Five Reasons n°39 : The Dark Side of the Moon – Live at Wembley Empire Pool, London, 1974 (2023) de Pink Floyd

61hDAw1dzqL._UF1000,1000_QL80_ Tout juste 50 ans après la sortie de The Dark Side of the Moon de Pink Floyd, est tombé dans les bacs hier vendredi 24 mars 2023 une pépite que l’on désespérait de voir arriver un jour. The Dark Side of the Moon – Live at Wembley Empire Pool, London, 1974 (que nous appellerons Live at Wembley par commodité pour cette chronique) est disponible en CD et vinyle. Inclus dans le méga et hors de prix coffret commémoratif de The Dark Side of the Moon, Live at Wembley est également accessible séparément, pour une quinzaine d’euros en CD et à peine vingt euros en vinyle. Alors que l’on connait déjà par cœur The Dark Side of the Moon et qu’on nous ressort un live vieux de 49 ans, faut-il lâcher ses piécettes dans cette galette ? Assurément oui, et même cinq fois oui. Cinq fois exposées immédiatement et sans tarder.

The Dark Side of the Moon est le meilleur album de Pink Floyd. Le groupe possède à son actif bien d’autres merveilles, mais pas à l’échelle d’un album complet. A saucerful of secrets (1968), Atom heart mother (1970), Echoes (1971) ou encore Shine on you crazy diamond (1975) sont des pépites totales, mais qui ne font pas toujours corps avec le reste de l’album. On pourrait se tourner vers Animals (1977) qui présente une véritable unité, sans pourtant atteindre le niveau de richesse sonore et d’inventivité de The Dark Side of the Moon. Quant à The Wall (1979), c’est évidemment un chef-d’œuvre, mais est-ce vraiment un album de Pink Floyd ? Avec un Roger Waters omniprésent et omnipotent, mais aussi en comptant l’absence de Rick Wright et de ses claviers, il faut se rendre à l’évidence. The Dark Side of the Moon est bien l’album masterpiece de la discographie de Pink Floyd. Et ce Live at Wembley est une excellente occasion d’y replonger.
D’y replonger, et de mesurer la maîtrise musicale du quatuor. Enregistré à Londres les 15 et 16 novembre 1974, Live at Wembley est un témoignage édifiant. Nous sommes un an et demi après la sortie de l’album studio. Pink Floyd possède sa création de bout en bout, et comme jamais. D’autant que The Dark Side of the Moon a déjà été testé et rodé avant sa sortie, lors de divers concerts en 1972 aujourd’hui disponibles en ligne sur toutes les bonnes plateformes de streaming. Ces deux soirs à Wembley sont une forme d’aboutissement. Non seulement The Dark Side of the Moon est à maturité, mais également son interprétation par Pink Floyd. Ecouter ce Live at Wembley, c’est redécouvrir The Dark Side of the Moon live avec de subtiles différences, mais une énergie intacte et assez folle.
Ce Live at Wembley permet également de mettre un point final à un faux débat : Pink Floyd est-il un groupe de studio ou de scène ? Compte-tenu des enregistrements studios, créatifs et tirés au cordeau comme on ne l’imaginerait même plus aujourd’hui (à part peut-être chez Radiohead ou Archive), on est en droit de se dire que sur scène, le groupe perd nécessairement la production et le mixage affinés. Pourtant, toutes celles et ceux qui ont vu, ou ne serait-ce qu’écouté, Pink Floyd sur scène savent que le groupe dégage une puissance live dont bien d’autres artistes pourraient s’inspirer. Live at Wembley met fin à toute interrogation. Pink Floyd livre une interprétation hors sol et hors du temps de The Dark Side of the Moon. Tout est en place. Les quatre musiciens jouent comme un seul et déroulent une somme d’émotions assez dingue.
Ce plaisir musical est renforcé par la qualité de la captation. Là où les lives de 1972 précédemment évoqués et le matériel du coffret The Early Years (sorti en 2016) étaient parfois un peu brouillons, Live at Wembley offre une propreté d’enregistrement live tout bonnement ahurissante. De la première à la dernière seconde, le son Pink Floyd nous explose à la tronche. Pas un défaut sonore ne vient entacher ce live, qui se double d’un mixage lui aussi ahurissant. N’allons pas jusqu’à dire qu’il est meilleur qu’en studio. Il est légèrement différent, et a l’avantage de faire ressortir encore plus les voix, les collages sonores, les claviers de Rick Wright, la batterie de Nick Mason, la guitare de David Gilmour, mais aussi et surtout la basse de Roger Waters. Dans l’intro de Money bien sûr, mais plus encore sur tout l’album. Comme si, avec ce mixage, Pink Floyd envoyait un message caché à son membre fondateur désormais écarté. Comme pour lui dire « Tout est pardonné, tu as bien ton entière place à nos côtés dans le groupe ».
Il faut enfin s’arrêter sur l’objet en lui-même. Disponible donc dans un coffret hors de prix dont je ne dirai rien du contenu (ne l’ayant pas eu entre les mains), mais aussi à l’unité, Live at Wembley est un bien bel objet pour tout collectionneur. Le vinyle s’offre une pochette gatefold de grande qualité, et contient les textes des chansons imprimés à l’intérieur, plus deux posters eux aussi de toute beauté signés Ian Emes et Gerald Scarfe (celui-là même qui œuvrera graphiquement sur The Wall). Ainsi que le disque vinyle bien sûr. Je ne parle que du 33 tours : offrez vous cette édition plutôt que le CD si vous pouvez vous le permettre. Vous profiterez ainsi d’un enregistrement de très haute tenue, mais aussi d’une grande pochette conçue à partir d’illustrations dessinées en 1973 par George Hardie. En bref, un objet qualitatif sur tous les plans.

Live at Wembley de Pink Floyd est un incontournable. Pour les fans du groupe, il est indispensable en tant que témoignage musical, pièce de collection et moyen supplémentaire de replonger dans le génie de The Dark Side of the Moon. Pour les amateurs de musique et historiens, il est un témoignage essentiel de ce que fut Pink Floyd et de ce qui se créait au cœur des années 1970. Pour les collectionneurs, il est une captation longtemps souhaitée, et aujourd’hui disponible pour une somme tout à fait correcte. En un mot comme en cent : foncez.

Raf Against The Machine

Five reasons n°38 : A light for attracting attention (2022) de The Smile

THE-SMILE-a-light-fro-attracting-attention La chronique du jour pourrait bien vous apporter le sourire (voilà, elle est faite d’entrée de jeu avec gros sabots, on n’y reviendra pas) : avec son premier album intitulé A light for attracting attention, The Smile enchante nos oreilles et se place assez directement en bonne place pour figurer sur le podium 2022. Certes, nous ne sommes qu’en juin et il reste une moitié d’année à passer. Tout est donc encore possible et l’inattendu peut survenir à tout instant pour nous attraper. Telles des élections législatives qui ouvrent grand les portes à l’extrême brun, on n’est jamais au bout de nos surprises en ce bas monde. Mais je digresse, à défaut de dégraisser. Revenons à du bon son en nous rappelant que, quand plus rien ne va, il reste la musique. Et en égrenant cinq bonnes raisons de découvrir The Smile et sa galette.

