titres. Tentative d’explication… Je voue une vraie admiration pour Sufjan Stevens que je résumerai à travers 3 bijoux: le chef d’oeuvre d’émotion Illinois en 2005, la pop bricolée et orchestrée à souhait de The Age Of Adz et la folk intimiste de Carrie & Lowell. Certes, il existe certains accidents de parcours comme le très conceptuel et inaudible Aporia sorti en début d’année et je dois reconnaître que le message religieux souvent très présent dans les paroles est quelquefois un brin pesant mais Sufjan Stevens récolte cependant l’unanimité de mes suffrages. The Ascension, qu’on se le dise d’emblée, est un album brillant mais qui souffre de deux défauts m’empêchant de le placer au summum de la discographie de l’Américain. Peut-être à tort je vous l’accorde car cet album mérite d’être longtemps savouré en bouche…Tout d’abord, il est d’une très grande densité et dure… 1h15. Je ne fais pas partie de la génération actuelle qui aime zapper rapidement et pour laquelle l’album est en train de rendre les armes face aux playlists mais mon attention s’éteint malheureusement sur la fin. J’ai l’amère impression de ne pas savourer à sa juste valeur le tryptique final SugarThe AscensionAmerica et regrette que Sufjan Stevens ait laissé quelques morceaux tourner à la redite. Le deuxième défaut c’est justement ce message religieux oscillant entre un optimisme pas désagréable en cette période torturée et un angélisme désuet qui me fatigue, j’avoue. Une fois évacués ces deux défauts, il faut reconnaître que The Ascension brille par sa capacité à croiser avec délices la folk intimiste de Carrie & Lowell avec les trouvailles électroniques de The Age Of Adz pour un résultat plein d’émotions. Voilà cinq titres qui méritent de se confronter à cet album somme.

  1. Le morceau d’ouverture Make Me An Offer I Cannot Refuse séduit par sa douceur électronique, comme si l’on avait allié la bidouille des machines d’un Baths ou d’un Animal Collective à la folk électronique d’un Loney Dear. Le résultat est imparable, d’autant plus avec la montée finale.
  2. Run Away With Me, quant à lui, est peut-être le plus bel hymne à l’amour écrit depuis longtemps. La douceur mélancolique nous enveloppe comme une bulle intemporelle, la voix feutrée de Sufjan Stevens s’adressant au plus profond de nous-mêmes. L’acmée de l’émotion dans cet album pour moi.
  3. Video Game referme le superbe tryptique initial dans un registre surprenant. Les synthés sont entêtants et la voix pleine de réverb donne une couleur psychédélique au morceau. A première vue incongru et trop mainstream, ce titre s’insinue en nous et devient vite addictif. Et oui, on peut s’appeler Sufjan Stevens et se faire un petit plaisir pop non?
  4. Tell Me You Love Me, tout comme Ursa Major plus tard, reste dans l’univers et les paroles de Make Me An Offer I Cannot Refuse. La rythmique down-tempo me séduit et j’aime le souffle épique final.
  5. Ativan (du nom d’un anti-dépresseur) m’évoque Loney Dear et me touche par sa description angoissante et sans concession des symptômes du consommateur d’Ativan. L’univers est esthétiquement anxiogène.

Voilà en tout cas un Sufjan Stevens incontournable qui devrait occuper vos soirées à la maison, couvre-feu oblige, enjoy!

Sylphe

Five Titles n°13: Imploding The Mirage de The Killers (2020)

Comme je vous en parlais en début de semaine, la très belle surprise de cette fin d’été vient du côtéThe Killers 2 d’un groupe qu’on n’attendait plus forcément à ce niveau de performance sonore, The Killers. La bande centrée autour du chanteur Brandon Flowers, qui doit son nom au clip de Crystal de New Order où un groupe fictif porte ce nom (#infopourbrillerensociete), a marqué le début des années 2000, en particulier avec leur bombe initiale Hot Fuss en 2004. S’ensuivent des albums solides sans être aussi transcendentaux, Sam’s Town en 2006, Sawdust en 2007 ou Day & Age en 2008, une pause de 4 ans et deux albums Battle Born en 2012 et Wonderful Wonderful en 2017 que je n’ai croisés que trop superficiellement pour avoir un véritable avis à leur sujet. Finalement, au moment d’écouter ce sixième opus Imploding The Mirage et sa pochette soignée graphiquement –Dance of the Wind and Storm du peintre évangélique Thomas Blackshear car nos Américains sont très croyants, faut-il le rappeler – je n’ai pas d’attente particulière, peut-être seulement un infime et inconscient espoir de replonger 15 ans plus tôt… Ne pas avoir d’attentes c’est se donner une possibilité supplémentaire d’être agréablement surpris. Malgré l’absence du guitariste Dave Keuning, quelle cure de jouvence que cet album doté d’une énergie inattendue! Le souffle de la pop électrise encore davantage ce rock qui regorge de singles euphorisants et je savoure cette immédiateté qui fait de ce Imploding The Mirage un album frontal à souhait. J’avoue une interrogation minime sur sa capacité à s’enrichir avec le temps mais je ne boude pas mon plaisir de cette machine à singles… La preuve partielle et partiale avec 5 bijoux qui se dégagent de l’ensemble et, je l’espère, devraient vous donner envie d’écouter ce très bel album.

