Five reasons n°15 : Where is my mind ?(1988/2010) des Pixies / Reprise Maxence Cyrin

Réveil laborieux, brouillard matinal dans le ciel comme dans la tête embrouillée de pensées… Il n’en fallait pas plus pour aller se réfugier dans un endroit qui fait du bien. Where is my mind ? est l’un de ces lieux, où j’aime aller me recroqueviller sur moi-même pour ramasser les morceaux. Et pour (au moins) ces 5 autres raisons.

  1. Where is my mind ? est, à la base, un titre des Pixies. Sorti en 1988 (oui, 31 ans déjà) sur l’excellent Surfer Rosa, ce morceau contient tout ce que j’aime chez ce groupe. Un côté un peu perturbé et torturé, porté par les chœurs obsédants et la guitare lancinante, que vient transpercer la voix de Frank Black. Faut-il préciser que je l’ai écouter des centaines de fois ? Oui. Faut-il ajouter que je l’ai fait tourner jusqu’à l’ivresse dans mes années lycée/ados coincé entre 4 murs ? Oui. Faut-il dire que je n’ai jamais cessé d’y revenir ? Oui.
  2. Where is my mind ? a été utilisée dans deux des plus grands moments d’écran que je connaisse. Ce morceau clôt le vertigineux Fight Club, brûlot halluciné et dérangeant qui raconte le monde de consommation de merde dans lequel on est plongé, pour le meilleur et surtout pour le pire. Mais on l’entend également dans la saison 2 de The Leftovers, magistrale série TV dont j’ai déjà eu l’occasion de parler et qui reste un objet télévisuel et émotionnel indépassable à mes yeux.
  3. Where is my mind ? a fait l’objet de nombreuses reprises, par des artistes d’horizons divers Nada Surf, James Blunt, M.I.A., ou encore Maxence Cyrin. Comme une preuve de l’universalité du titre, et d’une sorte de reconnaissance tout style musical confondu. Maxence Cyrin, donc, qui donne à entendre une version piano solo sur son album Növo Piano (2010). Version que je vous propose de réécouter ou découvrir un peu plus bas, après la version originale.
  4. Where is my mind ? en version piano solo, qui débarque aussi dans une autre grande série TV malade jusqu’à l’os, à savoir Mr. Robot. Putain de coup de pied dans la fourmilière capitaliste, énorme performance de Rami Malek et interrogation globale sur notre monde numérique, Mr. Robot défonce toutes les règles et, oui, à un moment on finit tous par se demander si on ne perd pas la boule. Avec, en plus de ce Where is my mind ?, une bande son de dingue pondue par Mac Quayle. Mais c’est une autre histoire.
  5. Where is my mind ? pourrait être ma toupie. Mon Inception totem. Le truc que je fais tourner, comme DiCaprio dans le film, et qui me permet de savoir où j’en suis, et si je suis éveillé ou endormi. Parfois, c’est rassurant parce que je réalise que je suis bien là où je crois être. Parfois, je me rends compte que je rêve alors que je crois être éveillé (et réciproquement), et là ça peut se compliquer.

Je vous laisse écouter et profiter, j’y retourne pour vérifier que j’ai bien écrit cet article. Parce que, en toute honnêteté, je ne suis pas totalement certain d’être vraiment là.

Raf Against The Machine

Five reasons n°14 : The Leftovers (2014-2017) de Max Richter

Virée TV-musique, pour le son de la semaine : la BO de la série The Leftovers (2014-2017), signée Max Richter. Pourquoi donc s’y replonger et s’extasier, une fois encore, sur ce score de folie ?