1. Se plonger dans A light for attracting attention avec The Smile, c’est l’occasion de retrouver le travail de Thom Yorke. En effet, le trio musical est construit autour du chanteur de Radiohead et rassemble Jonny Greenwood (guitariste du même Radiohead) ainsi que Tom Skinner (batteur du groupe de jazz Sons of Kemet). Thom Yorke et sa créativité accompagnent nos années depuis près de 30 ans maintenant. Depuis qu’un beau jour de 1993 est tombé entre nos mains Pablo Honey, premier opus de Radiohead. On n’a jamais vraiment décroché de la proposition artistique du garçon et de ses différents projets, ni de sa voix hors normes avec laquelle il sait autant inquiéter que faire voyager.

2. The Smile, ce n’est évidemment pas du Radiohead, ni du Atoms for Peace, pas plus que du Thom Yorke solo. C’est néanmoins un peu de tout cela. A light for attracting attention rappelle parfois la période KID A/MNESIAC comme avec The same, mais sait aussi nous évoquer l’excellente BO de Suspiria composée par Thom Yorke, avec un titre cinématographique comme Pana-vision. Titre qui vient d’ailleurs quasiment clôturer la sixième et ultime saison de Peaky Blinders de sa mystérieuse et troublante élégance. Un peu plus loin, le titre Thin thing pourrait être une sorte de synthèse musicale de toutes ces étapes de carrière.

3. Comme dans tout bon groupe, chaque membre apporte sa pierre à l’édifice. Impossible de ne pas reconnaître le toucher de guitare de Jonny Greenwood dans des titres comme The opposite ou Skrting on the surface. La vraie touche de nouveauté, c’est l’introduction dans l’équipe de Tom Skinner, batteur de jazz. Tout en ne jouant pas spécifiquement jazz, il apporte un groove et une finesse de jeu spécifique à ce genre musical, ainsi que des rythmiques inhabituelles. Il en résulte un album étonnamment plus varié que ce à quoi je m’attendais. Initialement présenté comme un trio guitare/basse/batterie, avec comme fer de lance le single très punk-rock You will never work in television again, The Smile révèle une richesse créative que je n’espérais même pas. Le travail sur les ambiances sonores est assez exceptionnel, comme dans Speech bubbles (gros travail sur les cordes) ou Open the floodgates, un titre très aérien et planant.

4. Ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit : The Smile sait aussi nous rappeler ses origines rock et Thom Yorke nous remémorer les années premières de Radiohead. Qu’il s’agisse de The opposite ou encore de We don’t know what tomorrow brings, le trio sait jouer sur la corde nostalgique, pour livrer des morceaux qui pourraient se trouver dans la faille temporelle entre The Bends (1995) et OK Computer (1997). Mention particulière aux lignes de basse qui ouvrent plusieurs titres et savent aussi se montrer diablement efficaces au creux des mélodies, toujours avec une âpreté rock du meilleur effet.

5. Il résulte de ce shaker musical un très grand album. Outre sa diversité et son inventivité, A light for attracting attention dévoile aussi une cohérence évidente à l’écoute, alors qu’un tel patchwork d’influences et de genres pourrait virer à la catastrophe. Cette nouvelle aventure discographique et scénique est menée de main de maîtres par le trio Yorke/Greenwood/Skinner. Dernière raison dans la raison : A light for attracting attention est disponible depuis le 17 juin dernier en vinyle. Un objet de toute beauté, et notamment sa pochette, avec des visuels de Thom Yorke et Stanley Donwood, fidèle compère et presque quatrième membre du groupe. Pour tout collectionneur ou amateur de belles pièces musicales, cet album de The Smile est aussi un indispensable.

A light for attracting attention est un disque phare dans cette année 2022 et en ces temps quelque peu troublés, voire troubles. C’est une disque qui fait du bien. Il encourage à l’unité et à la lumière, en dépit du bordel et de l’angoisse de notre époque. The Smile exprime tout cela en musiques, et le fait diablement bien. Après Call to Arms & Angels d’Archive sorti voici quelques semaines, A light for attracting attention est un autre album de notre temps, pour nous aider à le traverser et à survivre. C’est ambitieux, mais ça fonctionne et c’est déjà beaucoup.

Raf Against The Machine

Five reasons n°37 : La philosophie du chaos (1996)/Le chaos de la philosophie (1998) de Hubert-Félix Thiéfaine

61K+WwBdpRL._SL1500_ En ce jour de bac de philosophie, un petit tour par chez Hubert-Félix Thiéfaine sera le bienvenu. Fuir, n’est-ce pas rester ? Le fascisme est-il soluble dans la démocratie ? (Non). La laideur est-elle la beauté en version laide ? La beauté a-t-elle une utilité ? Si je tourne en rond, est-ce que je reste dans le cadre ? Peut-on considérer que se taire, c’est crier plus fort que les autres ? Est-ce qu’on se fait parfois chier dans la solitude ? (Oui). Les réflexions ne manquent pas. Nous aurions aussi pu visiter Bashung et son « Si tu me quittes est-ce que je peux venir aussi ? » (in Camping Jazz), ou encore Jul… non, pas Jul à bien y refléchir. La philosophie, c’est avant tout être capable de regarder le monde et les hommes, et de se questionner dessus. A ce petit jeu-là, Thiéfaine est un des grands gagnants de notre époque, et ce depuis des années.

Dans la deuxième moitié des années 1990, et à la veille de ses vingt années de carrière discographique, Thiéfaine publie un diptyque : La tentation du bonheur en 1996, puis Le bonheur de la tentation en 1998 (réédités en 2018 en un unique album Bonheur & tentation). Album blanc, album noir, Thiéfaine vêtu de noir puis de blanc. En quasi conclusion de chacune des galettes, un diptyque de titres miroirs autant que les albums, telle une mise en abyme. D’un côté La philosophie du chaos, de l’autre Le chaos de la philosophie. Et cinq bonnes raisons d’écouter ces deux chansons.