  1. Le morceau d’ouverture My Own Soul’s Warning s’impose d’emblée comme un single imparable. Des synthés et une batterie qui ne sont pas sans me faire penser à Arcade Fire dans leur utilisation et une voix tellement directe  donnent une vraie puissance électro-pop à ce titre.
  2. Blowback surprend par sa formule d’une grande simplicité pop-rock taillée pour les radios. Tel une jeune jouvencelle, je me laisse séduire par le spectre large de la voix de Brandon Flowers
  3. Dying Breed séduit par sa rythmique digne de New Order, le morceau plus sombre monte inlassablement et explose dans un feu d’artifice arcadien. A n’en pas douter, The Killers n’est pas une race mourante (Dying Breed) et nous le prouve brillamment (#wtfcejeudemots?).
  4. Lightning Fields avec k.d.lang en featuring nous offre un bel instant de grâce avec un piano judicieux et une montée en puissance sur la deuxième partie. Voilà un duo marquant et surprenant dans la discographie de The Killers
  5. My God fait appel quant à lui à la brillante Weyes Blood pour un morceau d’une superbe intensité. Les voix sont d’une grâce quasi divine, on en regretterait presque de ne pas croire en Dieu…

Vous n’aimez pas les visions partielles? Vous détestez les prises de position définitives et croyez qu’on peut encore faire les meilleures soupes dans les vieilles marmites (#expressionpournoslecteursmoinsjeunes)? Vous savez ce qu’il vous reste à faire, enjoy!

Sylphe

Five Titles n°12: Sixteen Oceans de Four Tet (2020)

Voilà ce dimanche un orfèvre de la folktronica qui me tient tout particulièrement àFour Tet coeur, en la personne de Kieran Hebden, alias Four Tet. Sixteen Oceans est déjà le onzième opus de l’Anglais, auquel il faut rajouter six EP et une multitude de remixes de haut vol. Son dernier opus New Energy que je n’ai écouté que d’une oreille dilettante date de  3 ans et je reste éternellement sur les impressions ressenties face au sommet musical There Is Love in You en 2010 (chroniqué dans une autre vie par ici ). Four Tet, c’est une véritable signature musicale, un son reconnaissable entre tous qui mixe les rythmes de la house avec les sonorités faussement angéliques de l’électronica. Le résultat est une subtile alliance de pouvoir cinétique, d’ambient contemplatif et de folk rêveur mais c’est avant tout une bouffée d’air frais dans notre air confiné…

Sixteen Oceans offre 16 pistes et 54 minutes de plaisir, avec néanmoins 5 intermèdes (Hi Hello, ISTM, 1993 Band Practice, Bubbles at Overlook 25th March 2019 et This Is for You) de moins de 2 minutes qui n’apportent pas véritablement grand chose. En même temps, si vous êtes lecteurs assidus dans ces contrées, vous commencez à connaître mon peu d’intérêt pour les intermèdes… Vous savourerez peut-être le piano d’ISTM ou les bulles aquatiques de Bubbles… mais mon plaisir personnel se porte ailleurs. Pour une perception globale de l’album, ce dernier part très fort sur des rythmiques house et le premiers tiers est brillant. Les deux tiers suivants jouent davantage la carte de l’ambient et demeurent savoureux, même s’il faut reconnaître une certaine forme de lassitude polie. Je reste persuadé de mon côté que l’album aurait mérité d’être plus court car il reste exigeant. Ce Sixteen Oceans mérite en tout cas d’être amplement savouré et je vous propose cinq titres qui ne devraient pas vous laisser de marbre…

1. Le morceau d’ouverture School qui sonne comme une résurgence des productions de Pantha du Prince nous invite à prendre place sur le dance-floor. Des beats house viennent rythmer le morceau et une petite ritournelle addictive vient se greffer dans le cerveau pour démontrer tout le pouvoir mélodique de Four Tet. C’est bien le contraste entre les influences house et folk qui me séduit autant chez l’Anglais…

2. Baby ne nous laisse pas reprendre notre souffle dans une atmosphère plus electronica et plus aérienne. Une voix féminine en boucle (Ellie Goulding au passage), des beats qui rythment l’ensemble dans la droite lignée d’un dubstep à la Burial et ces sons plus feutrés et plus ambient. Le résultat est brillant, à l’image du superbe clip ci-dessous qui met parfaitement en valeur la pause centrale avec le bruit des oiseaux.

