Pépite intemporelle n°80 : The sound(s) of silence (1964/1965) de Simon and Garfunkel

Qu’est-ce qu’une pépite intemporelle ? Il serait temps que nous nous posions la question sur Five Minutes, alors que nous atteignons aujourd’hui la 80e pépite intemporelle (et même bien plus, si toutefois vous avez suivi nos aventures dans la version 1 du blog). Une pépite intemporelle traverse le temps et les époques, et reste efficace comme au premier jour, malgré le nombre d’écoute parfois vertigineux. C’est aussi un titre qui parle aux différentes générations, et peut se voir utilisé ou injecté dans différents univers : il fonctionne à chaque fois. Cette définition par petites touches pourrait bien durer des paragraphes entiers… Aussi est-il plus raisonnable de continuer à égrener nos pépites intemporelles, en relevant pour chacune ce qui, à nos yeux, la classe dans cette catégorie.

The sound of silence entre sans hésitation dans cette rubrique. A bientôt 60 ans d’âge, cette chanson du duo folk-rock Simon and Garfunkel n’en finit plus de hanter nos oreilles, nos mémoires, et l’inconscient collectif. Sorti en 1964 dans une version acoustique et avec un S à Sounds, ce titre est en fait né quelques mois plus tôt. Paul Simon en débute l’écriture peu après l’assassinat de Kennedy (donc fin 1963). Intégré au premier album du duo Wednesday Morning, 3 A.M., l’ensemble passe plutôt inaperçu et les deux musiciens se séparent. En 1965, Tom Wilson, producteur de l’album, sent venir la vague folk-rock et décide de réenregistrer une version électrique de The sounds of silence, sans l’autorisation du duo. Le single fonctionne, le duo se reforme, sort un second album Sounds of silence, qui s’ouvre précisément sur notre pépite.

Disons le franchement : la version acoustique a ma préférence, et de très loin. D’une part, parce qu’elle est le reflet artistique du duo Simon and Garfunkel, tel qu’ils ont souhaité leur chanson. D’autre part, parce que la version électrique amenuise la magie et l’émotion initialement souhaitée. Ce titre, qui raconte les dangers de l’indifférence et la nécessité de dire les choses et d’exprimer ses émotions/idées/pensées/intentions, n’atteint jamais aussi bien son but que lové dans un écrin acoustique et intimiste. Le simple accompagnement de guitare pose une ambiance aérienne et poétique, tout en mettant en avant les voix ô combien travaillées, et le texte. La version électrique est celle qui a popularisé le morceau, mais elle perd un peu en fragilité émotionnelle.

Dans les décennies suivantes, on retrouvera The sound of silence repris à toutes les sauces, dans différentes langues et styles : par exemple… Richard Anthony et Marie Laforêt avec La voix du silence, The Dickies pour une version punk rock, Nevermore pour une version heavy metal, Anni-Frid Lyngstad pour une version suédoise, ou encore samplé par Eminem dans Darkness. Le cinéma s’en emparera : par exemple en 1967 dans Le Lauréat (ou l’on entendra également Mrs. Robinson des mêmes Simon and Garfunkel), mais aussi dans Watchmen (2009), pour accompagner la scène des obsèques du Comédien.

Côté histoire musicale, The sound of silence pointe en 2001 à la 79e place du classement des chansons du XXe siècle de la RIAA (Recording Industry Association of America), et en 2010 à la 157e place du classement Rolling Stone des 500 plus grandes chansons de tous les temps. Côté histoire tout court, Paul Simon en fera une interprétation acoustique solo le 11 septembre 2011 lors de la cérémonie commémorative des attentats du 11 septembre 2001 à New-York. Enfin, en mars 2013, The sound of silence est retenue pour intégrer le registre national des enregistrements, conservé à la Bibliothèque du Congrès aux Etats-Unis.

