Five reasons n°15 : Where is my mind ?(1988/2010) des Pixies / Reprise Maxence Cyrin

Réveil laborieux, brouillard matinal dans le ciel comme dans la tête embrouillée de pensées… Il n’en fallait pas plus pour aller se réfugier dans un endroit qui fait du bien. Where is my mind ? est l’un de ces lieux, où j’aime aller me recroqueviller sur moi-même pour ramasser les morceaux. Et pour (au moins) ces 5 autres raisons.

  1. Where is my mind ? est, à la base, un titre des Pixies. Sorti en 1988 (oui, 31 ans déjà) sur l’excellent Surfer Rosa, ce morceau contient tout ce que j’aime chez ce groupe. Un côté un peu perturbé et torturé, porté par les chœurs obsédants et la guitare lancinante, que vient transpercer la voix de Frank Black. Faut-il préciser que je l’ai écouter des centaines de fois ? Oui. Faut-il ajouter que je l’ai fait tourner jusqu’à l’ivresse dans mes années lycée/ados coincé entre 4 murs ? Oui. Faut-il dire que je n’ai jamais cessé d’y revenir ? Oui.
  2. Where is my mind ? a été utilisée dans deux des plus grands moments d’écran que je connaisse. Ce morceau clôt le vertigineux Fight Club, brûlot halluciné et dérangeant qui raconte le monde de consommation de merde dans lequel on est plongé, pour le meilleur et surtout pour le pire. Mais on l’entend également dans la saison 2 de The Leftovers, magistrale série TV dont j’ai déjà eu l’occasion de parler et qui reste un objet télévisuel et émotionnel indépassable à mes yeux.
  3. Where is my mind ? a fait l’objet de nombreuses reprises, par des artistes d’horizons divers Nada Surf, James Blunt, M.I.A., ou encore Maxence Cyrin. Comme une preuve de l’universalité du titre, et d’une sorte de reconnaissance tout style musical confondu. Maxence Cyrin, donc, qui donne à entendre une version piano solo sur son album Növo Piano (2010). Version que je vous propose de réécouter ou découvrir un peu plus bas, après la version originale.
  4. Where is my mind ? en version piano solo, qui débarque aussi dans une autre grande série TV malade jusqu’à l’os, à savoir Mr. Robot. Putain de coup de pied dans la fourmilière capitaliste, énorme performance de Rami Malek et interrogation globale sur notre monde numérique, Mr. Robot défonce toutes les règles et, oui, à un moment on finit tous par se demander si on ne perd pas la boule. Avec, en plus de ce Where is my mind ?, une bande son de dingue pondue par Mac Quayle. Mais c’est une autre histoire.
  5. Where is my mind ? pourrait être ma toupie. Mon Inception totem. Le truc que je fais tourner, comme DiCaprio dans le film, et qui me permet de savoir où j’en suis, et si je suis éveillé ou endormi. Parfois, c’est rassurant parce que je réalise que je suis bien là où je crois être. Parfois, je me rends compte que je rêve alors que je crois être éveillé (et réciproquement), et là ça peut se compliquer.

Je vous laisse écouter et profiter, j’y retourne pour vérifier que j’ai bien écrit cet article. Parce que, en toute honnêteté, je ne suis pas totalement certain d’être vraiment là.

Raf Against The Machine

Pépite intemporelle n°40 : Je ne peux plus dire je t’aime (1979) de Jacques Higelin

Y a des jours comme ça, où on imagine livrer son article de la semaine sur une nouveauté, un coup de cœur déniché au fond des bacs d’un disquaire, une pépite inattendue. Mais la vie réserve parfois des surprises, et ce 28 novembre je me suis fait (r)attraper au réveil et au saut du lit par ce magnifique Je ne peux plus dire je t’aime du grand Jacques Higelin.

Voilà une chanson qui atteint cette année ses 40 ans. Quarante années qu’elle se promène au milieu d’un album charnière dans la carrière d’Higelin. Champagne pour tout le monde… Caviar pour les autres (1979) est un double album, initialement sorti en deux disques séparés, avant qu’ils ne soient regroupés en un seul volume. Il n’y a rien à jeter dans ces multiples pistes, que l’on débute avec Champagne ou Cayenne, c’est fini, ou bien que l’on poursuive avec Tête en l’air, L’attentat à la pudeur, ou encore Le fil à la patte du caméléon.