3. Harpsichord nous offre ensuite une plage contemplative digne de Boards of Canada pour un résultat éthéré et poétique qui nous coupe de tout.

4. Teenage Birdsong clot ce quatuor brillant (je vous avais prévenu que l’album démarrait fort!) dans la droite lignée de School. Une ritournelle addictive s’appuyant sur la flûte de pan vient magnifier une instrumentation extrêmement riche.

5. La sensualité de Romantics ou les billes de sons qui explosent de Love Salad auraient mérité leur place mais je vais choisir le bijou Insect Near Piha Beach pour finir. Pour illustrer cette plage de Nouvelle-Zélande, on retrouve du gros beat house dans une rythmique uptempo peu habituelle mais aussi des cordes qui nous rappellent les origines indiennes de Kieran Hebden. Le résultat est assez inclassable, comme si Animal Collective avait découvert les rythmiques house…

Finalement tout est dit dans cette dernière phrase, j’aime avant tout Four Tet car il est d’une inventivité sans bornes et s’avère inclassable…Bonne écoute à tous, enjoy!

Sylphe

Five-Titles n°11: Noah’s Ark de Cocorosie (2005)

Le plaisir de se replonger dans la discographie des artistes qui se présentent comme unCocorosie refuge nostalgique coincide souvent avec la parution d’un nouvel opus… et c’est exactement ce qui m’est arrivé après avoir écouté le dernier opus Put the Shine On des soeurs Cocorosie, album dont je vous parlerai sûrement dans quelque temps. Les soeurs Casady, Bianca surnommée Coco par sa mère et Sierra répondant au doux surnom de Rosie (What the fuck, mais ne serait-ce pas une piste pour le choix du nom du groupe?), avaient simplement sorti un album expérimental enregistré dans leur salle de bains La Maison de mon rêve en 2004 avant de nous proposer ce sublissime bijou de Noah’s Ark. Cet album mettant en avant une folk intimiste faite de bric et de broc (#payetonexpressiondevieux) est d’une mélancolie subtile et s’illumine de la participation d’artistes hautement recommandés (Antony Hegarty, Devendra Banhart et Spleen). Des textes sombres, des mélodies bricoléees faussement angéliques et ces voix si reconnaissables me donnent toujours l’impression d’ouvrir une vieille boîte à musique recouverte de poussière. Le mécanisme est quelque peu faussé mais la petite danseuse continue à tourner de manière saccadée, les notes s’égrenant avec délices… Je vous propose cinq joyaux à écouter et réécouter qui devraient vous donner envie de pleinement découvrir ce Noah’s Ark et plus globalement la riche discographie de Cocorosie (The Adventures of Ghosthorse & Stillborn en particulier avec la présence du beatboxer Tez). En ces temps de confinement je vous joins cinq vidéos pour savourer les titres sans tarder.

  1. La pépite ultime Beautiful Boyz. Beatbox, mélodie mélancolique au piano, le duo de voix plein d’émotions où Antony Hegarty nous fait regretter de ne plus avoir sorti d’album depuis Swanlights en 2010… Un morceau plein d’émotions qui fait cligner des yeux…

2. Tekno Love Song et sa douceur rassurante. Une simple voix accompagnée à la harpe…

3. Noah’s Ark brille par ses sonorités un peu plus électro et cette voix toujours aussi étrange.

4.Brazilian Sun, quand le folk psychédélique de Devendra Banhart rencontre la folk intimiste des soeurs Cocorosie

5. Bisonours illuminé par le flow de Spleen

 

A écouter sans modération en cette période propice au retour sur soi, enjoy!

