Pépite du moment n°59: Duo de Philippe Katerine feat. Angèle & Chilly Gonzales (2019)

On ne présente plus Philippe Katerine qui a le mérite, depuis son premier album LesKaterine Mariages chinois en 1991 déjà, de ne pas laisser indifférent. Ce personnage redonnant ses lauriers à un sens de l’absurde prononcé a souvent suscité chez moi, il faut le reconnaître, une certaine forme d’incompréhension mais finalement depuis peu je me suis fait à cette personnalité qui s’impose au sein d’un monde de la musique de plus en plus aseptisé. Comme un pied de phallus (#vousl’avez?), il y a quelques jours, Philippe Katerine a remporté la Victoire de la musique du meilleur artiste masculin (et oui dans une époque précieuse de réhabilitation des femmes, on fait le choix de séparer les hommes -les « artistes avec quéquette » pour reprendre ses mots et les femmes… no comment…) et son Confessions le mérite amplement.

Le titre du jour Duo résume bien à mon sens ce qu’est Philippe Katerine: un clip loufoque où on chevauche des dauphins dorés dans l’espace, des paroles d’une simplicité désarmante avec un refrain « On a le même tempo mais pas le même pattern » qui mériterait une belle dissertation de 4 heures, un pouvoir mélodique réel avec des synthés 80’s enthousiasmants et des guests de haut vol avec la voix cristalline d’Angèle et Chilly Gonzales en spécialiste scientifique inattendu.

Pour reprendre les paroles de fin du morceau, le moins que l’on puisse dire c’est qu’avec Philippe Katerine la vie n’est pas terne, enjoy!

Sylphe

Review n°46: InBach d’Arandel (2020)

S’attaquer au XXIème siècle au « père de la musique » Jean-Sébastien Bach n’est pas choseArandel aisée, réussir à lui insuffler un souffle électronique vivifiant relève de la prouesse artistique. En 1968, Wendy Carlos avait déjà marqué les esprits avec son Switched-On Bach où elle jouait des titres de Bach avec le cultissime synthétiseur Moog. Le dernier croisement judicieux -pour moi- des musiques classique et électronique remonte à Aufgang avec en point d’orgue l’excellent album éponyme en 2009. Arandel, collectif anonyme ayant il y a peu levé son anonymat sur un certain Sylvain, propose depuis son concept album de 2010 In D (en hommage au In C de Terry Riley) une musique électronique racée faisant la part belle à une alliance subtile entre instruments électroniques et acoustiques. Je vous invite aussi à aller écouter les albums Solarispellis, Umbrapellis, Extrapellis (#titresmagnifiques) et Aleae qui démontrent toute la puissance mélancolique dégagée par la musique d’Arandel

Pour revenir à l’album du jour, Arandel qui a su s’entourer de nombreux artistes référencés dans leur domaine a réussi le tour de force de créer un superbe album électronique qui reste fidèle au son de Bach tout en lui apportant un souffle aussi novateur que respectueux du maestro. Je vous propose de me suivre pour une humble visite dans un univers brillant par sa précision de métronome.

Le morceau d’ouverture All Men Must Die (en référence au choral Alle Menschen müssen sterben de Bach) est une relecture ambient où les synthés spatiaux enveloppent avec douceur deux voix robotisées psalmodiant en allemand, avec le violoncelle en fond de Gaspar Claus. Cette ouverture assez mystérieuse laisse alors sa place au Prelude No.2 in C Minor qui s’impose comme le premier temps fort de l’album avec une palette de sons électroniques aériens qui ne sont pas sans rappeler l’univers de l’orfèvre électronique Four Tet et le chant de Petra Haden qui monte sans cesse au milieu des choeurs dans une rythmique uptempo savoureuse. Bodyline qui invite Ben Shemie, le chanteur de Suuns, ralentit ensuite le rythme cardiaque dans une alliance subtile entre le vocoder et le piano. Le morceau se développe langoureusement et m’évoque l’univers de Son Lux.

Passacaglia (la passacaille en français) et son ostinato répétitif marie ensuite parfaitement la musique de Bach aux sonorités électroniques pour un résultat plein de modernité et invitant au réveil des corps. L’intermède aquatique de Invention 2 nous amène avec douceur vers le brillant Bluette où le chant mélancolique de Barbara Carlotti démontre la puissance de la chanson à textes inhérente à Bach. La poésie se prolonge avec Aux vaisseaux et la voix d’Emmanuelle Parrenin qui se pose avec délices sur une musique électronique primesautière digne de Thylacine.