Un double opus charnière qui va à la fois faire passer Higelin des années 70 aux années 80, et ouvrir sa musique sur une nouvelle dimension. Les années 60 ont été synonymes d’expérimentations en tout genre avec Areski et Brigitte Fontaine. Les années 70 ajoutent à ce matériau de départ du rock et un grain de folie supplémentaire et bienvenu. Les années 80 seront celles d’un certaine idée de la chanson française, à la fois pop et de très haute volée.

Champagne/Caviar est donc le témoignage de cette évolution musicale. Un album dont je ne me lasse pas, que je peux écouter en boucle comme d’ailleurs à peu près tout Higelin, d’un disque à l’autre selon mon humeur du moment. Toutefois, cet album a une saveur particulière, peut-être à cause de (ou grâce à) ce Je ne peux plus dire je t’aime, niché à mi-chemin de Caviar et aux trois quarts de Champagne/Caviar, comme une dernière respiration avant la clôture de la fête.

Car il s’agit bien là d’un titre de clôture de fête, tant par son texte finement ciselé et d’une simplicité magnifique, que par sa musique, sorte de murmure intime et profondément humain. Une sorte de constat doux-amer, honnête et aussi plein de promesses. Une résignation tout autant qu’une proposition. Je ne peux plus dire je t’aime donnera lieu, par la suite, à de nombreuses versions en duo et reprises en tout genre. Comme un titre universel, que tout le monde voudrait savoir chanter. Comme une façon de dire les choses que toute personne normalement constituée aimerait maîtriser.

Dernière reprise en date, et pas des moindres : 8 février 2019, Izïa et Arthur H (fille et fils de, faut-il le rappeler ?), rendent hommage au grand Jacques lors de la cérémonie des Victoires de la musique. Comme on est généreux sur Five-Minutes, et que j’ai envie de l’écouter plusieurs fois encore, voici à la fois la version originale par Higelin, suivie de cette magnifique et imparable reprise par les enfants de, avec la charge émotionnelle qui va bien.

Jacques, tu nous manques chaque jour, mais loin de toute commémoration larmoyante, la meilleure chose que l’on puisse faire c’est continuer à écouter tes disques. Et notamment ce Je ne peux plus dire je t’aime qui, paradoxalement, est peut-être la plus belle déclaration d’amour qui soit.

Raf Against The Machine

Pépite du moment n°53 : Radiate (Live) (2019) de Jeanne Added

QTB4cQ3H_400x400On me signale dans l’oreillette que Jeanne Added fera son retour dans les bacs dès demain 22 novembre avec une réédition de Radiate (2018). En d’autres termes son deuxième album studio, jadis chroniqué de fort belle façon par le copain Sylphe (et c’est à relire d’un clic ici). Certains pesteront contre cette mode des rééditions d’albums avec des titres inédits, un nouveau packaging ou encore des remixes.

Point de tout ça demain : Radiate (Live) sort en CD (pas de vinyle annoncé à ce jour), augmenté d’une deuxième galette contenant 14 titres live issus de la tournée de Jeanne Added. Des tournées pourrait-on dire : après avoir écumé le pays en formation quatuor rock pendant des mois, notre rémoise préférée est en virée jusque mi-décembre avec « Both sides », une tournée revisitée en mode seule en scène. Une réinterprétation de son répertoire que je n’ai d’ailleurs pas eu la chance d’aller écouter. Jeanne, si tu nous lis, tu peux nous contacter, on t’indiquera quelques salles possibles par chez nous !

Je m’avance pourtant un peu sur le contenu, ne sachant pas exactement de quoi ce disque live sera fait : partie 1 ou partie 2 de la tournée ? Five-Minutes ne fait pas (encore) partie de ceux qui reçoivent les exemplaires promo/presse pour les écouter avant tout le monde. La tracklist laisse tout de même voir un savant mélange de titres des deux albums studios, dont le redoutable et PJHarvien A war is coming. A ce jour, seul Mutate est disponible à l’écoute, mais ce seul titre en version live suffit à m’emballer au-delà du raisonnable. La voix, première arme fatale de Jeanne Added, est très en avant, pénétrante et imparable. Petit plus par rapport à la version studio : la spontanéité live, les légères écorchures au milieu de la clarté qui font se dresser encore un peu plus les poils. Et monter l’émotion.