Un sacré pedigree pour une seule petite (mais grande) chanson de 3 minutes. Pourtant, au-delà de ces multiples reprises, utilisations, mises à l’honneur, ce qui fait de The sound of silence une pépite intemporelle est peut-être bien plus simple que ça. Et se trouve en chacun de nous. Réécouter The sound of silence, c’est convoquer des souvenirs. Des images mentales. D’un disque qui tournait sur la chaine hi-fi parentale (qu’on avait interdiction de toucher), dans le salon au papier peint fleuri et orange. De soirées avec du monde dans la maison, ou au contraire de journées familiales et silencieuses. De la pochette du Concert in Central Park, un des rares disques de la maison, précieusement rangé sous ladite chaîne. D’un temps passé mais ancré en nous.

Ecouter The sound of silence, c’est frissonner de la sérénité que ces 3 minutes nous apportent après une journée dense et chargée. C’est aussi te remercier. D’avoir choisi ce son, pour se retrouver et pour se poser ensemble un moment. Et d’avoir fait germer cette chronique.

Version acoustique (1964)

Version électrique (1965)

Raf Against The Machine

Pépite intemporelle n°79 : Snow (2017) de Angus & Julia Stone

Snow Si vous parcourez régulièrement, ou même de temps en temps, nos pages sur Five Minutes, il y a fort à parier que vous connaissez notre goût pour la famille Stone : mon ami Sylphe avait récemment chroniqué Sixty Summers (2021), le nouvel album solo de Julia Stone. De mon côté, j’ai déjà mis en avant des titres comme Baudelaire (2017) ou And the boys (2010), tout en me référant parfois au travail d’Angus & Julia Stone au cours d’une chronique. Leurs albums en solo sont plutôt bons, notamment The Memory Machine (2010) de Julia Stone, mais j’avoue un plaisir particulier à plonger dans la folk-rock du duo. Le savant dosage de guitares folk (et parfois électriques) dont ils ont le secret me transporte à chaque fois dans des images mentales de leurs grands espaces australiens. Rajoutons à cela le mélange de leurs deux voix, et s’installe alors une tranquillité à profiter de chacun de leur titre.

Snow, notre pépite du jour tout en étant intemporelle, n’échappe pas à cette règle. Pour restituer l’action, nous sommes en 2017, en ouverture de Snow, album éponyme et quatrième disque d’Angus & Julia Stone. Leur dernier en date à ce jour. Le plus connu étant Down the way (2010), notamment pour son single Big jet plane, sans oublier qu’il contient des petites merveilles comme For you, Yellow brick road ou encore And the Boys. Si vous aimez ce son Stonien, n’hésitez pas à découvrir (si ce n’est déjà fait) A book like this (2007) et Angus & Julia Stone (2014), deux excellents albums eux aussi.

L’album Snow est dans la droite ligne de ces trois premières productions. De ces disques qui peuvent tourner en boucle chez moi, ou simplement dans ma tête pour accompagner tel ou tel moment de la journée. Bourré de titres tous meilleurs les uns que les autres, il se clôt sur l’intimiste Sylvester Stallone, précédé de la pépite absolue Baudelaire, chef-d’œuvre total de composition et d’émotions. Deux pépites finales qui font écho à l’ouverture de l’album par Snow (le titre).

Tout est parfait dans Snow. L’ouverture, sur quelques notes presque comme un accordage d’instrument, puis la musique qui se met en place, très vite accompagnée des « la la la la la » de Julia Stone, avant les premières paroles qu’elle et son frère vont se partager, une phrase sur deux. Deux voix qui se posent, s’écoutent, se répondent. La douceur qu’elles apportent est contrebalancée et soutenue par l’intensité grandissante de la plage instrumentale. Que ce soit Julia ou Angus, ils jouent de leur voix comme de vrais instruments, et exploitent toute une gamme d’émotions en contact permanent avec les instruments mis plus ou moins en avant. Quatre minutes de magie musicale, qui se terminent presque comme un murmure minimaliste chargé de la richesse du moment passé.

