Five reasons n°19 : Quarantine Phone Sessions (2020) de Pomme

Comment ça va par chez vous ? Pas trop mal au confinement ? Parce que je vais vous en remettre une petite couche cette semaine, mais néanmoins avec de la bienveillance et du bon son. Vous allez voir, ça va bien se passer. Très bien même.

Passé le Carpenter Brut de la semaine dernière, j’ai failli retourner dans mes références musicales de base, lorsque m’est tombé dessus un nouveau EP de Pomme. Nous avons déjà parlé ici de cette jeune chanteuse, en mettant au rang de pépite son Grandiose, extrait de son deuxième album Les failles cachées. Si vous êtes passés à côté, il faut vous rattraper sans tarder en suivant ce lien. Et comme ça va vous plaire beaucoup beaucoup, vous allez enchaîner sur le nouveau mini-album de Pomme Quarantine Phone Sessions. Et s’il vous faut une bonne raison, en voilà cinq.

  1. Les chansons de Pomme sont vraiment très jolies et font du bien. Cet EP ne déroge pas à la règle. Composé de 5 titres, vous allez voyager pendant 8 minutes dans un univers de sérénité mélancolique, accompagné par une voix toujours aussi incroyable. Je vous vois d’ici : 8 minutes pour 5 titres ? Oui, ce sont en fait 5 petites chansons de 1 minutes 30, comme 5 touches de folk dépaysantes, entre douceur et mélancolie.
  2. Oui, parce que ces 5 titres relèvent de la folk épurée, dans le plus simple appareil guitare folk-voix. Forcément, si des artistes comme Joan Baez, Bob Dylan (en version folk) ou Angus & Julia Stone vous gonflent, pas la peine de vous arrêter : je vous suggère plutôt d’attendre le prochain passage du copain Sylphe sous peu (#l’artduteasing). Pomme caresse ses cordes et pose dessus sa voix qui nous caresse, avec des mots en anglais dont on se moque un peu. Ce qui compte c’est l’effet que ça nous fait.
  3. Des paroles dont on se moque… pas tout à fait quand même, puisque le 3e titre No kids est tendre dans sa musique, cruel dans ses mots : « I don’t want no kids anymore / When I see the harm that we’ve done / I don’t want them to live in this crazy world ». Besoin de traduction ? L’idée, c’est finalement de ne pas/plus vouloir d’enfants quand on voit le monde tout salopé par l’Homme dans lequel on les ferait venir et grandir. Oui, ça me cause total, et en plus ça fait d’une certaine façon écho au titre Grandiose évoqué plus haut. D’ailleurs, y aurait comme un air de famille dans la mélodie, non ?
  4. En parlant de monde tout salopé, ça nous ramène un peu tout de même au confinement, et il y a un rapport très direct : ce EP est éphémère, tout comme le confinement (enfin, on va se dire ça). Pomme a enregistré ses chansons confinée chez elle, direct sur son téléphone. D’où le titre du EP Quarantine Phone Sessions. Un EP qui disparaîtra sitôt le confinement levé. Aux dernières nouvelles, il vous resterait donc une dizaine de jours pour profiter de ces petites perles musicales. Je serais vous, je ne trainerais pas.
  5. Sauf si vous décidez de l’acheter ! Puisque oui, Quarantine Phone Sessions est disponible à l’achat sur toutes les bonnes plateformes pour à peine 3 balles. J’entends déjà du « 3 euros pour 5 titres et 8 minutes de musique, ça abuse ». Pourtant, ça choque personne de claquer 20 balles dans des albums de merde qui durent bien trop longtemps et dont on ne se souviendra plus dans quelques mois (non, je ne citerai aucun artiste, sur Five-Minutes on ne dégomme personne…^^) Alors que là, c’est 3 balles pour de la jolie musique. Et puis après tout merde : il serait temps de se souvenir que la culture et l’art ça a un prix, vous pouvez quand même bien soutenir les artistes non ?

Cinq bonnes raisons, c’est déjà six de trop. J’aurais pu gagner du temps en vous disant que ce sont cinq chansons de Pomme, et que ça ne se discute pas. Ça s’achète et ça s’écoute, point. La musique de Pomme, ça fait du bien au confinement. Ça fait du bien tout court, et en même temps ça fait réfléchir et ça remue l’humanité sensible qui est en nous. Vous êtes encore là ? Mais vous attendez quoi pour filer acheter cet EP ? Foncez !