D’autant que cette pépite live sera disponible, à quelques jours près, un an après avoir vu Jeanne Added sur scène avec la team Five-Minutes. Un souvenir inaltérable. C’était fin novembre 2018 donc, et on avait passé une soirée absolument magique, bouleversante d’émotions et de talent musical. Tout ça avant de croiser Jeanne Added à la sortie de scène. Pour échanger quelques mots, les yeux plein d’étoiles. Pour une photo souvenir très gentiment accordée, avec le sourire s’il vous plait malgré la fatigue du concert, d’une énergie et d’une intensité folles. Pour une dédicace sur le vinyle qui passe et repasse depuis sur ma platine.

C’était fin novembre 2018, presque une autre vie. C’était quelques jours, souviens-toi si tu me lis, après t’avoir fait découvrir Fargo sous la couette qui sent bon. Porté par une espèce d’énergie sereine, je me goinfrais ces heures-là avec une fringale de vie que toi seule avait trouvé le moyen de rassasier. Ce concert de Jeanne Added ne pouvait pas avoir lieu à un meilleur moment pour en ressentir toute la lumière et l’apesanteur. J’ai bu chacune des minutes de Jeanne live comme j’ai dégusté chacun des moments partagés ensemble. Une sorte de moment d’existence ou tout est simple, serein, évident et naturel.

Puis… « Tu n’étais plus là où tu étais, mais tu es partout là où je suis » (piqué à Victor Hugo). La vie joue parfois quelques tours, et ne se ressemble pas toujours d’une année à l’autre. Il faut faire avec. Et, si possible, avec du son qui accompagne tout ça. C’est bien pour cette raison que la réédition Radiate (Live) sera Day One dans ma platine demain, histoire de replonger en musique dans cette douce énergie rock que je ne retrouve nulle part. Un dernier argument ? Radiate, en français, ça donne « Rayonner ».

Raf Against The Machine

Five reasons n°14 : The Leftovers (2014-2017) de Max Richter

Virée TV-musique, pour le son de la semaine : la BO de la série The Leftovers (2014-2017), signée Max Richter. Pourquoi donc s’y replonger et s’extasier, une fois encore, sur ce score de folie ?

  1. Parce que Max Richter est un compositeur dingue. On ne compte plus ses albums, participations, collaborations. A chaque fois, ça fonctionne, notamment dans le récent Ad Astra (2019). C’est émotionnellement puissant, toujours juste, et pour ce qui est d’accompagner des images, parfaitement en accord avec ce que nos yeux reçoivent. Le genre d’artiste qui, à ma connaissance, n’est jamais tombé une fois à côté de son sujet.
  2. Parce qu’on parle ici d’illustrer musicalement une des plus grandes séries TV qui existe. Sans hésiter la série TV des années 2010. Sans trop hésiter non plus, la série TV des années 2000. Sortie de la tête de Damon Lindelof, également à l’origine de Lost (2004-2010) et Watchmen (2019-…), The Leftovers et ses 3 saisons ont même réussi à passer, à mon goût, devant l’indépassable Twin Peaks. Oui, quand même.
  3. Parce que The Leftovers raconte notre monde, nos vies, la perte, le deuil, et la poursuite de l’existence pour ceux qui restent, sans ceux qui ont disparu sans prévenir. C’est un bouleversement émotionnel à chaque épisode et, croyez-moi sur parole, ça recommence avec la même intensité à chaque visionnage.
  4. Parce que ça recommence avec la même intensité à chaque visionnage, et que tout cela n’est sans doute pas étranger à la partition de Max Richter : cordes et piano, au service d’une musique minimaliste, répétitive, entêtante. Les deux titres phares sont, pour moi, The Departure (littéralement « le départ ») et Dona nobis pacem (littéralement « accorde nous la paix »). Ce sont d’ailleurs les deux thèmes récurrents, dans des interprétations et arrangements toujours légèrement différents mais immédiatement reconnaissables. Comme deux balises dans cet océan émotionnel.
  5. Parce que The Leftovers finit aussi par apporter de la lumière, en racontant au final l’histoire d’un amour évident, total et imparable. Loin de toute considération religieuse ou de toute bondieuserie, cette série et sa bande-son visent au-delà. En ciblant l’essentiel et le fondamental de nos vies : la relation humaine, la capacité à se rendre à l’évidence des sentiments, la faculté de se (re)construire avec ceux/celui/celle qui sont là. Sans oublier les disparus. Tout départ est inoubliable. On ne guérit jamais d’une perte. Mais, peut-être, est-il possible de cicatriser un peu. Cette BO, tout autant qu’elle sait nous retourner, peut aussi contribuer à nous apporter un peu de paix.