« C’est pas parce qu’on n’aime pas les gens qu’on doit aimer les chiens / C’est pas parce qu’on a mis le pied dedans qu’on doit y mettre les mains », telle est l’ouverture de La philosophie du chaos. Trois minutes à égrener des réflexions tour à tour profondes, futiles, décalées. Une forme de philosophie à la cool, mais sérieuse tout de même.
Quoi de mieux après une bonne virée cérébro-philosophique qu’un grand verre de… de ce que vous voudrez. Dans ce Chaos de la philosophie, « Je suis robot-bar, le petit roi du mini-bar ». Après avoir décliné moult réflexions philosophiques, il ne reste plus qu’à lister ce qui est consommable dans le bar. Pour mieux re-philosopher.
Ecouter La philosophie du chaos, c’est la garantie assurée de vouloir écouter le reste de l’album La tentation du bonheur. Puis écouter son titre miroir, c’est la plongée garantie avec assurance de caler tout Le bonheur de la tentation sur la platine. Soit le meilleur des années 1990 de Thiéfaine, avant de retrouver le garçon au sommet de son art en 2011 avec ses Suppléments de mensonge. Mais ça, c’est une autre histoire.
Conséquence : écouter ce double album construit en deux temps, c’est balancer entre Ying et Yang, entre blancheur immaculée et noirceur vénéneuse. Céderez-vous à La tentation du bonheur et à son ange ailé sur une de vos épaules, ou au Bonheur de la tentation et son diablotin sur l’autre ? A moins que, incapable de faire un choix définitif, vous n’alterniez en permanence entre l’un et l’autre. Ange et démon, bonheur et tentation, douceur et fièvre, Thiéfaine black and white : n’est-ce pas cela, finalement, être humain ?
Déjà la cinquième raison ? La philosophie du chaos s’accompagne d’un clip parfaitement années 90, totalement décalé et possiblement à regarder pas à jeun. Ce qui tombe plutôt bien, puisque si Le chaos de la philosophie n’a pas de clip spécifique, il dispose en revanche d’un mini-bar. Oui, celui qui est géré par robot-bar, le petit roi du mini-bar. C’est bien, vous avez suivi jusqu’ici et méritez donc une excellente note pour cette épreuve de philosophie.

Toutefois, une dernière question existentielle m’étreint : une excellente note en philosophie, soit. Mais, la philosophie peut-elle être chiffrée et résumée à une note ? Rien de moins sûr. A moins qu’il s’agisse d’une note de musique. Vous avez quatre heures et quelques verres pour trancher (la rondelle de citron vert à glisser dans votre prochain daiquiri).

Raf Against The Machine

Five reasons n°36 : Super8: A Call to Arms & Angels – Soundtrack (2022) de Archive

Capture d’écran 2022-05-19 à 17.42.56 Chose promise… voici deux semaines, en toute fin de la review de Call to Arms & Angels, nouvel album d’Archive, nous évoquions une galette bonus : la soundtrack de Super8: A Call to Arms & Angels, le documentaire/making of qui accompagne la sortie de ce douzième opus studio. Evoquions seulement, car nous n’avions pas eu la possibilité de l’écouter pour en parler. Disponible uniquement dans les éditions Deluxe de Call to Arms & Angels* (soit en triple CD, soit en coffret quadruple LP/ triple CD), cette BO est désormais arrivée à la maison. Dix titres supplémentaires pour enrichir l’album, ou le précéder. Peu importe le sens, cette dizaine de morceaux vient s’ajouter au déjà gargantuesque album de dix-sept compositions, pour former, plus que jamais, un disque majeur chez Archive tout autant que pour la musique en général. Pas convaincus ? Petit tout d’horizon en cinq bonnes raisons de replonger.

1. Super8: A Call to Arms & Angels est, selon vos goûts et votre humeur, la galette qui introduira ou complètera Call to Arms & Angels. Excellente introduction, car les dix titres nous plongent d’entrée de jeu dans l’ambiance que l’album développera plus tard. Ecrit, composé, enregistré sous ère Covid et début de sortie de Covid, Call to Arms & Angels dessine un monde déboussolé, destabilisé, mais en vie même s’il est à jamais modifié. La BO du documentaire installe déjà cette ambiance intrigante, voire inquiétante. Il suffit d’écouter Night People pour s’en convaincre, avec son intro à la Pink Floyd des périodes A saucerful of secrets et Ummagumma. Sans compter Throwing stars, titre de conclusion construit comme un patchwork de ce qui nous attend, en sautant d’un éclat de titre à un autre. Le teaser parfait en somme.

2. Super8: A Call to Arms & Angels pourra tout aussi bien compléter son album jumeau. Une fois Call to Arms & Angels parcouru, vous brûlerez d’envie de connaître l’arrière-cuisine de ce chef-d’œuvre, et de passer un moment avec Darius Keeler et ses compères. Pour comprendre leur travail. Pour comprendre les conditions de ce douzième opus. Pour cela, rien de mieux que le documentaire Super8: A Call to Arms & Angels. Malheureusement pas encore disponible en streaming ou à la vente (mais le groupe confie qu’ils y travaillent)**, nous sommes un certain nombre à l’avoir vu malgré tout. Par exemple, le 2 avril dernier en ligne, lors de la géniale soirée de lancement/présentation de l’album, ou encore le 11 mai dernier lors d’une projection/showcase organisée à Paris par le disquaire Ground Control. Le documentaire est passionnant, fortement soutenu par sa BO. Une BO dont on parle aujourd’hui et qui image on ne peut plus efficacement les deux années écoulées et matricielles de Call to Arms & Angels.

3. Super8 : A Call to Arms & Angels vaut aussi pour son parti pris exclusivement instrumental (ou quasi). A l’exception de quelques voix très ponctuelles dans Fall outside, Is this me ou encore Throwing stars, le groupe n’a bossé que sur des pistes instrumentales. Un choix qui permet de mesurer pleinement le potentiel d’Archive à composer des titres et sons complètement dingues. Créer de telles ambiances totalement saisissantes, enveloppantes, pénétrantes, uniquement sur la base d’instruments, n’est pas donné à tout le monde. Call to Arms & Angels fait la part belle au travail sur les voix comme aux compositions. Ici, tout repose sur les synthés, les rythmiques, les guitares. Comme pour nous rappeler aussi que, jadis, Archive composa une efficace BO : celle du film Michel Vaillant (2003). Si le long métrage est dispensable, voire oubliable, la BO de très haute volée envoie le bouzin (#commediraitSylphe). Archive, un vrai groupe complet de musiciens et de chanteurs/chanteuses qui sait tout faire.

4. Loin de moi l’idée de pousser à l’achat, mais Call to Arms & Angels sans ce disque supplémentaire Super8: A Call to Arms & Angels n’est pas vraiment complet. Les deux se répondent et sonnent en miroir. Me vient la même remarque que lors de la chronique de l’édition Deluxe de Est-ce que tu sais ?, dernier album de Gaëtan Roussel. Une fois l’album de base écouté, on se demande ce que l’on pourrait bien ajouter. Une fois la galette bonus dévorée, on se demande comment on a pu faire sans ces titres supplémentaires. Idem pour Radiohead et son KID A/MNESIA sorti l’an dernier. L’œuvre n’est complète que lorsqu’on peut l’apprécier dans son entièreté. Un ensemble qui, dans le cas de Call to Arms & Angels, pourrait bien se compléter d’un Rarities, qu’on rêve déjà de trouver en merchandising sur la tournée à l’automne : Darius Keeler a confié le 7 mai dernier sur Instagram, lors d’un jeu de questions réponses avec les fans, qu’existent encore dix à quinze titres composés mais non intégrés à l’album.