Raf Against The Machine

Review n°53: The New Abnormal de The Strokes (2020)

A l’occasion d’ une playlist best of de The Strokes (à réécouter par ici ), je vous avais déjà fait The Strokes -The New Abnormalrapidement part de mon intérêt pour le sixième opus de Julian Casablancas and co, The New Abnormal. Explorons désormais ensemble ce qui se cache derrière ce Bird On Money de Jean-Michel Basquiat afin de confirmer qu’on a bien retrouvé The Strokes à un niveau qu’on ne lui avait pas connu depuis First Impressions of Earth en 2006 (par pudeur, on ne dira rien de Angles et Comedown Machine…).

Le début d’album est très bon et on retrouve cette subtile alliance du rock et de la pop chère à The Strokes  portée par, n’en déplaisent aux grincheux, la voix très convaincante de Julian Casablancas. Le morceau d’ouverture The Adults Are Talking nous ramène ainsi 15 ans en arrière avec son riff de guitare addictif, sa rythmique uptempo et la voix résolument pop de Casablancas (quelle belle capacité à encore monter dans les aigus), c’est une vraie cure de jouvence et de fraîcheur et on comprend rapidement que le versant pop va être davantage exploré sur ce début d’opus. Selfless explore les contrées d’une pop presque psychédélique à la MGMT pour traiter avec une certaine mélancolie la thématique de l’amour, les synthés jouant un rôle central. Brooklyn Bridge To Chorus prolonge la tentation des synthés, c’est léger et dansant (ça me fait penser aux premiers Mika c’est dire…) et clairement le morceau, sans être exceptionnel, fait bien le job. Bad Decisions apporte plus de caractère et me rappelle les premiers albums avec ce refrain obsédant et la puissance mélodique imparable, je me suis penché sur les paroles où Billy Idol en personne a mis la main à la pâte et je reste toujours dubitatif. Moscou 1972, le traité ABM sur la limitation des armes stratégiques signé par Nixon et Brejnev? Je suis preneur de toute interprétation mais bon ce serait mentir que de dire que les paroles sont l’intérêt premier d’un album de The Strokes

Eternal Summer reste dans une veine résolument optimiste et pop pour un résultat un brin lisse et un peu long (plus de 6 minutes) avant THE bijou At The Door. Un morceau très riche instrumentalement qui brille par la confrontation de sa douceur mélancolique et de ses sonorités plus sombres/électroniques, le tout illustré par un clip brillant à visionner en-dessous. Le plaisir est décuplé car je n’attendais pas The Strokes  sur un tel terrain torturé… Il faut reconnaître que Why Are Sundays So Depressing et Not The Same Anymore souffrent de la comparaison avec At The Door et peinent à déclencher un très grand intérêt face à la mélancolie de Julian Casablancas. Heureusement le morceau final Ode To The Mets clot assez brillamment l’album avec sa douceur nostalgique d’une grande justesse. 45 minutes plus tard, c’est un sourire sur le visage qui persiste et me fait prendre conscience que The Strokes a encore des choses justes à nous raconter en 2020, et cela suffit amplement pour mon plaisir, enjoy!

Sylphe

Ciné-Musique n°7 : Blood Machines (2020) de Seth Ickerman + Carpenter Brut

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Visuel  Blood Machines from Bloodmachines.com

Petite interruption de la balade dans le carton à souvenirs, puisqu’on me signale dans l’oreillette que le nouveau Carpenter Brut est sorti, sous la forme de la bande originale de Blood Machines. Qui ? Quoi ? Quand ? Comment et pourquoi ? On rembobine la VHS et on reprend les bases pour mieux comprendre où on en est.

Derrière Carpenter Brut, il y a Franck Hueso. Le garçon débute sa discographie en 2012 avec un premier album de 6 titres sobrement intitulé EP I. Suivront assez logiquement les EP II (2013) et EP III (2015), aujourd’hui regroupés dans le gros album Trilogy. Représentant de la synthwave (genre musical et artistique né dans les années 2010 et très inspiré par les films et la musique des années 1980), Carpenter Brut a même creusé son sillon dans le sous-genre musical darksynth, basé sur le métal, les sonorités sombres et les musiques de films d’horreur. En est logiquement sorti en 2018 l’album Leather Teeth (littéralement les dents en cuir, tout un programme), vraie fausse BO d’un film imaginaire qui aurait tout à fait trouvé sa place dans les vidéo-clubs des 80’s au rayon Horreur.