La deuxième partie de l’album recèle de pépites elle aussi avec un Hysope résolument tourné vers les dance-floors, un Homage To JS Bach qui s’apparente à une belle fresque épique qui voit les machines prendre inlassablement le pouvoir pour un résultat très intense, un Sonatina plein de grâce et sublimé par le piano à quatre mains de Vanessa Wagner et Wilhem Latchoumia, un Ces mains-là qui me touche tout particulièrement tant le timbre rocailleux de Areski Belkacem est émouvant et colle parfaitement à la musique de Bach et un Conclusio où le Cristal Baschet de Thomas Bloch résonne merveilleusement bien dans une église. Les dernières notes reviendront bien sûr à Bach après quelques minutes de silence où la douce voix d’une enfant vient se poser avec poésie sur le célébrissime Adagio BWV 564.

Incontestablement, Arandel prouve avec ce très bel hommage à Jean-Sébastien Bach que ce dernier n’est pas figé dans la glace (#desolejenaipaspuresister) et qu’il ne demande qu’à vivre intensément à travers la musique électronique du XXIème siècle, enjoy!

Sylphe

Pépite intemporelle n°46 : Non non non non (je ne suis plus saoul) (1995) de Miossec

La magie du monde moderne, c’est par exemple la possibilité de regarder sans attendre la semaine suivante une saison complète de ta série préférée en replay ou sur Netfloux. C’est aussi la joie et le bonheur d’avoir toujours à portée de main un smartphone qui permet de faire tout plein de trucs auxquels tu n’avais pas pensé, et que d’ailleurs tu n’as pas envie de faire. Mais comme grâce à ton smartphone tu peux les faire… bin tu les fais.

La magie du smartphone, c’est aussi les notifications qui poppent quand tu t’y attends le moins, à n’importe quel moment de la journée. Pour une info cruciale, un tweet urgent, ou un rappel de calendrier. Et justement, cet après-midi, mon smartphone à moi m’a balancé un rappel de date, que je n’ai jamais programmé mais qui, par la magie des calendriers synchronisés et pré-enregistrés, m’a sauté au visage. Qu’ai-je donc vu s’afficher ? L’incontournable et essentielle information que demain, chers lecteurs, c’est le 14 février et la Saint-Valentin.

Peut-être la date de l’année dont je n’ai absolument rien à foutre parmi toutes celles dont je n’ai rien à cirer. Mais puisque c’est mon jour de publication sur Five-Minutes, autant en profiter et, pour une fois, célébrer comme il se doit ce jour béni pour les amoureux et amoureuses. Surtout un jour béni pour le commerce, des fois qu’on aurait pas tout claqué pour Noël, après avoir déjà défoncé son compte en banque pour le Black Friday.

La meilleure façon de fêter, avec quelques heures d’avance, la Saint-Valentin, c’est de revenir sur une pépite de 1995 avec le titre d’ouverture du premier album de Miossec. Pourquoi donc ? Si vous connaissez le texte, vous savez déjà. Si vous ne l’avez pas/plus en tête, je vous laisse apprécier “comme un crabe déjà mort“. Une sorte de cynisme absolu pétrie de classe totale, qui ouvrait alors un album fulgurant et râpeux comme on n’en avait pas entendu depuis longtemps. Le minimalisme de deux guitares et d’une basse pour porter les textes dépouillés de Miossec. Cette première galette est un grand album, et depuis, notre Brestois préféré a bien bourlingué en nous en a livré quelques autres tout aussi grandioses.

N’empêche que. Ce Non non non non est mon point de rencontre avec ce grand bonhomme de la chanson. Ce qui en fait un titre très cher à mon cœur. D’où la pertinence de célébrer la Saint-Valentin en l’écoutant. Saint-Valentin que, telle une ultime provocation, je passerai en tête-à-tête avec moi-même, alors que je ne m’aime pas. Un comble.

Et puisqu’à la Saint-Valentin, la société nous commande d’aller par deux, voici donc un second titre tiré du même album. Evoluer en 3e division, ou comment enfoncer le clou et rester dans l’ambiance.