5. Une cinquième raison est-elle bien nécessaire (#astucedugarsquimanqued’idéepourfinir) ? Oui (#jenemanquepasd’idéefinalement) : soundtrack qui accompagne le documentaire éponyme, Super8: A Call to Arms & Angels se paie le luxe d’être écoutable en toute indépendance. Lecteurs habitués de Five-Minutes, vous connaissez ma position sur les BO : lorsque ces dernières existent à part entière, comme un album total et indépendant, c’est qu’on tient là de la pépite high level. Et c’est ici le cas. Procurez-vous d’urgence Call to Arms & Angels en Deluxe, et vous aurez sous la main à la fois un des plus grands albums de tous les temps, mais aussi une BO fascinante à écouter jusqu’à plus soif. Vous avez déjà acheté l’album en version simple ? Rachetez-le. Franchement, deux exemplaires d’un chef-d’œuvre, ça se défend. Et si vous arrivez à mettre la main sur le coffret Deluxe vinyle, vous y gagnerez en plus un objet de fort belle facture, limité à 1 100 exemplaires monde (du moins si j’en crois la numérotation du mien). Fan d’Archive, collectionneur de vinyles ou simple amateur de beaux objets musicaux, vous ne pouvez pas passer à côté.

Vous l’aurez compris : depuis que j’ai découvert la version Deluxe de Call to Arms & Angels, incluant la soundtrack du documentaire Super8: A Call to Arms & Angels, impossible de voir dans cette édition autre chose que la forme ultime et supérieure de ce qui trône déjà comme le disque de l’année 2022. Forme ultime certes, mais forme définitive ? Rien n’est moins sûr. Si un volume d’inédits pointe le bout de son nez, il y a fort à parier que le bon iencli que je suis se fera avoir. Mais, se faire avoir avec des sons pareils, c’est du plaisir quotidien ultra-jouissif.

*Edit du 27/05/2022 : Depuis aujourd’hui, Super8: A Call to Arms & Angels est également disponible en streaming à l’écoute sur toutes les bonnes plateformes. Soit à l’achat en Deluxe, soit à l’écoute en streaming, vous n’avez plus aucune excuse pour passer à côté 🙂

**Edit du 28/05/2022 : C’est au tour du film Super8: A Call to Arms & Angels d’être disponible ! Le documentaire est visible en streaming sur Youtube, et ça se passe en suivant ce lien https://youtu.be/XZ_2kQ8me9o

Raf Against The Machine

Five reasons n°35 : Est-ce que tu sais ? (Edition Deluxe) (2021) de Gaëtan Roussel

ab67616d0000b273476ad60f8b7537f6985bf15b Au printemps dernier, soit en 2021, Gaëtan Roussel nous avait gratifiés de son quatrième album studio solo. Est-ce que tu sais ? affichait alors une poésie pop d’un niveau rarement atteint, et sans doute jamais chez son créateur, ou du moins pas avec une telle globalité de la première à la dernière note du disque. Opus parfait à mes yeux, dont j’avais déjà dit le plus grand bien dans une review (à relire par ici). Album majeur de 2021, très bien placé sur mon podium de l’année, il tourne toujours régulièrement sur la platine. Mes oreilles me disent merci à chaque fois, mais pas que. Mon corps et mon coeur aussi tant les onze titres me font vibrer, frissonner, danser (moi qui suis pourtant piètre danseur pour tout dire). Est-ce que tu sais ? occupe une place très particulière dans mon cœur et mon existence, pour avoir débarqué au moment idéal, et pour résonner à chaque seconde de mille petites bulles d’émotions. Pour ce qu’il est, pour ce qu’il me rappelle, pour ce qu’il raconte.

Dès lors, je ne cache pas avoir regardé d’un œil perplexe la sortie en octobre 2021 d’une édition Deluxe de ce même album, augmenté de trois titres inédits. Quel intérêt (à part commercial) à augmenter un disque parfait, donc inutile à modifier ?

1. Les trois singles ajoutés sont au moins aussi parfaits que l’album de base. Dans l’ordre d’apparition dans vos oreilles, Elle résume les contradictions et tergiversations que l’on peut avoir face à la vie, à nos envies et nos choix. C’est ici appliqué à une femme, mais ça pourrait très bien s’intituler Il. Puis Une seconde (ou la vie entière) brosse les changements de vie, les surprises que cette dernière nous réserve entre éphémère et durée. Porcelaine clôt le trio des nouveautés sur une déclaration intimiste. Tout ceci écrit dans une dentelle de simplicité qui parle direct à tout être normalement constitué.

2. Ces trois ajouts à l’album initial ont peut-être une intention commerciale, mais ils s’intègrent avec un tel naturel aux onze titres préexistants qu’on oublie toute démarche potentiellement mercantile. Une seule question émerge à la fin de Est-ce que tu sais ? (Edition Deluxe) : comment a-t-on fait avant pour se contenter de l’album de base ? La présence de ces titres supplémentaires est une telle évidence dans la cohérence du disque qu’aucun doute n’est permis : cette réédition Deluxe est la seule version possible du disque.

3. Se plonger dans cette nouvelle version, c’est aussi réécouter l’ensemble de l’album. J’ai déjà dit plus haut pourquoi Est-ce que tu sais ? me suis partout et revient régulièrement en moi. On tient ici trois titres supplémentaires pour y retourner encore plus souvent. Et pour celles et ceux qui seraient passés à côté il y a un an, ou qui l’ont moins dégusté, foncez, vous ne le regretterez pas. D’une certaine façon, Gaëtan Roussel enfonce le clou avec cette réédition. Qui a déjà le disque en intraveineuse, pourra se faire un dose augmentée. Pour les autres, voilà la meilleure façon de faire la rencontre d’un album incontournable.

4. Album incontournable, disque majeur, je manque de mots justes pour qualifier l’objet. Une métaphore peut-être ? Cette galette est comme une rencontre majeure dans une vie. Le genre de rencontre qu’on fait une fois tous les dix ans, tous les quinze ou vingt parfois même, et jamais pour certains. L’écoute de Est-ce que tu sais ? est un moment privilégié, comme tout moment passé avec, disons, cette personne à qui vous tenez le plus. Celle pour qui vous avez le plus grand respect, celle pour qui vous donneriez tout et avec qui vous partagez la plus douce des complicités et la plus grande des confiances. Celle dont vous admirez l’intelligence et la beauté totale. Tout est simple et facile, tout est richesse et humanité, accompagné de rires et de lumière. Et c’est justement aussi vers cette personne-là que l’on se tourne quand il fait gris ou noir, pour dépasser le chahut de ce monde et les bousculades de la vie. Ce disque est, lui aussi, un repère, un guide, une bulle.

5. Une dernière raison ? En faut-il encore une ? Soit. Une raison de gros iencli (ou de pigeon diraient certains), une raison de collectionneur. Cette réédition Deluxe est une occasion de racheter le disque. Originellement sorti en pochette bleue, le voilà revenu en pochette orange. Avec, vous vous en doutez, des vinyles de différentes couleurs selon les tirages limités (ou pas). La collectionnite aiguë à de beaux jours devant elle, particulièrement avec votre serviteur, j’en conviens aisément. Ai-je plusieurs éditions de ce Est-ce que tu sais ? Vous n’avez aucune preuve.