Transition toute trouvée pour évoluer vers la galette qui nous intéresse aujourd’hui. Plus exactement la galette virtuelle, puisqu’à ce jour Blood Machines OST n’est disponible qu’en version numérique. Le vinyle est annoncé, mais sans date pour le moment. Le nouveau disque de Carpenter Brut est, cette fois, la vraie BO d’un vrai film, lui aussi intitulé Blood Machines. Aux commandes de ce court métrage de 50 minutes, on trouve Seth Ickerman (aka Raphaël Hernandez et Savitri Joly-Gonfard). Si le nom vous dit quelque chose, c’est normal : le titre Turbo Killer (2015) de Carpenter Brut était déjà mis en images par le duo. Ça raconte quoi ? Une sorte de fils illégitime de Mad Max et de K2000 en mode furieux, qui vole au secours d’une beauté brune en transe prisonnière de mystérieux et malfaisants personnages, dans une ambiance sonore plutôt gros son. Comme on est sympas sur Five Minutes, on vous met le clip à déguster sans tarder (avant de reprendre la lecture juste en dessous).

Important d’avoir en tête ce Turbo Killer, puisque Blood Machines en est la suite. On y retrouvera Mima, cette jeune femme délivrée de sa prison pyramidale, dans une histoire dont le pitch envoie plutôt du lourd : « Deux chasseurs traquent une machine qui tente de s’émanciper. Après l’avoir abattue, ils assistent à un phénomène mystique : le spectre d’une jeune femme s’arrache de la carcasse du vaisseau comme si elle avait une âme. Cherchant à comprendre la nature de ce spectre, ils entament une course-poursuite avec elle à travers l’espace. » (site officiel Bloodmachines.com). Le spectre de la jeune femme, c’est justement Mima, dont on a fait, assez fortement ému, la connaissance dans Turbo Killer. Vous suivez ?

Blood Machines fait dans la science-fiction, entre cyberpunk et space opera. Entre Blade Runner et Star Wars version dark, avec une touche du John Landis du clip de Thriller en 1983. Là encore, logique pour un duo qui a pondu un premier film Kaydara (2011) se déroulant dans l’univers du Matrix des Wachowski (si ça vous tente, Kaydara est visible via ce lien). Blood Machines est visuellement ambitieux et très alléchant (voir la bande-annonce ci-dessous), mais pour le moment impossible à voir légalement en France : aucun distributeur ne s’est manifesté pour diffuser ce qui semble être une petite pépite, bien que le site officiel nous promette des nouvelles pour bientôt. En revanche, ce sera dispo pour les backers du Kickstarter le 20 mai prochain, et ça débarque dès le lendemain 21 mai sur Shudder, la plate-forme de streaming d’AMC Networks. Prenons donc notre mal en patience. Et pour patienter, quoi de meilleur que de s’écouter la BO de Blood Machines ? (#l’artderetombersursespiedsenfind’article)

Disponible donc à l’achat (5 malheureux euros sur Bandcamp, c’est donné !) et en streaming depuis quelques jours, le versant sonore et musical de Blood Machines regroupe 13 titres, pour une durée totale de 36 minutes. Oui, 36 minutes pour un film qui en fait 50, ça veut dire que la place laissée à l’ambiance sonore est très grande. Quelle ambiance me direz-vous ? A l’image des influences visuelles de Seth Ickerman, Carpenter Brut conduit sa BO sous deux influences majeures. On alterne entre du Giorgio Moroder un peu vénère (comme dans le Blood Machines Theme) et du Vangelis de Blade Runner ou du Benjamin Wallfisch/Hans Zimmer de Blade Runner 2049 (sur une bonne partie du reste de l’album). Deux ambiances qui se répondent d’un morceau à l’autre, quand elles ne se croisent pas au sein d’un même titre. Ce qui, entre nous soit dit, colle totalement à ce que l’on connait de ce Blood Machines. D’un côté, du synthé ronflant et boosté par une batterie qui tabasse, histoire de bouger son corps. De l’autre, du synthé balancé par nappes aériennes, fantomatiques et parfois inquiétantes, comme pour nous plonger dans un monde que l’on frisonne de connaitre tout en n’ayant aucune envie d’y vivre.

Blood Machines OST c’est tout ça à la fois, et bien plus encore : le son Carpenter Brut est évidemment présent et immédiatement identifiable, au-delà de toute influence déjà évoquée. C’est excellent, comme toujours. Le seul problème de cet album ? Nous donner furieusement envie de voir (enfin) ce Blood Machines, mais aussi d’occuper nos journées de confinement en se refaisant une bonne partie de nos références musicales et cinématographiques SF/Cyberpunk. Comme effets secondaires, on a connu bien pire. En un mot comme en cent : foncez !