Ecouter Snow, c’est choisir d’entrer de la meilleure des façons dans un album plein de promesses et de jolis moments. C’est aussi se plonger dans une bulle de douceur et de sérénité très vivifiante où il fait bon être. Ce titre apporte du calme, de la lumière, du soleil. Et des images mentales de décor qui vont avec : un coin de nature verdoyant, un bord d’océan breton, une terrasse au soleil pas trop bondée et, de préférence, partagée… Les possibilités sont nombreuses, et les occasions d’écouter Snow aussi. Je ne m’en prive jamais… mais merci de me l’avoir glissé aux oreilles voici quelques jours, et d’avoir, du même coup, fait naître cette chronique.

Raf Against The Machine

Review n°82: Nouveau Genre de KLON (2021)

J’ai trouvé l’album du déconfinement, de l’absence de masque et de couvre-feu, l’album qui va te donner KLON envie de profiter pleinement de l’été en approche. L’EP au plaisir immédiat et instantané qui se savoure sans intellectualisation excessive. Le groupe de 7 comparses qui oeuvrent sous l’étiquette KLON (clone en allemand, natürlich) vient de sortir son premier EP Nouveau Genre, on ne sait pas grand chose d’eux mais après 30 minutes on sait qu’ils vont nous accompagner dans notre été hédoniste.

Le morceau d’ouverture Nouveau Genre joue la carte d’une pop solaire et jouissive qui s’appuie sur des voix masculines et féminines qui se marient à merveille. Le refrain démontre une facilité à poser des mélodies entraînantes sur le sujet d’actualité de l’identité. On retrouvera cette pop instantanée dans 3ème piste et Santa Barbara qui te donnent envie de prendre la voiture et de filer au bord de la mer sans arrière-pensée.

KLON a cependant cette tendance à aller piocher avec délices dans des genres multiples. West est un tube imparable qui s’appuie sur un univers électro plus sombre et une rythmique percutante pour célébrer l’ouest (oui, je sais, je suis assez pointu sur l’analyse). Noise creuse le sillon d’une électro-pop qui m’évoque L’Impératrice ou Agar Agar mais que dire du bijou taillé pour les dance-floors Black Suit? Electro foutraque et extatique qui montre les influences punk du groupe, ce titre est un shot de bonne humeur en intraveineuse. Sable d’Or et ses 7 minutes tout en boucles hypnotiques clot ce Nouveau Genre avec brio. Parler davantage de cet EP serait un sacrilège et puis l’ouest, la plage et ses fêtes, m’attendent, enjoy!

Je vous laisse avec les clips qui devraient vous donner le sourire, tant ces sept-là ne se prennent pas du tout au sérieux…

Sylphe

Five Titles n°23: Going To Where The Tea Trees Are de Peter von Poehl (2006)

La semaine dernière, le plus français de tous les Suédois Peter von Poehl a sorti son sixième album studio Peter von Poehl (sans compter les différentes BO) Memories from Saint-Forget, un album de qualité et sans véritable surprise où la pop soyeuse et sensible continue de déployer ses ailes avec subtilité. Cela faisait de nombreuses années que je n’avais pas croisé le chemin de Peter von Poehl et j’ai eu l’envie immédiate de me replonger dans les premiers albums et en particulier le tout premier Going To Where The Tea Trees Are, sorti en 2006 sur le label Tôt Ou Tard. Et ma foi bien m’en a pris tant cet opus n’a pas pris une ride et touche par sa fragilité. A l’époque, Peter von Poehl est loin d’être un inconnu et a déjà travaillé avec Bertrand Burgalat, Alain Chamfort ou encore Marie Modiano (sa future femme au passage). Ce Going To Where The Tea Trees Are va ainsi arriver en toute modestie et pudeur pour célébrer les talents de compositeur de Peter Von Poehl. Je vous propose de découvrir ce beau bijou à travers le prisme de cinq titres qui me touchent particulièrement…