  1. Parce que Max Richter est un compositeur dingue. On ne compte plus ses albums, participations, collaborations. A chaque fois, ça fonctionne, notamment dans le récent Ad Astra (2019). C’est émotionnellement puissant, toujours juste, et pour ce qui est d’accompagner des images, parfaitement en accord avec ce que nos yeux reçoivent. Le genre d’artiste qui, à ma connaissance, n’est jamais tombé une fois à côté de son sujet.
  2. Parce qu’on parle ici d’illustrer musicalement une des plus grandes séries TV qui existe. Sans hésiter la série TV des années 2010. Sans trop hésiter non plus, la série TV des années 2000. Sortie de la tête de Damon Lindelof, également à l’origine de Lost (2004-2010) et Watchmen (2019-…), The Leftovers et ses 3 saisons ont même réussi à passer, à mon goût, devant l’indépassable Twin Peaks. Oui, quand même.
  3. Parce que The Leftovers raconte notre monde, nos vies, la perte, le deuil, et la poursuite de l’existence pour ceux qui restent, sans ceux qui ont disparu sans prévenir. C’est un bouleversement émotionnel à chaque épisode et, croyez-moi sur parole, ça recommence avec la même intensité à chaque visionnage.
  4. Parce que ça recommence avec la même intensité à chaque visionnage, et que tout cela n’est sans doute pas étranger à la partition de Max Richter : cordes et piano, au service d’une musique minimaliste, répétitive, entêtante. Les deux titres phares sont, pour moi, The Departure (littéralement « le départ ») et Dona nobis pacem (littéralement « accorde nous la paix »). Ce sont d’ailleurs les deux thèmes récurrents, dans des interprétations et arrangements toujours légèrement différents mais immédiatement reconnaissables. Comme deux balises dans cet océan émotionnel.
  5. Parce que The Leftovers finit aussi par apporter de la lumière, en racontant au final l’histoire d’un amour évident, total et imparable. Loin de toute considération religieuse ou de toute bondieuserie, cette série et sa bande-son visent au-delà. En ciblant l’essentiel et le fondamental de nos vies : la relation humaine, la capacité à se rendre à l’évidence des sentiments, la faculté de se (re)construire avec ceux/celui/celle qui sont là. Sans oublier les disparus. Tout départ est inoubliable. On ne guérit jamais d’une perte. Mais, peut-être, est-il possible de cicatriser un peu. Cette BO, tout autant qu’elle sait nous retourner, peut aussi contribuer à nous apporter un peu de paix.

Parce que, pour résumer, cette série et sa BO m’ont sauvé. Et continuent à le faire.

Raf Against The Machine

Five reasons n°13 : Everything not saved will be lost Part. 2 (2019) de Foals

Part_2_Everything_Not_Saved_Will_Be_LostPour les plus distraits, les britanniques de Foals ont sorti en mars dernier la première partie d’un projet plutôt ambitieux : Everything not saved will be lost Part. 1 était alors la galette de la résurrection du quintet, après un What went down (2015) en demi-teinte. J’avais alors dit beaucoup de bien de cet opus survitaminé et bourré de bonnes idées. Si vous n’étiez pas là à l’époque, c’est à relire d’un clic ici-bas ici même. Et depuis, je trépignais d’impatience pour savoir ce que vaudrait la Part. 2. Les Foals ont-ils relevé le défi d’un second volet aussi captivant que le premier ? Oui, sans hésitation. Et, comme pour la Part. 1, voici cinq bonnes raisons de compléter votre collection et de faire criser un peu plus votre banque.

  1. Cette Part. 2 porte bien son nom. C’est le parfait complément et l’idéal prolongation de l’opus de mars dernier. Autrement dit, si vous avez kiffé la première galette, vous aimerez celle-ci, mais pour d’autres raisons. Les titres se veulent résolument plus rock, avec des guitares bien plus en avant. En cela, alors que la Part. 1 faisait la part belles aux sons type années 80, cette fois nous sommes plutôt dans le rock du milieu des années 90. Notamment avec Black Bull (le gros son énervé de la galette) et 10,000 Ft., deux titres qui m’ont énormément fait penser au Pearl Jam de Vitalogy (1994) et No code (1996). Quand on connaît mon amour déraisonné pour ce groupe, normal que ça accroche.
  2. Plus largement, si vous aimez le rock un peu énervé et rageur, les guitares lourdes et les sons qui tabassent, vous allez être servis. Outre Black Bull déjà évoqué, The Runner est un autre grand moment de l’album. Je l’avais déjà pépité il y a quelques semaines (à relire ici), et il reste pépite. Un morceau rock lourd et aérien à la fois, qui n’est pas sans rappeler l’excellent Inhaler, sur l’album Holy Fire (2013). Mais Foals sait aussi se faire rock groovy par la voix de Yannis Philippakis. Un morceau comme Like lightning finira de vous convaincre, si besoin, que le quintet sait aussi pondre des mélodies incendiaires, sensuelles et chaudes comme la braise.
  3. Everything not save will be lost Part. 2 est rock, mais pas que. Et c’est bien là une des grandes forces de cet opus. Wash off ou encore Dreaming of envoient certes de la guitare et du son, mais tout cela est teinté de finesse et d’équilibre. Ces morceaux, posés entre d’autres plus massifs, apportent à l’ensemble une bouffée d’air qui aère complètement l’écoute. Et font de ce second volet un disque qui s’écoute d’une traite, comme un voyage sonore suffisamment cohérent pour ne pas décrocher, suffisamment varié pour ne pas s’y emmerder.
  4. Cet album est, en effet, assez vertigineux. Il parvient à poursuivre le chemin tracé par son jumeau de mars, tout en créant une sorte de mix du tout, comme une boucle temporelle et sonore. Plus on avance vers la fin de l’album, plus on retrouve des mélanges d’ambiances, de tout ce que l’on a connu depuis les premières notes de la Part. 1. Dreaming of (fin de face A) ou Into the surf (avant-dernier morceau face B) posent des ambiances cotonneuses, presque oniriques, puis injectent des sonorités très 80’s, semblables à celles qui ont fait la Part. 1, tout en restant dans la dynamique et la variété de la Part. 2. C’est totalement brillant, et la mise en perspective de ces deux moitiés n’en est que plus belle.
  5. L’aventure se clôt de fort belle manière avec un long Neptune. Les Foals ont misé sur une ambiance quasi-planante, qui alterne avec des moments de derniers cris rock. Comme une extinction annoncée, une perte à venir. Tout a été dit en deux LP, il est temps de se quitter sur un dernier titre qui rassemble le savoir-faire des gars d’Oxford. Un morceau requiem, un adieu à ce mix de sons 80’s et 90’s sans cesse brassé et repensé. A propos d’adieux, la pochette de cette Part. 2 est, comme celle de la Part. 1, d’une beauté incroyable. La photo est exceptionnelle, et si on la regarde bien, on aperçoit en arrière-plans les membres du groupe se recueillant chacun devant une croix. Alors que nous-mêmes sommes visuellement devant une croix, à nous recueillir aussi d’une certaine façon.