Raf Against The Machine

 

Pépite intemporelle n°45: Cold Love de Ghinzu (2009)

Après avoir commencé en douceur le weekend avec le folk suave de The Innocence GhinzuMission, on va le clore avec le rock incandescent des Belges de Ghinzu et plus particulièrement le titre qui porte très mal son nom de Cold Love. Après un excellent Blow en 2004 (je ne me suis toujours pas remis de Do You Read Me), la bande autour du charismatique John Stargasm met 5 ans avant de revenir avec Mirror Mirror qui regorge de pépites rock d’une très grande intensité. J’aurais pu très bien choisir l’oppressante montée en tension de This War is Silent, la déflagration électrique de Mirror Mirror ou encore la psalmodie engagée de Dream Maker mais ce soir ce sera le rock frontal du morceau d’ouverture Cold Love qui devrait vous mettre une claque salvatrice. Voilà un titre placé sous le sceau de l’urgence avec une rythmique survitaminée, des accalmies mettant en valeur le grain sombre de la voix de John Stargasm et une montée finale juste jouissive.

Et que dire de ce clip orgasmique? Tout est fou, les popes invoquant les forces maléfiques, les membres du groupe littéralement possédés et se transformant en véritables torches humaines, la sensualité quasi érotique des deux jeunes danseuses qui ne peuvent pas résister à l’attraction du diable et cette fin improbable ayant pour cadre un four… Ce clip figure depuis bien longtemps dans mon panthéon – et ce n’est pas Raf Against The Machine qui me contredira – et j’espère qu’il fera une entrée remarquée dans le votre. Allez j’y retourne, tel un Faust j’ai rendez-vous avec le diable, enjoy!

Sylphe

Five Titles n°9: See You Tomorrow de The Innocence Mission (2020)

Une parenthèse de douceur pour réchauffer les coeurs, voilà l’impression qui me The Innocence Missionparcourt à l’écoute de ce douzième opus du duo folk américain The Innocence Mission… Question innocence, je suis clairement au summum car je ne connais que vaguement de nom ce groupe composé de Karen et Don Peris et dès lors je me sens investi d’une mission… rattraper l’écoute des onze précédents? (#ouflesvacancesapprochent) Non, déjà plus humblement partager avec vous la beauté de cette petite trentaine de minutes touchées par la grâce, ce See You Tomorrow qu’on brûle d’écouter dès maintenant en sachant qu’on le savourera encore le lendemain.

La formule folk de cet album est d’une simplicité désarmante avec d’un côté la voix fluette et enfantine de Karen qui dégage une douceur mélancolique émouvante et de l’autre côté une instrumentation toute en sobriété où la guitare se fait la part belle. Avec ce See You Tommorow, on se retrouve plongés au milieu d’une vaste plaine en plein milieu hippie avec pour seul objectif de savourer la nature environnante… Cinq titres devraient vous donner une idée un peu plus précise de l’univers de The Innocence Mission.

1. Le morceau d’ouverture The Brothers Williams Said met d’emblée la voix de Karen en avant avec un univers assez dépouillé. Le piano laisse cependant peu à peu la place à une batterie qui donne une saveur plus pop-folk au titre. Le résultat est d’une belle intensité et les See You Tomorrow mélancoliques à souhait…

2. On Your Side s’impose comme un superbe morceau guitare/voix. L’univers n’est pas sans rappeler les grandes heures de Beirut et plus particulièrement Sufjan Stevens. La parenté entre ce dernier et The Innocence Mission est plus qu’évidente et savoureuse.

3. La ballade John As Well devrait permettre de tester votre résistance lacrymale. Les notes de piano et les répétitions du refrain mettront à mal votre petit coeur, n’en doutez pas…

4. Mary Margaret in Mid-Air nous ramène vers la folk des années 60 et j’apprécie tout particulièrement le mariage des deux voix, situation assez rare tant la voix de Karen surplombe cet album.

5. Stars that Fall Away From Us est le bijou pop-folk de cet album et semble tout droit sorti du Illinoise de Sufjan Stevens. L’orchestration plus riche avec les cuivres est juste sublime.

Je vous laisse avec le morceau final I Would Be There qui part sur des accents dignes de Sigur Ros pour se transformer subtilement en un morceau pop-folk des années 70 et retourne me lover dans mon canapé, enjoy!

Sylphe

Pépite intemporelle n°44 : Should I stay or should I go (1981) de The Clash/Die Toten Hosen

Parfois, je n’écris pas mes articles à la dernière minute, mais plutôt à la dernière heure du jour, ou la première du jour suivant selon d’où on regarde la situation. C’est le cas cette semaine, avec une bonne vieille pépite ressortie de mes archives musicales et émotionnelles. Je replace le contexte.

Lumière tamisée, verres de bières sur table en bois, conversations qui se mêlent, parfums de currywurst et de Berliner Dog qui flottent : plusieurs heures déjà que je me trouve au Berliner Wunderbar, une adresse parisienne très recommandable. La soirée se déroule tranquille, qui plus est en chouette et charmante compagnie. L’idée d’explorer un peu plus la culture allemande nous vient presque naturellement.