Le morceau d’ouverture Going To Where The Tea Trees Are nous offre d’emblée cette pop-folk savoureuse qui s’appuie sur une voix presque irréelle et translucide, une voix à la rythmique lancinante. Je pense souvent en écoutant ce titre à Sébastien Schuller qui aurait proposé une version pop de la BO de Virgin Suicides d’Air. La fin s’appuyant sur les cuivres est émouvante et ne lève pas le voile sur ces paroles un brin mystérieuses mettant en avant la volonté d’évoluer et de s’oublier davantage, « So I will go to where the tea trees turn to wine/ I’ll be just fine/ It takes a believer sometimes ».
Travelers me touche, quant à lui, par son univers instrumental. La rythmique de la guitare est touchante de simplicité et laisse peu à peu les cordes sublimer l’ensemble. La voix falsetto de Peter von Poehl traite avec subtilité le pouvoir de la musique qui permet d’ancrer l’amour dans la réalité alors que nous cherchons sans cesse à voyager et d’une certaine manière nous fuir.
A Broken Skeleton Key joue sur des sonorités pop plus immédiates, comme une musique de foire jazzy digne de Jay Jay Johanson. Ce titre tranche avec l’ensemble de l’album et prend plaisir à nous surprendre par son univers faussement inquiétant.
Scorpion Grass, morceau dont les paroles restent énigmatiques pour moi, me séduit lui par son combo magique: rythmique de guitare judicieuse et refrain puissant sublimé par les cordes qui donne une vraie intensité à ce morceau d’un peu plus de deux minutes.
The Story of the Impossible s’est vite imposé comme le single incontournable de l’album. Repris dans la BO de L’Arnacoeur ou d’Hippocrate, la mélodie d’une grande douceur est imparable… Si tu as résisté à un début de conjonctivite inopinée avec les paroles, les sifflotements sur la fin devraient te désarmer.

Désormais tu as le choix… Ou te visionner une nouvelle fois la purge Suède-Espagne d’hier soir ou réécouter ce très beau Going To Where The Tee Trees Are. Je me doute comme ce choix est cornélien, enjoy!

Sylphe

Clip du jour n°17 : Ghost (2012) de Skip The Use

Ghost Voilà presque dix années que le groupe français Skip The Use a décoché la flèche de son brillant album Can be late (2012). A l’intérieur se trouvent des pépites qui se ramassent à la pelle, comme les feuilles mortes mais en plus vivifiant. Album tout à la fois pop, rock, electro, funk, punk, Can be late raflera dès l’année 2013 la Victoire de la musique « Groupe ou artiste révélation scène de l’année ». Plutôt pas mal, pour une formation née à peine 4 années plus tôt dans le département du Nord, qui n’a donc pas comme unique intérêt ses bières et sa proximité avec la Belgique (#seconddegré bien évidemment, car chacun de mes passages dans le Nord m’a laissé d’excellents souvenirs). Emmené par son chanteur Mat Bastard (aka Mathieu-Emmanuel Mollaert), Skip The Use dynamite les frontières musicales pour mélanger dans ses compositions différentes influences qui font la richesse de leur son. Ghost en est la parfaite illustration, en reposant sur une trame musicale rock teinté d’un flow rap et de touches électro bien senties.

Pourtant, Ghost n’est pas qu’un son. C’est aussi de l’image et un clip. Tout a commencé par une devinette, ou plutôt une recherche d’un clip « qui se passe dans un château, avec une chanson un peu électro-rock, c’est un groupe qui chante en anglais ». Inutile de dire que ma mémoire s’est vite mise en route, pour t’aider à retrouver ce clip dont tu te souvenais mais dont le titre t’échappait. Un peu comme un moteur de recherche qui fonctionnerait correctement avec les bons mots-clés, Ghost m’est arrivé en tête, après quelques tentatives malheureuses… « Ouiiii !! C’est ça ! » Le plaisir d’avoir trouvé, mais aussi et surtout celui de voir le tien. Et le plaisir de revisionner cette pépite accompagnant la pépite.