Est-ce que tu sais ? (Edition Deluxe) se pare de trois titres supplémentaires, pour une réédition hautement indispensable. L’album originel l’était déjà. La réédition Deluxe en fait un opus plus que parfait, mais à écouter en tout temps pour comprendre et affronter le passé, le présent, le futur. Nous ne faisons que passer : ne boudons pas notre plaisir et ne passons pas à côté d’une telle merveille.

Raf Against The Machine

Five reasons n°34 : Low skies (2021) de Nebno

a3121430303_16 Les plus attentifs d’entre vous auront relevé, dans la review de The Dystopian Thing la semaine dernière, une allusion-référence de Thomas Méreur à Nebno. L’envie nous a pris de retourner écouter un peu plus attentivement le travail musical de cette artiste suisse. Low skies, sorti en octobre dernier, est le deuxième album de Nebno, précédemment connu sous le nom de Manon (puisque Manon Schlittler elle s’appelle). Son premier opus Streams était sorti voici deux ans, à quelques jours de distance de Dyrhólaey, premier album de Thomas Méreur. A se plonger dans Low skies, on y retrouve des liens artistiques avec The Dystopian Thing, notamment dans les ambiances sonores. Il y a parfois des coïncidences de calendrier. Il y a aussi et surtout des musiciens qui savent faire du son, et du beau son. Nebno en fait partie, et nous allons voir sans plus tarder cinq bonnes raisons d’écouter ce deuxième album envoûtant.

Low skies est au moins aussi beau que Streams. Cela veut dire quoi ? Si vous connaissez le premier album de Nebno, vous allez retrouver la magie sonore qui l’illuminait. Si vous ne connaissez pas, il est grand temps de prendre un moment pour découvrir les deux disques de cette artiste. Et de plonger dans des ambiances très aériennes, oniriques et vaporeuses. Low skies est un pur voyage sonore, sensitif et sensuel. Il suffit de lancer l’album, de fermer les yeux et de se laisser porter par le piano, les nappes de synthés et les mélodies.
Le sens de la mélodie, voilà précisément une des forces de Nebno et de ce Low skies. Oubliez les mélodies attendues et faciles sur le classique schéma intro/couplets/refrain. Nebno construit chacune de ses compositions comme une petite épopée qui part d’un point A pour aller à un point B, mais en prenant des chemins que l’on imagine même pas. Aucune ligne droite, aucune facilité, pour une musique pourtant hyper abordable et qui fascine directement. On se laisse porter par chacun des sept titres de l’album, chacun avec son ambiance, et l’on arrive au terme des 35 minutes sans s’en apercevoir tout en ayant la sensation d’avoir visité mille paysages.
La variété des ambiances : sans doute l’autre force de la musique de Nebno. Aucune lassitude, aucune répétition. One to one débute comme un pur son 80’s new-wave avant de s’envoler, et Distance m’a baladé au cœur d’une forêt elfique. Quant à Maze (le bien nommé), il m’a égaré dans un dédale sans fin, mais terriblement excitant au point d’en rechercher la sortie sans la souhaiter pour rester profiter encore un peu du mystère. Je ne vous raconte pas tout et ne dévoile pas toutes les images mentales qui me sont venues, car chacun se fera son décor et son périple. Disons simplement que Low skies offre en un peu plus d’une demi-heure bien plus de rêve(s) que certaines longues, pénibles et prétentieuses propositions artistiques. Dans un sens, Low skies me rappelle le magnifique Air de Jeanne Added sorti au début de l’été 2020.
Il vous faut d’autres raisons ? Soit. Non contente de proposer des mélodies joliment écrites, composées et mises en images mentales, Nebno ponctue sa musique de mille et un petits bruits, cliquetis, sonorités qui enrichissent et densifient ses morceaux. A ce titre, j’ai particulièrement aimé Eyote, ou encore Maze. On y retrouve tous les petits artefacts et glitches sonores qui m’avait fait adorer ISAM (2011) d’Amon Tobin. Toutefois, si ce dernier livrait un album assez sombre et parfois inquiétant, Nebno renverse la tendance avec un disque lumineux et dense. Et, pour profiter pleinement de ce jeu de sonorités qui rehaussent les morceaux, je vous conseille fortement d’écouter Low skies au casque.
Enfin, ce Five Reasons ne serait pas complet sans évoquer la voix de Nebno. En cela, son travail se rapproche de celui de Thomas Méreur pour l’omniprésence et la mise en avant de la voix. Une voix saisissante, captivante et d’une pureté incroyable que Nebno exploite sous tous les angles. Mélodie principale, collages vocaux, murmures, chuchotements : rien n’est laissé au hasard, pour un résultat de toute beauté. On est loin des chanteuses à voix puissante qui envoient du volume. Nebno est bien plus subtile, tout en manipulant de la plus intelligente des façons une voix qui rappelle parfois Tori Amos, mais exploitée sous bien plus de facettes. Il en résulte des morceaux dans lesquels le vocal s’inscrit au cœur de la musique, comme un instrument supplémentaire qui apporte sa propre couleur mélodique.

Low skies est un très bel album, totalement happant. Je ne peux que vous conseiller de faire le voyage, tant la (dé)charge émotionnelle qui se dégage de ses 35 minutes fait du bien. Et si cela ne vous suffit pas, dites vous qu’il y a aussi Streams, le premier album de Nebno. Ce serait moche de passer à côté de si beaux moments musicaux, et d’aller s’égarer dans les daubes infâmes qui irriguent parfois les bacs des disquaires. En un mot comme en cent : écoutez Nebno, bon sang !

Low skies est disponible à l’écoute sur les plateformes de streaming, et en vente numérique sur Bandcamp : https://nebno.bandcamp.com/album/low-skies

Raf Against The Machine

Five reasons n°33 : KID A MNESIA (2000/2001-2021) de Radiohead

KID_A_MNESIA_Compilation A l’occasion des vingt ans du diptyque Kid A (2000) et Amnesiac (2001) que l’on appellera Kid A/mnesiac pour la suite, le groupe de rock britannique Radiohead fait les choses en grand. En 2017, nous avions déjà eu droit à la réédition augmentée de OK Computer (1997), sous le titre OK Computer OKNOTOK, qui offrait alors du matériel inédit dans un fort bel objet, triple vinyle notamment. Pour commémorer la claque Kid A/mnesiac, la bande de Thom Yorke propose, de nouveau, une réédition augmentée de ces deux opus (sortie le 5 novembre dernier), accompagnée d’une exposition visuelle et sonore disponible en ligne depuis quelques jours. Vous voyez venir les interrogations ? Faut-il tomber dans le panneau et replonger, voire racheter, cette édition ? Kid A/mnesiac, ça a vieilli comment ? On regarde ça en cinq raisons chrono mais, si cette sortie fait l’objet d’une chronique ici, vous vous doutez déjà que ça vaut (un minimum) la peine.