Sylphe

Five Titles n°10: Monolithe d’Octave Noire (2020)

Finir les vacances dans un feu d’artifice musical tout en évoquant une certaineOctave Noire mélancolie lancinante à reprendre le chemin du travail dès demain, tel était mon objectif du jour et c’est Octave Noire qui va me permettre de remplir amplement cette mission. Vous avez peut-être la chance de déjà connaître Patrick Moriceau (et là j’avoue que je vous envie du plus profond de mon âme) sous son premier alias Aliplays pour deux albums d’indie électro Todotesorosiland (2004) et Happy Ours (2010) ou pour son premier album sous le nom d’Octave Noire, Neon en 2017. Vous vous doutez dès lors que nous allons passer un excellentissime moment avec ce deuxième opus Monolithe, taillé dans la roche noire du talent. Dans le cas contraire, je vous invite à découvrir cet artiste qui devrait désormais vous hanter dans les années à venir, tant cet album est d’une intensité folle. Pour esquisser le son de ce Monolithe, imaginez une voix noire comme l’encre qui flirte régulièrement avec le spoken word et évoque des artistes comme Arman Méliès ou Marvin Jouno, des ambiances sombres où les synthés naviguent entre électro et tentation post-rock alors que les cordes apportent une douceur inespérée, des textes percutants et désenchantés, et des invités perçus comme une vraie valeur ajoutée (Dominique A toujours dans les bons coups, ARM, Mesparrow)… Cet album de 48 minutes est un véritable bijou sonore, empreint d’une émotion indiscutable, que je vous propose humblement de découvrir à travers cinq titres qui me touchent au plus profond…

1. Après une Intro anxyogène à souhait, Los Angeles nous apporte ses synthés sortis tout droit de Jean-Michel Jarre, en espèce de rencontre du troisième type du XXIème siècle, avant que le spoken word ne s’impose. La voix est sombre et mélancolique, l’univers musical avec la batterie accentuant la rythmique et les cordes  m’évoque Air époque Virgin Suicides. Le morceau dont la mélodie du refrain s’imprime immédiatement en nous aurait mérité de figurer sur la BO de Mulholland Drive tout simplement…

2. Le titre J’ai choisi fait appel à Dominique A dont la voix nous charme inlassablement par son émotivité poignante. Le morceau plus rythmé et oserais-je dire plus pop dans l’approche brille par sa montée toute en tension (#addictedauxmonteesenpuissance) qui donne une intensité folle à l’ensemble.

3. Monolithe humain est plus âpre musicalement, un monolithe aux rebords acérés qui tend vers le post-rock avec les voix d’Octave Noire et du rappeur ARM. L’intensité est prenante, le morceau ne cesse de monter avec ses cordes lancinantes en fond. A écouter bien fort, pour éclairer toutes les dystopies à base de coronavirus (ah mince on me dit dans l’oreillette que c’est bien notre présent…)

4. Retiens cette image, titre qui fait allusion à la disparition du père, s’appuie sur des échos féminins tout en rupture qui m’évoquent l’inventivité d’une Camille. Les synthés lumineux et la rythmique aux frontières d’un dub désincarné nous donnent une belle leçon de mélancolie.

5. Les 7 minutes du titre final Blister me touchent par leur capacité à faire cohabiter un son électro dansant qui évoque sans hésitation possible le son Ed Banger et en particulier Justice avec une litanie désespérée et volontiers pessimiste. Il serait temps de déchirer ce blister…

5 titres, c’est finalement bien peu et j’aurais pu très bien partager avec vous le dialogue impossible de Parce que je suis avec Mesparrow ou encore la reprise en français d’un titre d’Aliplays Inland Sea qui évoque sur les premiers instants la douceur d’un Yann Tiersen au piano… Je pense que vous savez désormais ce qu’il vous reste à faire, enjoy!

Sylphe

Five Titles n°9: See You Tomorrow de The Innocence Mission (2020)

Une parenthèse de douceur pour réchauffer les coeurs, voilà l’impression qui me The Innocence Missionparcourt à l’écoute de ce douzième opus du duo folk américain The Innocence Mission… Question innocence, je suis clairement au summum car je ne connais que vaguement de nom ce groupe composé de Karen et Don Peris et dès lors je me sens investi d’une mission… rattraper l’écoute des onze précédents? (#ouflesvacancesapprochent) Non, déjà plus humblement partager avec vous la beauté de cette petite trentaine de minutes touchées par la grâce, ce See You Tomorrow qu’on brûle d’écouter dès maintenant en sachant qu’on le savourera encore le lendemain.

La formule folk de cet album est d’une simplicité désarmante avec d’un côté la voix fluette et enfantine de Karen qui dégage une douceur mélancolique émouvante et de l’autre côté une instrumentation toute en sobriété où la guitare se fait la part belle. Avec ce See You Tommorow, on se retrouve plongés au milieu d’une vaste plaine en plein milieu hippie avec pour seul objectif de savourer la nature environnante… Cinq titres devraient vous donner une idée un peu plus précise de l’univers de The Innocence Mission.