Ghost fonctionne en tant que son par un métissage de genres musicaux qui se combinent à merveille. S’y rajoute un élément décisif : les chœurs qui viennent chanter le refrain, rappelant ainsi Another brick in the wall (part 2) de Pink Floyd, un autre titre pop-rock entendu et usé jusqu’à la corde, mais toujours aussi efficace et désormais ancré dans l’inconscient collectif. Comme en écho dans le clip, on replonge dans l’imagerie The Wall avec des adolescents regroupés dans un château-centre d’éducation. Y sévit un éducateur bien peu éducatif, tentant de contrôler ces jeunes gens. Ces derniers sont manifestement dans d’autres préoccupations et un autre univers.

Plus tard dans le clip, on retrouvera tout ce beau monde au réfectoire, dans des uniformes d’écoliers anglais qui rappelleront Harry Potter aux plus jeunes, mais surtout les écoliers de The Wall aux autres. La scène se termine d’ailleurs sur le cauchemar (ou peut-être une forme de secret espoir) de tout CPE/éducateur : les élèves envoient tout balader (au sens propre comme au figuré), pour prendre en main leur existence et profiter par eux-mêmes d’un moment hors de tout carcan normatif. « Teachers leave the kids alone » : notre rôle d’adulte et d’éducateur n’est pas de mouler les jeunes générations dans des cases sociétales toutes faites, pas plus que de les laisser faire librement ce qui leur passe par la tête. Laissons-les expérimenter tout en étant à leurs côtés, pour les accompagner et les guider à devenir ce qu’ils sont. En gardant à l’esprit que parfois, pour eux, bronzer dans le jardin ou au bord de la piscine est plus important et intéressant que la perspective de retourner en cours le lendemain.

Ghost et son clip ne racontent pas que cela. Au-delà de l’éducation et de la posture d’éducateur, il est ici question de vie, du sens de l’existence et de ce qui nous y maintient. Les premiers mots sont cinglants « Time is running out / Ghost keeping me alive / I get what it means / You have to survive » (Le temps est compté / Un fantôme qui me tient en vie / Je sais ce que ça signifie / Tu dois survivre). Percutants aussi, en rappelant le défilement du temps, qui à la fois nous maintient vivant tout en nous pressant de ne rien rater. Ghost raconte la nécessité d’être en prise sur son époque, sur les moments qui se présentent. Etre en éveil face à sa propre existence pour appréhender celle des autres. Ce sont les écoliers du clip qui renversent les règles et les conventions dans la dernière partie. C’est aussi nos yeux et nos sens grand ouverts sur le monde qui nous entoure et l’endroit de notre existence où nous sommes à chaque minute, chaque heure et chaque jour.

Le temps est un fantôme qui nous tient en vie, mais au-delà du maintien, ce qui réellement nous fait vivre se trouve dans le monde qui vibre à chaque seconde. Dans les autres en interaction avec nous. Et dans l’autre, qui alimente notre lumière, nos moments, nos envies et notre énergie.

Raf Against The Machine

Pépite du moment n°87: Ani Kuni de POLO & PAN (2021)

Envie de commencer cette semaine quasi estivale avec entrain et légèreté? J’ai ce qu’il vous faut sous mon grand chapeau (Annie si tu nous entends…) avec un morceau improbable sur lequel je viens à l’instant de tomber. Nous avons déjà parlé du duo français POLO & PAN à l’occasion de la sortie de leur EP Gengis en 2019 avec leur titre éponyme qui s’imposait comme une fresque épique brillante (à réécouter par ici). En 2020, Polocorp et Peter Pan ont sorti leur septième EP Feel Good au titre prémonitoire tant il donne le sourire mais c’est leur single Ani Kuni qui va nous intéresser aujourd’hui. Ce titre reprend un chant indien ani couni chaouni qui, s’il est à la base un chant de lamentation entonné lors de la cérémonie de la Danse des Esprits, devrait parler à plus d’un parent (et j’en suis!) car il est devenu une berceuse pour enfants célèbre. La recette est d’une simplicité enfantine: des sonorités électroniques représentatives du groupe, une tendance à s’appuyer sur des sons tropicaux, le choeur d’enfants et un clip coloré. Il ne m’en faut pas plus pour démarrer avec le sourire cette nouvelle semaine, enjoy!