1. Il faut tout d’abord se rappeler de l’arrivée de Kid A, puis de son petit frère Amnesiac au tournant des 20e/21e siècles. Le paysage musical rock n’est alors déjà pas dépourvu de bons sons, et notamment pas du côté de Radiohead. En 2000, on surfe encore sur le terrible et positif choc que fut OK Computer trois années plus tôt. C’est l’album où Radiohead se révèle totalement, après les deux opus assez rock classique à guitares qu’ont été Pablo Honey (1993) et The bends (1995). Avec OK Computer, le groupe commence à intégrer de l’électro dans ses morceaux, mais surtout à déconstruire le schéma habituel couplet-refrain standardisé. Avec des titres explosifs comme Paranoid Android ou Karma Police, Radiohead met une très grosse baffe. En 2000, la joue est encore rouge et personne ne se doute de ce qui arrive. Kid A explose définitivement les repères musicaux rock et du groupe. Très peu de guitares, la part belle à l’électro et aux boucles, et une audace créative sans nom. Le free jazz de The National Anthem ou la berceuse burtonienne Motion Picture Soundtrack sont autant de preuves que Radiohead a décidé de marquer son époque, et l’histoire de la musique en général. La surprise ne s’arrêtera pas là, puisque quelques mois plus tard sort Amnesiac, constitué de morceaux enregistrés à la même époque que Kid A. Un diptyque historique inoubliable.

The National Anthem sur Kid A (2000)

2. Puisque c’est inoubliable, pourquoi donc en faire une réédition anniversaire, alors que tout le monde a déjà ses exemplaires de Kid A/mnesiac ? Excellente question, à laquelle je répondrai par une autre : se pose-t-on la question face à des rééditions de Sur la route de Jack Kérouac, ou de 1984 de George Orwell ? Face à la énième sortie d’un 2001: L’odyssée de l’espace de Stanley Kubrick, ou du Matrix des Wachowski ? Se demande-t-on s’il est pertinent et nécessaire de relire Albert Camus, Voltaire, Edgar Poe ou Virginie Despentes ? Non. Tous ces grands noms sont déjà entrés dans l’Histoire culturelle et artistique. Il en est de même pour Radiohead et son Kid A/mnesiac. Avec ce double album, le groupe arrête de faire de la musique rock, pour basculer dans la musique totale. Il prend définitivement une autre dimension, qu’aucun album suivant ne dépassera, même si toutes les galettes suivantes sont, elles aussi, exceptionnelles. Kid A/mnesiac pour Radiohead, c’est un peu le triptyque Atom heart mother/Meddle/Dark side of the Moon de Pink Floyd, ou le Controlling Crowds d’Archive. La charnière où un groupe atteint un climax artistique et assoit définitivement son nom. Rien de perturbant, donc, à ce que Kid A/mnesiac revienne vingt ans plus tard.

3. Le diptyque revient, mais pas sous sa forme originelle, simplement estampillée d’une jolie étiquette commerciale du genre « Remastered from the analogic original tapes ». En 2021, Kid A/mnesiac devient KID A MNESIA et propose, outre Kid A et Amnesiac dans une seule pochette, un troisième disque Kid Amnesiae rempli de matériel inédit provenant des sessions studios de l’époque. Voilà donc l’occasion, en un seul objet, de retrouver un diptyque majeur de l’histoire de la musique. Il n’y a rien à jeter du début à la fin de Kid A : des toutes premières notes de Everything in its right place aux derniers souffles de Motion Picture Soundtrack (d’ailleurs conclu par un Untitled), le voyage est époustouflant. L’ambiance est tout à tour androïdesque (Kid A), planante (How to disappear completely ou Treefingers), tendue et nerveuse (Optimistic ou Idioteque). Même combat dans Amnesiac, qui enchaine les morceaux de bravoure musicale : l’envoûtant Pyramid song, le mystérieux Pulk / Pull Revolving Doors, le vénère I might be wrong, le désespéré et bouleversant Like spinning plates, avant de fermer sur le jazzy underground berlinois Life in a glasshouse (qui, précisément, rappelle le Berlin de Lou Reed). D’un bout à l’autre de ces deux disques, le voyage est fascinant, émotionnellement puissant. Dire que c’est pur plaisir de replonger là-dedans est un doux euphémisme.

Pyramid Song sur Amnesiac (2001)

4. La cerise ? Kid Amnesiae, cette troisième galette qui recèle de la pépite à n’en plus finir. On pensait avoir parcouru tout le potentiel de cette œuvre majeure qu’est Kid A/mnesiac, et voilà que Radiohead nous balance onze titres tous plus captivants les uns que les autres. A commencer par la version piano-voix-scratches de Like spinning plates, qui ouvre le bal. On connaissait déjà cette relecture, présente sur l’album live I might be wrong (2001), mais la retrouver là en enregistrement studio nous raconte que le titre a été envisagé sous cet arrangement dès l’album, et pas seulement pour les concerts. Plusieurs Untitled et des versions alternatives de titres déjà connus parsèment la galette, et accompagnent If you say the word, un inédit total planant et onirique. D’aucuns diront que ce troisième disque est dispensable, ou à réserver aux fans hardcore de Radiohead. C’est sans doute vrai, mais pour qui s’intéresse un minimum au groupe, ou à la création musicale en général, ces onze pépites complètent parfaitement ce que l’on connaissait déjà de Kid A et Amnesiac, tout en révélant, si besoin en était, la bouillonnante créativité de Thom Yorke et de ses petits copains de jeu.

Like Spinning Plates (‘Why us ?’ Version) sur KID A MNESIA (2021)

5. La double cerise ? L’exposition virtuelle proposée par le groupe, en accompagnement de KID A MNESIA, sobrement intitulée KID A MNESIA EXHIBITION. Initialement, le groupe pensait à une exposition physique (en présentiel comme on dit désormais) qui aurait voyagé dans le monde. L’épidémie de Covid-19 en a décidé autrement, et les artistes se sont rabattus sur l’idée d’une exposition virtuelle. Cette dernière mélange la musique de Radiohead et les créations visuelles et graphiques de Stanley Donwood datant de l’époque Kid A/mnesia. Disponible gratuitement au téléchargement sur PC, Mac et PS5, l’exposition est à récupérer via ce lien https://kida-mnesia.com pour ensuite se balader librement dans un vrai objet artistique aussi déroutant qu’envoûtant. Une expérience visuelle, sonore et sensorielle qu’il est difficile de décrire, mais que je vous conseille absolument sans réserves. A vivre de préférence sur un écran de bonne taille, et surtout casque vissé sur les oreilles. On se balade en vue à la première personne dans un dédale de salles et d’espaces où l’on est littéralement au cœur des sons de Radiohead, tout autant que l’on est happés par des dizaines de visuels et d’animations. Une plongée hallucinée, mystérieuse, intrigante et jouissive dans un format créatif qui, finalement, est peut-être le plus adapté.