Parce que, pour résumer, cette série et sa BO m’ont sauvé. Et continuent à le faire.

Raf Against The Machine

Pépite intemporelle n°37 : 40 ans de chansons sur scène (2019) de Hubert-Félix Thiéfaine

40-Ans-de-chansons-sur-scene-Coffret-Inclus-DVDC’était il y a un an. Pas la sortie de cet album, mais la série de concerts qui en est à l’origine. Nous étions donc en 2018, et Hubert-Félix Thiéfaine (HFT) avait choisi de fêter avec son public ses 40 ans de chansons. D’une part, avec la réédition en vinyles de la totalité de sa discographie studio. D’autre part, avec une mini-tournée anniversaire 40 ans de chansons sur scène : 12 concerts à travers la France, dont un Bercy parisien plein à craquer le 9 novembre, et un Zénith dijonnais le lendemain tout aussi plein. Un 10 novembre donc, qui me revient en pleine mémoire quasiment jour pour jour un an après.

Quelques mois plus tard, est sorti ce double CD/quadruple vinyle, pour nous replonger dans l’intégralité de ce mémorable concert de près de 3 heures. Moi qui écoute Thiéfaine depuis mes années lycée, moi qui trépignait de le revoir sur scène après le Vixi Tour en 2015, bien évidemment j’ai sauté sur cet enregistrement, et bien évidement j’ai revécu cette soirée ponctuée de moments inoubliables. La tracklist est inattendue, intelligente, et faite pour combler tout le monde en balayant effectivement les 40 années de chansons de HFT. J’ai vérifié pour vous : il y a au moins un titre de chacun des albums studio du bonhomme. Et donc pas tricherie sur la marchandise : on revisite bien la totalité de la carrière.

Double revisite de la discographie d’ailleurs. Par la présence de morceaux très anciens, parfois jamais ou rarement joués sur scène, comme de titres plus récents. J’avoue que j’ai frétillé de plaisir en entendant HFT ouvrir sa soirée avec 22 mai, et plus tard envoyer La dèche, le twist et le reste ou encore Enfermé dans les cabinets (avec la fille mineure des 80 chasseurs). Dans les titres moins anciens, on trouve aussi Eloge de la tristesse, Exercice de simple provocation avec 33 fois le mot coupable, ou encore l’exceptionnel Confessions d’un never been. C’est une vraie balade au cœur d’une carrière que je ne cesse d’admirer qui nous était proposée à l’automne dernier, et qui est retranscrite ici.

Double revisite disais-je, parce que la tracklist n’oublie pas de rappeler que Thiéfaine, c’est tout une somme d’émotions et de sentiments mélangés, mixés, imbriqués entre eux. Entre spleen rimbaldien et grain de folie, regards sur le monde et sexualité vénéneuse, j’enfonce des portes ouvertes en disant que les textes de Thiéfaine sont tous de petites merveilles qui sont capables de faire sourire et pleurer en même temps, de partir dans un autre monde en ne perdant jamais de vue qu’on est là et bien là, jusqu’à ce que la faucheuse nous attrape tout du moins. C’est aussi pour cet éventail intarissable de sentiments que j’écoute HFT depuis maintenant plusieurs décennies, sautant allègrement de L’agence des amants de Madame Müller à Sweet amanite phalloïde queen, en passant par La maison Borniol, Mathématiques souterraines, Soleil cherche futur ou Les dingues et les paumés.