Sylphe

Review n°81: Spirit Tree de Kira Skov (2021)

Le Danemark, terre de talents… Vous n’êtes pas sans savoir, si vous êtes un lecteur régulier du blog, que de nombreux artistes danois ont trouvé grâce à mes oreilles. Il conviendra de désormais rajouter à cette sublime liste Kira Skov dont le huitième album Spirit Tree est un véritable bijou. Je connaissais jusqu’alors Kira Skov uniquement pour sa présence sur des albums de Tricky ou Trentemøller et je regrette depuis deux bonnes semaines de méconnaître à ce point sa carrière solo. Autant vous dire que ses sept premiers opus devraient faire partie de ma playlist estivale… Cet album créé pendant le confinement (lié à vous savez quoi…) a été l’occasion pour Kira Skov de travailler avec des musiciens et interprètes dont elle est proche artistiquement. Le résultat est aussi brillant qu’orgiaque avec 14 titres pour ne pas dire 14 duos et 56 minutes qui font chaud au coeur. Une très belle introspection où l’amour et ses fragilités ainsi que la thématique de la mort (la perte de son compagnon, le bassiste Nicolai Munch-Hansen demeure en filigranes) s’entrelacent avec douceur et subtilité pour un hymne puissant à la vie.

Le morceau d’ouverture We Won’t Go Quietly, écrite suite au meurtre de George Floyd, fait le constat amer d’une humanité qui ne cesse de reproduire les mêmes erreurs et témoigne du besoin de réagir avec force contre ces injustices. Le titre, mixé par Trentemøller himself, touche par la douceur de son univers folk sobrement illustré par une guitare sèche et cette alliance parfaite entre la voix éthérée de Kira Skov et le timbre de Bonnie Prince Billy. On retrouvera un autre titre avec ce dernier, Some Kind of Lovers, d’une grande justesse et portée par un refrain lumineux sublimée par les cordes. Le violon de Maria Jagd donne incontestablement une puissance onirique et lyrique à l’ensemble de l’album….

In the End met ensuite à l’honneur la voix de crooner de Steen Jørgensen dans un duo très intense célébrant une danse entre un homme et une femme. L’univers instrumental soigné, aux confins du baroque, n’est pas sans m’évoquer une créature hybride entre Get Well Soon et Cage The Elephant (oui, oui, à Five-Minutes on ne s’interdit pas les grands écarts artistiques…). Dusty Kane s’impose ensuite comme un hommage appuyé à deux chanteuses emblématiques, Dusty Springfield et Kate Bush, en s’appuyant sur la voix lumineuse de Mette Lindberg, la chanteuse de The Asteroids Galaxy Tour, qui distille de subtiles effluves pop au morceau sur fond de violons mélancoliques. Si vous savourez le grain de voix enfantin de Mette Lindberg, vous pourrez la retrouver sur Ode To The Poets et son dialogue fictif entre Jack Kerouac et Dylan Thomas. On aura bien compris avec l’image de l’arbre sur la pochette de l’album que Kira Skov veut rendre hommage à ses racines littéraires et musicales.