Trailer officiel de la KID A MNESIA EXHIBITION (2021)

Retour à la réalité et aux interrogations de départ : faut-il se réjouir de KID A MNESIA, et y plonger ? Evidemment oui. Je n’aurais pas été aussi bavard si le jeu n’en valait pas la chandelle. Et encore, les mots me manquent pour dire tout l’enthousiasme et le plaisir sans bornes que j’ai à retrouver cet univers qui ne m’avait pourtant jamais vraiment quitté depuis vingt ans. Sorti sous de multiples formats et dans différentes éditions, KID A MNESIA place définitivement Radiohead et le diptyque originel Kid A/mnesia au panthéon artistique. Voilà sans aucun doute un chef d’œuvre total et absolu, offert au monde par des artistes en constante évolution, sans aucune barrière créative et ayant une fois pour toute fait voler en éclat tous les cloisonnements pour s’imposer comme de l’Art. Tout simplement.

If you say the word sur KID A MNESIA (2021)

Raf Against The Machine

Five reasons n°32 : Monsieur Gainsbourg revisited (2006)

Monsieur-Gainsbourg-Revisited Sorti voici déjà quinze ans et réédité en 2020, Monsieur Gainsbourg revisited fait un retour un peu inattendu dans mes oreilles ces derniers jours. La faute/La chance, tout dépend de la façon dont on voit les choses, à la trouvaille au fond d’un bac d’un exemplaire vinyle à dix balles. Illico acheté, illico réécouté. Les quinze titres de cette compilation sont autant de pépites à savourer sans retenue. Cette chronique aurait pu être un Five titles, mais comment n’en garder qu’un tiers ? Chacun des artistes qui intervient dans l’affaire propose une relecture en anglais d’un titre de Gainsbourg. Si vous avez un peu de temps libre en attendant l’Hallouine ET envie de bon son, voilà cinq raisons pour lesquelles vous pouvez plonger sans réserves dans Monsieur Gainsbourg revisited.

L’album propose donc quinze titres de Gainsbourg, réadaptés pour la plupart par Boris Bergman et Paul Ives. On a aussi connu pire tandem. On aussi connu pire casting musical : la brochette est assez incroyable, tout autant qu’improbable, et regroupe du beau monde essentiellement issu de la scène britannique, mais pas que. A Franz Ferdinand, Portishead, Marianne Faithfull ou encore The Kills, s’ajoutent Michael Stipe, Feist ou encore Dani. Du lourd, très clairement. Chacun propose, dans son style musical initial, une réinterprétation assez bluffante d’une chanson de Gainsbourg.
Pour s’en convaincre, il suffit de s’arrêter sur quelques titres (cinq par exemple, #subtilemiseenabyme ^^) pour apprécier la variété de l’opération. La galette s’ouvre sur A song for Sorry Angel par Franz Ferdinand et Jane Birkin. Là où l’original sent la dépression malsaine à plein nez, les FF & JB proposent une relecture rock avec, en arrière-plan, un gimmick jamesbondien à souhait. Trois plages plus loin, Portishead relit Un jour comme les autres, rebaptisé Requiem for Anna : l’original, interprété trip-hop sur le sample du Requiem pour un con (sur lequel on enchainera d’ailleurs). Brillant, tout simplement. Encore plus loin, Tricky démonte Goodbye Emmanuelle dans un Au revoir Emmanuelle poisseux, vénéneux, sexuel. Faut-il encore mentionner I call it art (La chanson de Slogan) par The Kills, ou la version défénestrée des Sucettes aka The Lollies par feu Keith Flint, pour mesurer combien cet album offre à la fois diversité et unité ?
Cerise, les titres retenus ne sont pas nécessairement parmi les plus connus ou les plus attendus. Point de Javanaise, de Bonnie and Clyde ou de Love on the beat au tableau. Si l’on retrouve tout de même Je suis venu te dire que je m’en vais ou Le poinçonneur des Lilas, l’enregistrement fait aussi la part belle à Ces petits riens, L’Hôtel particulier ou Un jour comme un autre. Cette sensation de sortir de la compilation/revisite toute faite et attendue est plutôt appréciable. Autrement dit, l’impression de se trouver face à une vraie démarche artistique et créative, et non face à une énième opportunité commerciale, fait du bien à notre intelligence musicale.
L’ensemble va même plus loin, en nous faisant presque oublier qu’il s’agit originellement de titres de Gainsbourg. Chacun des artistes présents s’est totalement réapproprié sa reprise, au point de faire passer chacune des versions pour un titre de son répertoire. Tout au plus s’aperçoit-on de la paternité de la composition en écoutant des relectures proches de l’originale, comme I love you (me neither) aka Je t’aime (moi non plus) ou I just came to tell you that I’m going (Je suis venu te dire que je m’en vais). Pour le reste, la reprise de Franz Ferdinand est marquée de l’ADN Franz Ferdinand, tout comme le Goodbye Emmanuelle de Tricky rappelle les plus grandes heures du garçon.
La relecture fonctionne tellement bien que cet album peut même plaire à des réfractaires à Gainsbourg. Vous n’aimez pas sa musique ? Sa production musicale vous laisse de marbre, voire vous insupporte et vous détestez ? Essayez tout de même Monsieur Gainsbourg revisited, tant la couche de peinture modifie la donne. Je ne dis pas ça en l’air, c’est testé : j’ai parlé de ce disque à un copain, musicien qui plus est, et musicien de grand talent, qui exècre Gainsbourg, sa musique comme le personnage. En bon musicos ouvert d’esprit, mais aussi attiré par le casting, il est allé écouter et m’a avoué que certains morceaux fonctionnent quand même plutôt bien. Un bon signe d’une démarche artistique réussie.

Monsieur Gainsbourg revisited atteint donc son but, à savoir proposer une poignée de titres revus et corrigés qui font presque oublier qu’on écoute du Gainsbourg. C’est aussi l’occasion de passer un moment avec une pléiade d’artistes qui offrent le meilleur d’eux-mêmes. L’album est évidemment dispo sur toutes les bonnes plate-formes de streaming, mais en fouinant un peu, vous le trouverez en CD ou vinyle, qui plus est à un prix très raisonnable. On ne le dira jamais assez, achetez des disques ! Pourquoi donc s’encombrer de disques et de DVD/blu-rays qui prennent de la place ? Parce que, le jour où on arrête son abonnement DeezSpotiApplefy, ou DisNetflixOCS, on n’a plus rien, ni sous la main, ni à partager. Sur ce, je vous laisse écouter Monsieur Gainsbourg revisited, j’ai des disques à ranger.