Raf Against The Machine

Pépite du moment n°64: For The Beauty de Tindersticks (2019)

Voilà déjà presque 20 ans que les Anglais de Tindersticks nous offrent leur rockTindersticks empreint d’émotions et ce serait bien vain de ma part de vouloir résumer leur carrière ici, de toute façon ce n’est clairement pas mon objectif du jour… Le groupe redevenu trio au milieu des années 2000 avec le chanteur Stuart Staples, Neil Fraser et David Boulter a sorti en fin d’année dernière son douzième opus No Treasure But Hope sur le label City Slang et le moins que l’on puisse dire c’est que sacrément bon et que c’est une superbe porte d’entrée pour moi afin de véritablement les découvrir… Quelques titres écoutés par ci par là mais le hasard et le maelstrom de la production musicale font que je n’avais jamais écouté un album de la bande formée autour de Stuart Staples. Faute avouée, faute à moitié pardonnée dit-on…

Le morceau du jour For The Beauty a l’immense honneur d’ouvrir brillamment l’album. Le choix du titre de ce morceau est particulièrement judicieux tant ce dernier nous propose une belle leçon de douceur majestueuse. Porté par une instrumentation toute en grâce et subtilité, le piano en fond s’apparentant à une infime respiration qui parcourt tout le morceau et les violons sur la fin donnant encore plus d’ampleur à l’ensemble, la voix de Stuart Staples est juste sublime de retenue et d’émotion. Une voix qui ne cesse d’évoquer chez moi par certaines de ses inflexions un certain David Bowie qui nous manque toujours autant… Voilà un instant de grâce divine qui devrait illuminer votre journée, enjoy!

Sylphe

Review n°52: Cadavre exquis de Thérapie Taxi (2019)

Grand carton de 2018, Hit sale certifié disque de platine, avait marqué les esprits de la Thérapie Taxichanson française. Le disque contenait énormément de tubes, idéal pour le passage en radio. Mais on aurait tort de réduire le groupe à quelques morceaux « grand public » et juger ce groupe trop rapidement arrogant, nihiliste, punk, aux textes trop salaces. Bref tout un courant d’incompréhension alors que le succès public montre combien leur musique était attendue et combien ils renouvellent le genre. La chanson française s’était embourgeoisée, trop de délicatesse, trop de bonnes intentions. La jeunesse a besoin d’énergie et d’anticonformisme. Le monde est trop aseptisé, trop politiquement correct. Avec Thérapie Taxi Fuck les mots doux ! Fuck le système, vous allez entendre des mots crus mais arrêtons de nous voiler la face ! au fond nous ne sommes qu’un « vulgaire animal ».

Si dans l’ensemble l’album Cadavre exquis reprend les ingrédients du succès du précédent opus, on ne peut pas leur en vouloir. Ils savent porter des mélodies simples mais efficaces avec des textes qui disent les maux et les sentiments de la jeunesse actuelle. Leur sens de la provocation contrôlée, des histoires de cœurs, de la mélancolie, des troubles de l’amour, des soirées de lose trop arrosées… On pourra le ressentir dans Dominer le bruit ou encore Candide Crush.

Ils savent aussi jouer sur le duo au chant filles / garçons et aux timbres de voix qui alternent souvent deux histoires, deux manières de voir les choses.

On aimera aussi entendre ce morceau ultra efficace Madame Klaude, à l’énergie brute, aux paroles percutantes et à la production puissante. Oui, il y a bien quelques titres, quelques morceaux un peu « faciles » sur ce disque, le single choisi Ego Trip est finalement l’un des morceaux les moins réussis de cet album. Ne vous arrêtez pas sur ce titre où les paroles ne vont pas chercher bien loin. Ecoutez plutôt L’équilibre. Sa portée crépusculaire, sa critique de la société de consommation, des travers de nos modes de vie, Thérapie Taxi n’est pas qu’un groupe pour danser mais aussi un groupe pour réfléchir et changer le monde. C’est enfin un super groupe de scène, à l’énergie punk…

Un second disque parfait pour prolonger l’écoute du premier opus et qui contient encore beaucoup de singles en puissance.

Rage

Interview n°5: Jean-Baptiste Soulard

Je vous parlais il y a peu de temps d’un très bel album concept autour du livre de Sylvain JB SoulardTesson Dans les forêts de Sibérie, à savoir le premier opus solo de Jean-Baptiste Soulard, Le Silence et l’Eau (à lire ou relire par ici ). Comme nous ne faisons pas les choses à moitié chez Five-Minutes, après avoir dépêché une équipe spéciale en Sibérie (on exploite nos intérimaires), nous avons pu prendre contact avec Jean-Baptiste Soulard que nous avons pris plaisir à découvrir davantage. Interview à savourer, bien au chaud dans son isba avec le sifflement du samovar en fond…

1/ Bonjour Jean-Baptiste Soulard, peux-tu tout d’abord nous présenter l’album Le Silence et l’Eau ?