Pick Me Up fait appel, quant à lui, à Stine Grøn (du duo Irah que je ne connais pas) pour un résultat tout en langueur d’une grande émotion. Les violons et les envolées lyriques rappelant les Balkans piquent les yeux et donnent une place à part à ce bijou. Idea of Love vient ensuite s’appuyer sur le timbre à la Johnny Cash de Mark Lanegan avec un univers musical de nouveau digne de Get Well Soon alors que Horses met à l’honneur les voix de John Parish et Jenny Wilson pour un résultat puissant et un brin inquiétant qui pourra rappeler la folie habitée de St. Vincent. L’univers instrumental de ce titre est assez insaisissable tant on sent la tentation pop ne jamais prendre totalement le dessus.

Sur la deuxième partie de l’album, on retrouve l’amie de longue date Marie Frisker sur l’émouvant Tidal Heart qui traite de la difficulté de pleinement se donner en amour et Burn Down The House qui traite de l’amour brisé sur des sonorités plus jazzy dignes de Jay-Jay Johanson. Bill Calahan sur le très sombre Love is a Force, Lionel Limiñana (en mode Gainsbourg) et ses paroles en français taillées à la serpe sur le très beau Deep Poetry ou encore Lenny Kaye sur Lenny’s Theme et sa trompette qui mériterait de figurer sur les premiers albums de Yann Tiersen, toutes les collaborations apportent ce supplément d’âme à cet album qui marquera cette année musicale. Pour finir sur des notes plus légères, Kira Skov fait penser à un nom de vodka mais l’addiction à son univers est bien plus forte. Sur ce, j’ai sept albums à aller écouter en m’enfilant une vodka, enjoy!

Sylphe

Ecoute ce jeu n°1 : To be me / Facettes OST (2021) de Thomas Méreur

Voilà un certain temps que chez Five Minutes nous tournons autour de l’idée d’une nouvelle rubrique « Musique de jeu vidéo ». Quand je dis nous, c’est plutôt moi il faut l’avouer. Non pas pour m’attribuer la paternité de cette catégorie, mais parce que ça fait des mois que j’épuise mon ami Sylphe avec cette idée, sans jamais concrétiser. Deux raisons à ce nouveau terrain d’écriture. D’une part, les BO (ou OST pour Original SoundTrack) de jeux vidéo peuvent être au moins aussi fabuleuses et puissantes que celles des films. L’avenir et les futures chroniques en donneront des exemples, en s’attachant au son, bien plus qu’au jeu en lui-même, tout en montrant les liens entre les deux. D’autre part, je suis très fan de ce qui est fait depuis longtemps sur Gamekult.com dans ce domaine par les très talentueux Gauthier Andres (aka Gautoz ex-Gamekult), Pierre-Alexandre Rouillon (aka Pipomantis) et Valentin Cebo (aka Noddus). Gros clin d’œil et hommage donc à ces pères fondateurs et inspirateurs, qui m’ont appris à jouer autant avec les mains qu’avec les oreilles. Le jour est venu de se lancer sur Five Minutes, avec ce Ecoute ce jeu n°1.

8b9574dc68b939722d130e846523cee7_original Le hasard (qui, soit dit en passant, n’existe pas) faisant bien les choses, nous inaugurons nos Ecoute ce jeu avec un morceau de Thomas Méreur. Un artiste dont nous avons déjà parlé ici à plusieurs reprises, et notamment pour la sortie de son premier album Dyrhólaey en octobre 2019, qui fut tout simplement mon album de cette année-là. Pourquoi parlais-je de hasard ? Parce que Thomas Méreur, c’est aussi Amaebi, qui nous régale de ses contributions régulières sur Gamekult.com. Tout autant musicien que passionné de jeux vidéo, ce dernier se lance dans un nouveau projet artistique qui combine ces deux domaines. En effet, le studio indépendant OtterWays travaille sur un projet de jeu intitulé Facettes, que l’on pourrait résumer ainsi : « Facettes est un simulateur de création de personnages RPG, une expérience narrative autobiographique fantasmée. Il est inspiré par l’esthétique et la symbolique du tarot. Le jeu raconte ce moment suspendu dans la vie d’une femme qui découvre son identité queer. Elle se retrouve face à une infinité de possibilités, comme autant de facettes de sa personnalité. » Pour plus de détails sur ce développement, le studio et les membres d’OtterWays, je vous invite à consulter le KickStarter du jeu à cette adresse (d’où est d’ailleurs tiré le rapide descriptif précédent) : https://www.kickstarter.com/projects/otterways/facettes-a-queer-story-driven-game-experience?ref=thanks-tweet (pour celles et ceux qui l’ignorent, KickStarter est une plateforme de crowfunding, qui permet un financement participatif). Autrement dit, si ce projet vous parle ou vous séduit, vous pourrez, via ce lien, le découvrir et y contribuer.