Un jour comme les autres revisité en Requiem for Anna par Portishead

Goodbye Emmanuelle revisité en Au revoir Emmanuelle par Tricky

Je suis venu te dire que je m’en vais revisité en I just came to tell you that I’m going par Jarvis Cocker (feat. Kid Loco)

Raf Against The Machine

Five reasons n°31 : Prose combat (1994) de MC Solaar

prosecombat Juillet 2021 et l’été avaient vu la réédition très attendue de Qui sème le vent récolte le tempo (1991), premier album de MC Solaar. Septembre 2021 et l’automne sont désormais le temps de Prose combat, deuxième album du même MC Solaar. Rappelons que, pour de maudites histoires de droits entre l’artiste et sa maison de disque, ces deux opus étaient indisponibles à la vente ou l’écoute en streaming depuis 20 longues années. La situation s’étant décantée, on a pu profiter voici quelques mois de la réédition de Qui sème le vent, notamment en support vinyle de belle facture sonore. Aujourd’hui (ou plutôt demain 24 septembre chez tous les bons disquaires) Prose combat suit le même chemin. L’occasion de retrouver cet album majeur du rap français, et disons même de la musique tout simplement. Explications en 5 raisons chrono.

Prose combat enfonce le clou du premier album, et sera tout simplement l’album de la consécration pour MC Solaar. Qui sème le vent récolte le tempo est un primo-album avec ce que cela comporte de fraîcheur, de naïveté et de spontanéité. Album pourtant très maîtrisé qui joue sur le mix hip-hop/acid jazz, il est à mon goût largement surpassé par la puissance de Prose combat. Comme si Solaar avait laissé fermenter pendant 3 ans sa galette séminale pour laisser exploser son talent d’écriture, son flow, et sa complicité avec Jimmy Jay, Boom Bass et Zdar.
Prose combat se pose comme un album plus mature, mais aussi plus sombre, tant dans ses compositions que dans les textes et thématiques. Il suffit d’écouter La concubine de l’hémoglobine, Dieu ait son âme ou La fin justifie les moyens pour prendre conscience de la profondeur et, bien souvent, de l’actualité des mots de Solaar. Rien que le titre de l’album annonce la couleur. Des mots qui percutent, du texte qui bataille et porte des messages. La mort, la religion, le sens de la vie, le temps qui passe, la célébrité : il y a tout ça, et bien plus, dans Prose combat.
La puissance de cet album est en effet dans le savant mélange entre ces moments plus graves et d’autres plus légers qui explosent de toute leur lumière. Tout le talent de Solaar est de ne pas juxtaposer titres lumineux et titres plus dark, mais de mélanger tout cela au fil des 55 minutes de son. Obsolète, sous des airs de ritournelle humoristique, cache des questionnements sur les rapports humaines. L’NMIACCd’HTCK72KPDP (à lire à haute voix) regroupe du beau monde comme Ménélik, Soon-e mc et les Sages poètes de la rue pour un titre collectif et festif.
Musicalement, Prose combat est une folie de tous les instants. Les samples, boucles, scratches et autres ingrédients hip-hop sont ici maniés avec un brio rarement retrouvé depuis, que ce soit chez Solaar ou dans le rap français en général. Un exemple ? A dix de mes disciples, une sorte de furieux titre sans aucune respiration, construit comme une avalanche de sons portés par une ligne de basse entêtante. Et, puisqu’on parle de samples sur Prose combat…
… comment ne pas parler de Nouveau western et de son sample hypnotique ? C’est presque tarte à la crème, tant ce morceau a été entendu et ré-entendu, tant il a fonctionné et marqué nos oreilles. Pourtant, renversons le propos : si Nouveau western est aussi marquant, c’est lié à sa perfection. Et à son sample d’ouverture, qui reprend l’intro de Bonnie & Clyde de Gainsbourg. Ecoutez bien : parfois le sample originel s’efface, pour mieux réapparaître en claquant dans l’air, en lien avec un texte parfait. Chaque mot percute, chaque ligne est une référence (voire plusieurs). L’ensemble compose un titre intemporel qui, à lui seul, justifie Prose combat.

Vous ne pouvez pas aimer le hip-hop et vous passer de Prose combat. Vous ne pouvez pas aimer la chanson française et faire l’impasse sur Prose combat. Vous ne pouvez pas aimer la musique et zapper Prose combat. Prose combat est incontournable et se doit d’être dans votre discothèque. Et comme la réédition vinyle est excellente, filez claquer 25 et quelques balles dès demain. Incontournable et magistral.

Même le clip de Nouveau western est une folie absolue

Raf Against The Machine

Five Reasons n°30: Cyclorama de Polo & Pan (2021)

Voilà déjà quelques semaines que le titre Ani Kuni de Polo & Pan, chroniqué par ici, a fait son irruption Polo & Pan 2 inattendue sur certaines radios généralistes et c’est ma foi amplement mérité. On sait tous comme une écoute répétée d’un titre peut finir par le dénaturer au point d’atteindre une véritable saturation mais je dois reconnaître que je reste sous le charme de l’inventivité de ce morceau. Pour le coup, j’ai eu envie de davantage m’attarder sur l’album Cyclorama sorti le 25 juin comme une promesse estivale supplémentaire. Même si je le trouve un peu long (1h05 et quelques titres plus dispensables sur la fin de l’album, en particulier la version radio d’Ani Kuni ), cet album mérite d’être savouré pour sa richesse. Je vous donne 5 raisons pour vous offrir un cocktail de couleurs savoureux en cette période de pré-rentrée pas toujours réjouissante.

Sur une recette assez proche de celle de Bon Entendeur (le titre Melody en est un parfait exemple), Polo & Pan a cette capacité à moderniser des titres en les enveloppant d’une atmosphère d’électronica candide et hédoniste. A l’écoute, je suis souvent tiraillé entre l’impression que c’est un peu trop facile et la reconnaissance d’une vraie intelligence mais le résultat brillant clôt tous les débats. On notera donc le single imparable Ani Kuni ou encore Bilboquet (Sirba) qui reprend la musique de Cosma pour la BO de Le Grand Blond avec une chaussure noire.
Ce Cyclorama met aussi à l’honneur une pop solaire qui joue avec les codes de la dream-pop. Magic porte bien son nom et n’est pas sans m’évoquer l’univers de Les Gordon alors que l’innocence des choeurs de Feel Good nous ramène vers les débuts de MGMT.
Derrière cette candeur de façade, on retrouve une électro plus riche et poétique qu’elle n’y paraît sur les premières écoutes. Le morceau d’ouverture Côme avec ses sons aquatiques et ses cordes fragiles se déploie avec humilité comme la BO cachée d’un Miyazaki. Dans une veine plus proche d’Arandel, j’aime beaucoup la richesse de Requiem qui paraît un peu un ovni dans cet album résolument lumineux.
Les fans de l’univers de La Femme pourront savourer le recours à la langue française dans Attrape-rêve, Oasis ou encore Artemis pour un résultat un peu plus attendu.
Enfin, j’apprécie tout particulièrement Tunnel et le featuring de Channel Tres. Cette incursion dans l’univers plus sombre de la techno est savoureuse et me donne l’envie immédiate d’aller réécouter le dernier opus de Rone.

Ce Cyclorama est plus subtil et varié qu’il n’y paraît, j’espère que ce Ani Kuni, aussi bon soit-il, n’empêchera pas une véritable découverte du travail de Polo & Pan, enjoy!

Sylphe