C’est donc peu dire que cet album live est une pépite intemporelle. S’il n’invente rien de bien nouveau, il est un magnifique moment pour retrouver Thiéfaine dans ses œuvres et son talent. Il a aussi la vertu de donner immédiatement l’envie de se retaper tous les albums, pour en réécouter un texte, un arrangement, un riff de guitare. Pour comparer les versions de tel ou tel titre, tantôt rock, tantôt plus reggae teinté de synthés et guitare 80’s.

Et, pour tous ceux qui, comme moi, ont eu le bonheur d’assister à ces soirées anniversaires l’an dernier, c’est la garantie de revivre à jamais les frissons qui ont ponctué ce concert. On a coutume de dire que chaque chanson ou chaque album nous ramène inlassablement à un moment de notre vie. C’est on ne peut plus vrai avec cet enregistrement, qui me renvoie à un moment scénique et musical incroyable. J’aurais rêvé de le partager, je l’ai vécu seul. Comme une préfiguration de ma solitude à venir. J’y repense à chaque fois que j’enfile ce t-shirt kaki, floqué du corbeau de Thiéfaine, que j’ai acheté ce soir-là. Une sorte d’oiseau qui veille, comme une âme. Ils sont encore nombreux les petits matins où je me réveille autour de 4h10. Dans ces moments d’insomnie, je pose ce disque de Thiéfaine sur la platine, et je replonge dedans. Comme dirait Hubert, « je n’ai plus rien à exposer dans la galerie des sentiments », ce qui ne m’empêche pas d’entretenir la mémoire des moments passés, le souvenir des orgasmes de vie et de me frayer un chemin dans les affres de cette existence pour aller, le moins vite possible, vers l’inévitable fin. Mood Thiéfaine pur jus.

Raf Agent The Machine

Five reasons n°13 : Everything not saved will be lost Part. 2 (2019) de Foals

Part_2_Everything_Not_Saved_Will_Be_LostPour les plus distraits, les britanniques de Foals ont sorti en mars dernier la première partie d’un projet plutôt ambitieux : Everything not saved will be lost Part. 1 était alors la galette de la résurrection du quintet, après un What went down (2015) en demi-teinte. J’avais alors dit beaucoup de bien de cet opus survitaminé et bourré de bonnes idées. Si vous n’étiez pas là à l’époque, c’est à relire d’un clic ici-bas ici même. Et depuis, je trépignais d’impatience pour savoir ce que vaudrait la Part. 2. Les Foals ont-ils relevé le défi d’un second volet aussi captivant que le premier ? Oui, sans hésitation. Et, comme pour la Part. 1, voici cinq bonnes raisons de compléter votre collection et de faire criser un peu plus votre banque.