1. Le morceau d’ouverture The Brothers Williams Said met d’emblée la voix de Karen en avant avec un univers assez dépouillé. Le piano laisse cependant peu à peu la place à une batterie qui donne une saveur plus pop-folk au titre. Le résultat est d’une belle intensité et les See You Tomorrow mélancoliques à souhait…

2. On Your Side s’impose comme un superbe morceau guitare/voix. L’univers n’est pas sans rappeler les grandes heures de Beirut et plus particulièrement Sufjan Stevens. La parenté entre ce dernier et The Innocence Mission est plus qu’évidente et savoureuse.

3. La ballade John As Well devrait permettre de tester votre résistance lacrymale. Les notes de piano et les répétitions du refrain mettront à mal votre petit coeur, n’en doutez pas…

4. Mary Margaret in Mid-Air nous ramène vers la folk des années 60 et j’apprécie tout particulièrement le mariage des deux voix, situation assez rare tant la voix de Karen surplombe cet album.

5. Stars that Fall Away From Us est le bijou pop-folk de cet album et semble tout droit sorti du Illinoise de Sufjan Stevens. L’orchestration plus riche avec les cuivres est juste sublime.

Je vous laisse avec le morceau final I Would Be There qui part sur des accents dignes de Sigur Ros pour se transformer subtilement en un morceau pop-folk des années 70 et retourne me lover dans mon canapé, enjoy!

Sylphe

Five Titles n°8: Aller-retour de Bon Entendeur (2019)

Au rayon des plus belles escroqueries musicales de cette année 2019 trônera fièrementBon Entendeur en haut le premier opus de Bon Entendeur, Aller-retour. Le trio français composé de Nicolas Boisseleau, Arnaud Bonet et Pierre Della Monica a trouvé une recette imparable qui fonctionne à merveille pour moi (bah oui, une escroquerie certes mais particulièrement réussie): se faire les porte-parole d’une musique française de qualité mais quelque peu surannée en allant déterrer de vieux titres et y apporter une touche de modernité en les remixant à coups de synthés et de sonorités disco. Le résultat c’est un album résolument feel good qui viendra réchauffer ardemmement les coeurs avant la dernière ligne droite de 2019 et ses tops de fin d’année. Je me suis permis de parler d’escroquerie car il faut reconnaître que certains titres ne diffèrent pas énormément des originaux… mais bon voilà déjà deux semaines que cet Aller-retour va régulièrement sur ma platine et ne retourne que rarement dans sa pochette… Je vous propose de découvrir 5 titres (sur les 18 titres et la bonne heure de l’album) de ce projet pour bobos parisiens (#rooquilestmechant) qui, en plus de réveiller les démons des albums de Nouvelle Vague, devrait imprimer sur votre visage un sourire béat indélébile.

1. Le morceau d’ouverture Coup de tête de Pierre Bachelet, BO du film de Jean-Jacques Annaud avec Patrick Dewaere, fonctionne à merveille. La rythmique a été quelque peu accélérée et on se laisse porter par ces sifflements que n’aurait pas renié Peter Bjorn And John et une belle montée portée par la douceur des synthés. Un souffle printanier illumine ce morceau intemporel.

2. Le temps est bon s’impose ensuite comme un single éblouissant. Reprenant le titre d’Isabelle Pierre de 1971, il nous offre une belle leçon de nostalgie avec sa mélodie joliment désuète et ses cordes et démontre la justesse des choix de Bon Entendeur.

3. La Rua Madureira de Nino Ferrer séduit par sa douceur estivale et ses sonorités entre jazz et rumba. Un titre qui fait écho au très bon Vive nous de Louis Chedid et que l’on verrait parfaitement apparaître sur la BO d’un OSS 117.

4. Dans le même registre que Le temps est bon, L’amour, l’amour, l’amour de Mouloudji brille par la beauté de ses textes et ses sonorités sépia. La puissance de la nostalgie nous étreint tout en douceur.

5. J’aime tout particulièrement pour finir les trois entrevues qui jalonnent l’album. Le concept s’appuie sur des interviews dont les textes sont extrêmement touchants et cette musique douce-amère qui les accompagne. On retrouvera ainsi la voix d’encre de Patrick Poivre d’Arvor nous dresser un tableau plein d’optimisme de la France, Beigbeder souligner avec dérision et humour l’évolution de la société et sa nouvelle vie de cinquantenaire alors que le brillant Pierre Niney regrette la force de ses amours adolescentes.

Allez je retourne écouter ce bien bel Aller-retour, Mes amis, mes copains d’Annie Philippe nourri aux sonorités électro-jazz de Gotan Project ou encore le si moderne Monaco que n’aurait pas renié Charlotte Gainsbourg m’appellent, enjoy!

Sylphe