Facettes repose donc sur l’idée d’explorer sa propre personne et de la découvrir, au travers de Potentielles, autrement dit différentes facettes de sa personnalité. Voilà qui renvoie par exemple à la série des Persona (où les personnages explorent et révèlent leur vraie personnalité, pour faire très court), ou à l’excellent Disco Elysium : un jeu de rôle narratif dans lequel le personnage principal se réveille post-cuité et amnésique, et va devoir reconstituer qui il est, au travers de différents traits de caractères qui sont en lui et que le joueur fera évoluer au gré de ses choix de jeu.

J’avoue être assez fasciné, au-delà de ce type de jeu, par cette recherche introspective de personnalité. Sans doute parce que c’est un moyen actif de se connaître de mieux en mieux au fil des années. Mais aussi parce que c’est, finalement, la quête d’une vie. Du moins, la recherche qui étaye une existence construite, maîtrisée, et de plus en plus au fur et à mesure que l’on se connaît mieux soi-même. Avoir une fine connaissance de ce que l’on est et de notre fonctionnement, pour aller de plus en plus vers ce qui nous convient et nous fait du bien, en évitant certaines erreurs ou errances passées. La recherche d’une forme de sérénité, pour minimiser les mauvaises claques de la vie et leurs effets, qui ont le chic pour frapper nos fragilités aux pires endroits, et aux pires moments. Rien n’est écrit et rien n’est inéluctable. Être soi, pour être en vie.

Être soi, cela tombe bien puisque c’est précisément le titre du morceau inédit de Thomas Méreur que l’on écoute aujourd’hui. To be me lui a été inspiré par Facettes. Un jeu écrit par la narrative designer Pia Jaqmart. Inspirée elle-même par Apex, titre d’ouverture du Dyrhólaey de Thomas Méreur, en commençant à travailler sur Facettes, elle a proposé à ce dernier de rejoindre le projet pour en travailler la bande son. Le premier résultat disponible est ce To be me, dans lequel on retrouve tout ce qu’on aime dans la musique de Thomas Méreur. Un piano-voix finement arrangé, une introspection poétique et sonore qui transpire de ces 3 minutes. Comme toujours, c’est une composition qui se dévoile avec une grande pudeur, tout en s’installant immédiatement et durablement en nous. Une sorte de son parfait qui sait exactement où venir s’incruster pour émouvoir nos points les plus sensibles. C’est à la fois lumineux, contemplatif et d’une douceur absolue. En écoutant To be me, j’ai eu des sensations similaires à l’exceptionnel If you could let me be de Jeanne Added, entendu sur Air, son dernier EP. If you could let me be… To be me… Non, il n’y a pas de hasard. Une claque émotionnelle directe, qui n’assomme pas, mais invite au contraire à cette démarche instropective que proposera Facettes. Tout en retenue, mais avec conviction, en se donnant le temps.

Si vous avez besoin de calme, d’une bulle, de sérénité, de vous retrouver avec vous-même ou de partager certaines interrogations existentielles mais terriblement humaines, To be me est un des titres de la bande-son idéale pour ces moments. Il accompagne aussi Facettes, un titre vidéoludique qui sera une autre façon de s’auto-explorer. Human after all.

Le visuel en tête d’article est tiré du KickStarter Facettes (c)OtterWays

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