  1. Cette Part. 2 porte bien son nom. C’est le parfait complément et l’idéal prolongation de l’opus de mars dernier. Autrement dit, si vous avez kiffé la première galette, vous aimerez celle-ci, mais pour d’autres raisons. Les titres se veulent résolument plus rock, avec des guitares bien plus en avant. En cela, alors que la Part. 1 faisait la part belles aux sons type années 80, cette fois nous sommes plutôt dans le rock du milieu des années 90. Notamment avec Black Bull (le gros son énervé de la galette) et 10,000 Ft., deux titres qui m’ont énormément fait penser au Pearl Jam de Vitalogy (1994) et No code (1996). Quand on connaît mon amour déraisonné pour ce groupe, normal que ça accroche.
  2. Plus largement, si vous aimez le rock un peu énervé et rageur, les guitares lourdes et les sons qui tabassent, vous allez être servis. Outre Black Bull déjà évoqué, The Runner est un autre grand moment de l’album. Je l’avais déjà pépité il y a quelques semaines (à relire ici), et il reste pépite. Un morceau rock lourd et aérien à la fois, qui n’est pas sans rappeler l’excellent Inhaler, sur l’album Holy Fire (2013). Mais Foals sait aussi se faire rock groovy par la voix de Yannis Philippakis. Un morceau comme Like lightning finira de vous convaincre, si besoin, que le quintet sait aussi pondre des mélodies incendiaires, sensuelles et chaudes comme la braise.
  3. Everything not save will be lost Part. 2 est rock, mais pas que. Et c’est bien là une des grandes forces de cet opus. Wash off ou encore Dreaming of envoient certes de la guitare et du son, mais tout cela est teinté de finesse et d’équilibre. Ces morceaux, posés entre d’autres plus massifs, apportent à l’ensemble une bouffée d’air qui aère complètement l’écoute. Et font de ce second volet un disque qui s’écoute d’une traite, comme un voyage sonore suffisamment cohérent pour ne pas décrocher, suffisamment varié pour ne pas s’y emmerder.
  4. Cet album est, en effet, assez vertigineux. Il parvient à poursuivre le chemin tracé par son jumeau de mars, tout en créant une sorte de mix du tout, comme une boucle temporelle et sonore. Plus on avance vers la fin de l’album, plus on retrouve des mélanges d’ambiances, de tout ce que l’on a connu depuis les premières notes de la Part. 1. Dreaming of (fin de face A) ou Into the surf (avant-dernier morceau face B) posent des ambiances cotonneuses, presque oniriques, puis injectent des sonorités très 80’s, semblables à celles qui ont fait la Part. 1, tout en restant dans la dynamique et la variété de la Part. 2. C’est totalement brillant, et la mise en perspective de ces deux moitiés n’en est que plus belle.
  5. L’aventure se clôt de fort belle manière avec un long Neptune. Les Foals ont misé sur une ambiance quasi-planante, qui alterne avec des moments de derniers cris rock. Comme une extinction annoncée, une perte à venir. Tout a été dit en deux LP, il est temps de se quitter sur un dernier titre qui rassemble le savoir-faire des gars d’Oxford. Un morceau requiem, un adieu à ce mix de sons 80’s et 90’s sans cesse brassé et repensé. A propos d’adieux, la pochette de cette Part. 2 est, comme celle de la Part. 1, d’une beauté incroyable. La photo est exceptionnelle, et si on la regarde bien, on aperçoit en arrière-plans les membres du groupe se recueillant chacun devant une croix. Alors que nous-mêmes sommes visuellement devant une croix, à nous recueillir aussi d’une certaine façon.

Tout ce qui n’aura pas été sauvegardé sera perdu : le titre de ce projet en deux temps nous saute maintenant à la gueule et tout devient limpide. Foals avait annoncé la couleur d’entrée de jeu, et la mission est brillamment remplie. On n’aura certainement pas tout sauvegardé (est-ce seulement possible ?), mais l’essentiel est là. Il est gravé dans le vinyle d’un double LP assez incroyable et terriblement captivant. Foncez sans hésiter : après Dyrhólaey de Thomas Méreur et la BO de Joker par Hildur Guðnadóttir, voici le 3e album pilier d’octobre 2019, et au-delà, de cette année 2019. Il semblerait qu’il y en ait au moins un quatrième, mais c’est une autre histoire.

Raf Against The Machine

Ciné-musique n°3 : Joker (2019) de Hildur Guðnadóttir

JokerTout a déjà été dit, ou presque, sur Joker, le film de Todd Phillips : flamboyante réussite pour les uns, supercherie et surestimation pour d’autres, le long métrage flirte à ce jour (deux semaines après sa sortie) avec les 3 millions d’entrée sur le sol français. On a vu pire. Et l’on peut raisonnablement penser que cette pépite cinématographique (#vousavezcomprisdansquelcampjesuis) va poursuivre son chemin pendant encore bien des semaines. Rien d’étonnant, compte-tenu de la très haute tenue de ce film.

En premier lieu, il y a évidemment la performance ahurissante de Joaquin Phoenix. On le savait déjà un immense acteur, pour ses prestations en Commode (l’empereur romain, pas le meuble hein) dans Gladiator (2000), en Johnny Cash dans Walk the line (2005), chez James Gray dans La nuit nous appartient (2007), Two lovers (2008) ou The immigrant (2013), ou encore chez Paul Thomas Anderson dans Inherent Vice (2014). Cet homme est une bête d’écran, et Joker lui permet, une nouvelle fois, de déployer ses talents dans la peau d’un des pires méchants que la littérature et le cinéma ait porté. Une performance haut de gamme, qui surpasse et diffère de celle d’Heath Ledger dans The Dark Knight (2008) de Christopher Nolan. Là ou Heath Ledger campe un Joker malsain et totalement barré, Joaquin Phoenix se métamorphose sous nos yeux en deux heures de temps : deux heures pour passer de l’insignifiant et presque attachant Arthur Fleck au monstre fou qu’est le Joker.