Tout ce qui n’aura pas été sauvegardé sera perdu : le titre de ce projet en deux temps nous saute maintenant à la gueule et tout devient limpide. Foals avait annoncé la couleur d’entrée de jeu, et la mission est brillamment remplie. On n’aura certainement pas tout sauvegardé (est-ce seulement possible ?), mais l’essentiel est là. Il est gravé dans le vinyle d’un double LP assez incroyable et terriblement captivant. Foncez sans hésiter : après Dyrhólaey de Thomas Méreur et la BO de Joker par Hildur Guðnadóttir, voici le 3e album pilier d’octobre 2019, et au-delà, de cette année 2019. Il semblerait qu’il y en ait au moins un quatrième, mais c’est une autre histoire.

Raf Against The Machine

Five reasons n°12 : Everybody needs somebody to love (1980) des Blues Brothers

D’entrée de jeu, les puristes et connaisseurs vont me tomber dessus, puisque Everybody needs somebody to love n’est originellement pas un titres des Blues Brothers. En effet, cette pépite date de 1964 et fut alors interprétée par Solomon Burke, célèbre chanteur de rythm’n’blues, soul et gospel, considéré comme un des pionniers de la musique soul avec Ray Charles ou Sam Cook.

Toutefois, la version la plus connue de ce morceau date de 1980, lorsque cinéphiles et mélomanes le découvrirent entre les mains des Blues Brothers dans le film éponyme. Et si besoin était de vous persuader d’y replonger, voici cinq bonnes raisons.

  1. Il y a dans ce morceau une énergie assez incroyable qui fait danser à peu près n’importe qui dans n’importe quelles circonstances. Lancez le son et je vous mets au défi de rester insensibles et immobiles. Ça groove, ça cuivre, ça balance et il y aurait presque même une sorte de flow de dingue avant l’heure.
  2. Pour atteindre Everybody needs somebody to love dans le film, il faudra passer par quantité de stars et de guests animés comme jamais par la musique qu’on aime, celle qui vient de là, celle qui vient du blues. Vous avez déjà oublié Aretha Franklin chantant Think dans son dinner ? Ou Ray Charles en vendeur d’instruments ? Allez zou, je vous prescris une dose de Blues Brothers, et sans tarder !
  3. Tant que vous y serez, finissez le film : après cette version dantesque de Everybody needs somebody to love, la formation des Blues Brothers livre une interprétation chaude bouillante de Sweet home chicago. La boucle est bouclée, parce qu’on revient ainsi à un des berceaux du blues, genre musical dont tout découle (ou presque). Et parce que le Chicago blues, c’est juste hyper top et ça donne envie d’aller réécouter les Stones.
  4. Everybody needs somebody to love : je ne vous fais pas l’injure de la traduction, mais au-delà de sa littérale signification, ce titre est un appel à l’amour. L’amour de l’autre, l’amour des autres, l’amour physique, l’amour platonique, la générosité du cœur et l’ouverture d’esprit. Si le monde entier écoutait ce morceau un peu plus souvent et un peu plus attentivement, je suis certain qu’on mettrait des fleurs dans les canons des fusils qu’on finirait par balancer dans une autre dimension.
  5. Il faut vraiment une 5e raison pour vous convaincre ? Franchement, écoutez-moi ça sans tarder et vous verrez que les quatre premières sont amplement suffisantes (#ditlemecquisèchesurlafindesontexteetquineveutpaslereconnaître).