 J’avais depuis longtemps envie d’écrire un disque folk, assez orchestré, envie d’y entendre plusieurs voix mais il me fallait trouver un prétexte, une impulsion.. J’ai trouvé dans le livre de Tesson l’étincelle idéale.

2/ Etait-ce important de le sortir sous ton propre nom et pas sous celui d’un nom de groupe ?

 Je me suis pas mal posé la question car je n’ai effectivement pas le nom le plus sexy du monde ahahah 🙂 mais la réalité est que ce choix correspond à une forme de maturité aussi, à une démarche personnelle de musicien. Je n’avais pas envie de créer « l’ersatz » de moi même à travers un « personnage ». J’aime l’idée que je suis le metteur en scène de ce projet qui compte aussi beaucoup de participants.

3/ Comment définirais-tu la musique du disque ?

 J’ai vraiment cherché une forme d’honnêteté et de sincérité dans les compositions, qui sont sans doute la somme de mes multiples influences. Mais en résumé, si je devais coller une étiquette marketing, je dirais « Chanson folk fr ».

4/ Peux-tu me dire quelles sont tes influences et quels artistes/groupes tu aimes?

 Tu as combien de temps devant toi?

Non, plus sérieusement, je peux te donner trois disques en vrac,  Golden Mile de Daniel Rossen / Plaisirs d’amours de René Aubry / Bryter later de Nick Drake.

5/ Quel titre de l’album représente le mieux ta musique et pourquoi?

   Je dirais Sois le dernier qui ouvre l’album.

   L’un des premiers morceaux que j’ai écrits pour ce projet, j’aime son côté « cérémonieux », sa force tranquille. On y ressent je crois le besoin de tout stopper net pour supposer qu’il existe un ailleurs plus noble, plus serein.

6/ Quel jeune artiste aimerais-tu aider à promouvoir?

    Ce n’est pas une jeune artiste mais j’aime beaucoup Thousand qui mériterait d’être bien plus médiatisé qu’il ne l’est. Artiste très talentueux.

7/ Quel est en ce moment ton groupe/artiste préféré?

    Le mot « préféré » me gêne un peu mais disons que mon artiste de confinement en ce moment puisque c’est d’actualité est un chanteur brésilien, Lucas Santtana. Il a sorti un très beau disque sur le très beau label No Format!.

8/ Si nous devions détruire tous les albums musicaux sur Terre lequel sauverais-tu?

Un disque qui témoigne d’un certain manque de poésie parfois de l’esprit humain, désolé Patrick…

Les Sardines.. de Patrick S. 🙂

9/ Et si tu devais ne sauver qu’un titre lequel serait-ce?

    Chicago de Sufjan Stevens

10/ Et maintenant un peu de place pour dire ce que tu veux

      Allez, ça va aller.

 

PS: Encore merci à nos deux intérimaires… Nicolas tu es bien revenu avec Jérémy? il ne répond plus à nos messages…

 

Sylphe

Playlist n°1: Best of The Strokes

La semaine dernière sortait le sixième opus des Strokes, The New Abnormal, dont je vous The Strokes best ofparlerai très bientôt. Confinement oblige, je me suis pris le temps de réécouter la discographie de Julian Casablancas and co afin de vous concocter un best of de leurs meilleurs titres… The Strokes est, à mon sens, un groupe de tubes mais ce serait exagéré de dégager des albums incontournables qui font  l’unanimité. Néanmoins, vous verrez à travers les titres sélectionnés que l’on perçoit assez aisément la trajectoire du groupe. On part avec deux très bons albums Is This It (les titres Barely Legal, Someday, Last Nite et Hard To Explain) et Room on Fire (Reptilia, 12:51 et The End Has No End) alors que le troisième opus First Impressions of Earth arrive encore à peu près à maintenir ce niveau de qualité avec You Only Live Once, Juicebox et Heart In a Cage (joli clin d’oeil par rapport au Arcade Fire d’il y a 2 jours). Vient alors ce qui ressemble à une traversée du désert, des albums Angles et Comedown Machine seuls trouvent grâce à mes oreilles Under Cover of Darkness et l’épileptique One Way Trigger… Heureusement The New Abnormal vient raviver des cendres que l’on croyait définitivement éteintes avec les titres The Adults Are Talking, Selfless, Bad Decisions et la pépite At The Door. Sur ce je vous laisse avec une belle heure de rock, à écouter bien fort pour enrichir les goûts musicaux de vos voisins qui sont pris au piège et ne peuvent pas partir, enjoy!

Sylphe