La métamorphose est d’autant plus perturbante et percutante qu’elle est portée par une réalisation et une photographie sans faille. Je ne cache pas avoir eu les pires craintes il y a quelques mois, en apprenant que Todd Phillips avait en mains ce projet. Oui, le Todd Phillips des Very Bad Trip, qui change ici totalement de registre et montre ce qu’il sait vraiment faire avec une caméra. Le film est d’une noirceur absolue, d’un désespoir sans faille, dans une société qui met à son ban les faibles, les ratés, les discrets, les marginaux, les asociaux. Une société qui violente ses oubliés et qui, de ce fait, crée ses propres monstres en exacerbant les violences et les déséquilibres psychotiques larvés. Un Taxi Driver de notre temps. Todd Phillips écrit son histoire à grands coups de plans rapprochés sur les visages, de plans plus larges d’une beauté saisissante, et aussi de travellings d’Arthur/Joker courant dans les rues comme autant de couloirs qui le conduiront vers sa propre folie. Un enfermement total, un monde sans issue. Le monde du Joker.

Ce film serait-il aussi percutant et efficace sans sa bande-son ? Rien de moins sûr. Il y a d’abord le son, hors de la bande originale. Fait de micro-bruits presque imperceptibles et du rire glaçant du Joker, il ponctue de bout en bout le long métrage. On n’y fait pas forcément attention du premier coup. Ensuite, c’est une autre histoire. Aussi et surtout, il y a la bande originale, composée par Hildur Guðnadóttir. Cette violoncelliste et compositrice islandaise (décidément, on n’en sort pas de l’Islande) est en activité depuis une quinzaine d’années. De formation classique, elle a collaboré avec des groupes tels que Pan Sonic, Múm ou Animal Collective. Cinq albums studio au compteur, des collaborations à ne plus les comptabiliser et une grosse poignée de bandes originales. A 37 ans, voilà déjà un brillant CV. Récemment, on a pu profiter du talent de Hildur Guðnadóttir sur la BO de l’excellente mini-série de HBO, Chernobyl (2019). Petite digression : si vous n’avez pas vu cette merveille télévisuelle, faite de réalisme, d’effroi et de maîtrise totale, jetez-vous dessus.

Jetez-vous aussi sur cette BO du Joker par Hildur Guðnadóttir. Les 17 morceaux qui la composent sont tous de petits bijoux. La musicienne a travaillé uniquement autour des cordes et des percussions, en mettant en avant le violoncelle et les tessitures les plus graves des instruments à cordes. On y retrouvera comme des clins d’œil à la BO du Dark Knight par Hans Zimmer, lorsque l’archet se fait râpeux et âpre. Les sons frottent et s’étirent, comme le corps désarticulé de Joaquin Phoenix/Arthur/Joker lorsqu’il se met à danser. Mais pas que. Le talent d’Hildur Guðnadóttir réside dans ce qu’elle crée des ambiances à couper au couteau avec pour simple base ses cordes et ses percussions. Ces dernières ponctuent en arrière-plan les mélodies, comme autant de tic-tacs qui sonnent le décompte jusqu’à la folie irréversible du Joker. Cette recette musicale avait déjà fait merveille sur Chernobyl. On atteint avec Joker une autre dimension qui épouse la noirceur de la réalisation de Todd Phillips.

Une dernière chose : les compositions d’Hildur Guðnadóttir pour Joker font partie de ces BO que l’on peut écouter pour elles-mêmes, sans le film sous les yeux. Et qui, à chaque note, vous renvoient des images, sensations et émotions vécues pendant le visionnage. La marque des plus grandes et belles BO. Chapeau bas à Hildur Guðnadóttir pour son travail, en particulier cette BO qui compte parmi les plus beaux enregistrements de musiques de films que je connaisse. A l’image de Joker, qui est un des plus grands films que j’ai vus cette année. Cette décennie. Depuis toujours.

Raf Against The Machine