Et en prime, la version originale, bien sympathique aussi 😉

Raf Against The Machine

Five reasons n°11 : Everything not saved will be lost part. 1 (2019) de Foals

Foals_Standard_pk3000x3000_0On avait laissé Foals pas tout à fait en mauvaise posture, mais sur un album en demi-teinte. What went down, sorti en 2015, avait peiné à convaincre. Non pas qu’il était mauvais : voilà un album rock, avec des guitares et de l’énergie. Mais, au regard des albums précédents avec notamment Holy fire (2013) et surtout l’excellent Total life forever (2010), Foals semblait un peu en perte de vitesse et donnait l’impression d’avoir perdu son identité. Des groupes comme Arcade Fire, Archive ou encore Foals nous ont habitués à teinter chacune de leur galette d’une touche bien personnelle et immédiatement identifiable. Or, ce feu sacré (#vousl’avez?) foalsien était quelque peu retombé avec What went down. C’est donc avec à la fois appréhension et excitation que l’on attendait ce nouvel opus, pour savoir si la flamme est de retour.

La réponse est oui, absolument oui. Foals livre avec Everything not saved will be lost part. 1 son meilleur album depuis ce Total life forever porté aux nues. Et peut-être son meilleur album tout court. C’est une raison suffisante pour vous jeter dessus, mais pour convaincre les plus hésitants, en voici cinq autres.

  1. Cet album est d’une cohérence assez incroyable. On ne parlera pas de concept-album (c’est bien autre chose), mais d’une galette dont vous n’apprécierez la grandeur qu’en écoutant les titres dans l’ordre, les uns après les autres. Piocher l’un ou l’autre au hasard reviendrait, comme dans tout bon album, à passer à côté des intentions et du voyage proposé.
  2. Foals se livre à un énorme travail sur les sons et sonorités, à la fois en termes de recherche et de construction. Les différentes pistes mélangent des instruments qu’on pensait incompatibles, dans un savant équilibre avec la voix selon l’ambiance souhaitée. Moonlight ouvre la danse avec son synthé et une guitare lunaires et la voix de Yannis Philippakis, alors que plus loin, White onions mixera des sons très aériens et d’autres bien plus gras et ronflants. Ce cocktail est inattendu 4 ans après What went down, mais il est réussi et autrement plus excitant.
  3. La force d’un album réside aussi dans sa capacité à glisser en nous, sans qu’on s’en aperçoive, une mélodie qui ne nous quittera pas. C’est le cas avec notamment In degrees, son ambiance groovy et sa ligne de basse saturée en boucle, qui me rappelle l’effet que m’avait fait Everything now de Arcade Fire, sur l’album éponyme. Ou encore On the luna, qui ouvre la face B avec un son très 80’s et plein de bonne énergie.
  4. Transition toute trouvée… Everything not saved will be lost part. 1 est un disque monstrueusement bourré d’énergie. Dès Exits, qui fut le premier single sorti, Foals lâche les chevaux (#vousl’avezbis?) dans une composition rappelant furieusement Depeche Mode qui aurait branché une guitare un peu lourde pour quelques riffs bien gras. L’énergie ne faiblit pas d’un iota, même lors de titres apparemment plus calmes, comme Café d’Athens avec sa voix plus posée tel un instrument parmi le vibraphone et les percussions très présentes. Ou encore Sunday, ou la ballade revisitée par Foals : un titre d’éveil du dimanche matin qui évoque le corps tiède de son amoureux.se sortant de sa nuit pour venir se blottir en nous.
  5. L’album se clôt avec un titre à la fois provocateur et teaser à mort : I’m done with the world (& it’s done with me). D’une, c’est ici un peu la renaissance de Foals et c’est donc paradoxal de dire qu’on en a fini. De deux, on sait bien qu’on est loin d’en avoir fini, puisque l’opus Part. 2 sortira à l’automne, et il est inutile de préciser qu’on a très très hâte d’entendre ça. Pirouette ultime pour ce Part. 1 : un titre piano-voix-synthés, en décalage complet avec l’avalanche rock du reste des titres, comme une façon de dire « Et oui, ça aussi on sait le faire ».