Et notamment la culture allemande musicale, qui recèle quelques artistes hauts en couleurs. Tout se joue un peu plus tard sur le quai du métro. Je me souviens des Toten Hosen (Les Pantalons Morts), groupe de punk-rock allemand né en 1982 autour de son leader Campino. Je me rappelle cette cassette audio sur laquelle j’avais copié plusieurs de leurs morceaux. Elle tournait souvent dans ma piaule d’ado pour écouter, entre autres pépites, Hier kommt Alex et Disco in Moskau. Mais les Toten Hosen sont bien plus que ça : une carrière de maintenant 38 années, ponctuée de 30 albums en cumulant studios et lives, et des concerts à la pelle. Histoire de rappeler que le punk-rock, ça se passe avant tout sur scène avec des guitares, des gars un peu énervés et de la bière.

Au milieu de cette carrière assez improbable et néanmoins époustouflante, les lascars de Düsseldorf ont repris Should I stay or should I go, un des grands titres du Clash de Joe Strummer. Peut-être pas le meilleur morceau, mais sans doute un des plus emblématiques, aux côtés de London Calling et Rock the casbah. Histoire d’appuyer les clins d’oeil punk-rock, on se rappellera aussi que les Toten Hosen avait pondu en 1987 Never mind The Hosen, Here’s die Roten Rosen. Un album au titre plus que référence.

Et sur ce quai de métro, on écoute le Should I stay or should I go revisité par les Toten Hosen. Deux minutes et des poussières pour patienter jusqu’à l’arrivée de la rame, prévue trois minutes plus tard. Une poignée de riffs de guitare un poil plus rapides et plus aérés que l’original, pour se sentir exactement d’où on sortait tout en s’imaginant bien ailleurs. La station de métro s’efface le temps d’une bulle pépite-punk. Il ne reste plus que nous.

Quelques instants plus tard, tu me fais remarquer ce monsieur, adossé à la cloison de sécurité. Il lit un livre bien imposant et fort encombrant pour circuler dans le métro. Je trouve ça touchant et aussi un peu punk ce genre d’observation. Et je souris.

Faut-il rester ou partir ? Question de vie fondamentale et récurrente. Trouvez votre propre réponse, mais de mon côté, c’est assez clair.

Raf Against The Machine

Review n°45: There Is No Year d’Algiers (2020)

Il y a deux semaines, je vous parlais de ma première pépite de l’année 2020 avec WeAlgiers Can’t Be Found d’Algiers (voir ici ) et je pressentais déjà que l’album mériterait amplement une chronique. Ce troisième opus, avec le duo Randall Dunn et Ben Greenberg à la production, confirme la tendance perçue lors du deuxième album The Underside of Power d’un son encore plus frontal et faisant la part belle aux percussions, ce qui n’est pas sans lien avec l’arrivée dans le groupe de l’ancien batteur de Bloc Party, Matt Tong.

Reprenant le titre d’un roman de Blake Butler publié en 2011, There Is No Year est un mélange subtil d’influences (soul, punk et rock) porté par le charisme de Franklin James Fisher. Le morceau éponyme ouvre l’album de manière plus que directe avec un sentiment d’urgence qui transpire par tous les pores à travers le chant engagé et la rythmique sombre aussi uptempo qu’étouffante. Dispossession reste ensuite dans la même atmosphère avec une rythmique moins intense mais des choeurs particulièrement oppressants. Les titres s’enchaînent et fonctionnent bien, la litanie électrique de Hour Of The Furnaces (en référence à un documentaire de Fernando Solanas sur l’Amérique du Sud en 1968, L’Heure des brasiers), la soul très Massive Attack de Losing Is Ours ou encore Unoccupied qui flirte cependant un peu trop avec les plaines plus lumineuses de la pop-rock.

Chaka vient ensuite nous surprendre avec toutes ses sonorités électroniques pour un résultat qui me laisse encore dans le doute, doute totalement absent à l’écoute de l’excellent Wait For The Sound dont j’aime l’ambiance dépouillée et la rythmique lente. Un Repeating Night qui s’est quelque peu perdu dans la reverb, le bijou We Can’t Be Found dont on a déjà parlé et un contraste final saisissant entre la belle intensité de Nothing Bloomed et le punk presque anachronique de Void démontrent la belle richesse de ce très bon There Is No Year, enjoy!

Sylphe