Everything not saved will be lost part. 1 est sorti en mars dernier, et si vous ne vous êtes pas encore jetés dessus, foncez ! Et pour allier le plaisir des oreilles et des yeux, je ne saurais que trop vous conseiller le format vinyle, qui permet d’apprécier pleinement la splendide pochette créée pour l’occasion.

Raf Against The Machine

Five reasons n°10 : The Passenger (1977) de Iggy Pop

Après la soirée live au Printemps de Bourges la semaine dernière, retour sur Terre avec The Passenger, une pépite intemporelle en cinq raisons chrono :

  1. Parce que The Passenger est au cœur de Lust for life (1977), album de la résurrection rock pour Iggy Pop. Après les bidouillages et expérimentations sonores voulus quelques mois avant par David Bowie sur The Idiot (1977), l’Iguane reprend la main sur sa production musicale de la plus belle des façons. Il en résulte un rock solaire et intense dont The Passager est l’illustration parfaite
  2. Parce que la voix terrible et incroyablement profonde d’Iggy Pop, tout simplement. Amenée en plus par ce putain de riff d’intro.
  3. Parce que le titre est une invitation à une virée nocturne et urbaine, à deux et seulement pour nous deux : « And everything was made for you and me / All of it was made for you and me / Cause it belongs to you and me ». Sachant que l’album enregistré à Berlin, la magie opère doublement. Voire triplement. On y va ?
  4. Parce que le souvenir d’avoir un soir éclusé du champagne au son de The Passenger. C’était spontané, sans préméditation, décalé et terriblement bandant. C’était rock et ça nous allait bien.
  5. Parce qu’on est dans la quintessence du rock, et que le rock, jusqu’à preuve du contraire, c’est la vie. Et ça peut aussi sauver la vie.

Yippee-ippee-ey-ey-ay-yey-yey

Raf Against The Machine

Five reasons n°9 : Wish it was true (2012) de The White Buffalo

Par le plus pur des hasards télévisuels, j’ai découvert voici quelques jours Jake Smith, également connu sous le nom de The White Buffalo. Où précisément ai-je fait cette rencontre ? En regardant l’excellente saison 1 de The Punisher, qui jusque là n’avait pas quitté l’énorme pile de (bonnes) choses à visionner. Sur la toute fin d’un épisode (j’y reviendrai), ce Wish it was true a résonné comme sorti d’ailleurs. Il ne m’en a pas fallu plus pour avoir envie de partager cette pépite, en 5 raisons chrono.

  1. Ça sonne comme une partie de l’album Trouble de Ray LaMontagne, ou encore comme si le fantôme de Tom Joad revenait hanter nos esprits. Mais surtout ça pourrait être sur la BO de Into the Wild, tant le climat musical est similaire et la voix se confond avec celle d’Eddie Vedder. Et d’ailleurs dans le clip (visible ci-dessous), notre bonhomme ne chanterait-il pas (notamment) depuis un vieux bus qui nous en rappelle un autre ?
  2. Wish it was true est tiré de l’album Once upon a time in the West : quand on a l’audace de titrer ainsi une galette, mieux vaut être sûr de son coup et envoyer de l’émotion… et c’est le cas : il y en a de toute sorte dans ces quelques minutes de bon son.
  3. Plusieurs titres de The White Buffalo ont été repris dans des séries TV comme Sons of Anarchy, Californication ou Punisher : trois séries à la fois rock, irrévérencieuses mais aussi terriblement touchantes, trois qualificatifs que l’on pourrait copier-coller sur ce Wish it was true et qui me séduisent tout à fait.
  4. Précisément, ce titre accompagne l’hallucinante fin de l’épisode 3 saison 1 de The Punisher. A la fois à contre-emploi (la violence des images vs. la sérénité apparente du morceau) et totalement raccord (le titre évoquant tout à la fois désillusion et rédemption pétries d’une colère sourde).
  5. Un petit morceau guitare folk-voix qui sent les grandes étendues, l’évasion au milieu de nulle part (voir de nouveau certains plans du clip ci-dessous), le coin du feu d’où l’on va s’autoriser un peu à regarder passer le temps… ça fait jamais de mal dans ce monde qui, décidément, va bien trop vite pour moi. Into the Wild. CQFD.

Raf Against The Machine