Poursuite de notre petite virée dans le monde merveilleux et sans fin des reprises : après Feeling good (à relire/réécouter ici), restons dans la deuxième moitié des
années 1960 avec The Letter, standard pop-rock-soul tombé dans les bacs dans sa version originelle par The Box Tops en août 1967, puis repris dès 1970 dans une version survitaminée par Joe Cocker. En l’espace de 3 années, le monde et la société connaissent des bouleversements définitifs, tout comme le monde de la musique. The Letter en est, par ces deux versions, une excellente illustration.
D’un côté, The Box Tops et 1967. Le groupe, originaire de Memphis (Tennessee), se forme autour de son chanteur Alex Chilton. Ils sortiront 4 albums entre 1967 et 1969, dans un mélange de pop-rock psychédélique (n’oublions pas ce qui se passe alors à Londres notamment depuis quelques mois avec l’émergence de Pink Floyd) et de soul. Les termes de blue-eyed soul (soul aux yeux bleus) ou white soul (soul blanche) ont été utilisés à l’époque pour distinguer la musique soul faite par les musiciens blancs de celle faite par les musiciens noirs. Cette distinction s’inscrit dans le contexte particulier de la lutte pour les droits civiques et du climat sociétal de l’époque.
De l’autre, Joe Cocker et 1970. Il aura suffi de trois petites années et de l’explosion du bluesman de Sheffield pour revisiter et dynamiter la bluette pop-rock de The Box Tops. Presque simultanément à la reprise incandescente du With a little help from my friends des Beatles, Joe Cocker livre ici une version soul des plus fiévreuses. Le rauque de sa voix le dispute aux cuivres chauds et sonores qui ponctuent l’ensemble. En bref, la reprise n’a rien à envier à l’original et gagne très nettement notre préférence. Comme un super son qui ferait danser, jusque dans le fond des océans, les algues au rythme de la musique (#défidujour).
Courez écouter cette merveille si vous ne la connaissez pas. Remettez là en montant le son et en fermant les yeux si vous connaissez : vous savez que cette reprise by Joe Cocker est imparable.
Raf Against The Machine
Tout juste 50 ans après la sortie de The Dark Side of the Moon de Pink Floyd, est tombé dans les bacs hier vendredi 24 mars 2023 une pépite que l’on désespérait de voir arriver un jour. The Dark Side of the Moon – Live at Wembley Empire Pool, London, 1974 (que nous appellerons Live at Wembley par commodité pour cette chronique) est disponible en CD et vinyle. Inclus dans le méga et hors de prix coffret commémoratif de The Dark Side of the Moon, Live at Wembley est également accessible séparément, pour une quinzaine d’euros en CD et à peine vingt euros en vinyle. Alors que l’on connait déjà par cœur The Dark Side of the Moon et qu’on nous ressort un live vieux de 49 ans, faut-il lâcher ses piécettes dans cette galette ? Assurément oui, et même cinq fois oui. Cinq fois exposées immédiatement et sans tarder.
Trente et un ans déjà que The Chemical Brothers nous envoient du son qui fait du bien. Fondé en 1992 par Tom Rowlands et Ed Simon, le duo anglais de musique électronique affiche 9 albums au compteur entre 1995 et 2019, tous plus captivants les uns que les autres. Depuis No Geography, dernier LP en date, c’est l’attente. On a beau se passer et repasser ces 9 galettes, depuis Exit Planet Dust (1995) jusqu’aux dernières secondes de Catch me I’m falling, qui referme No Geography, il faut avouer qu’on est un peu en manque de The Chemical Brothers. On avait bien eu le single The darkness that you fear en 2021, qui semblait annoncer un nouvel album. Pourtant, pas de nouvelles depuis, jusqu’à maintenant. Les deux anciens étudiants en histoire (comme quoi, en plus d’être une passionnante filière d’études, l’histoire mène décidément à tout) livrent ces jours-ci No Reason, un nouveau single inattendu et diablement efficace.
Après avoir écouté du 50 ans d’âge la semaine dernière, réduisons un peu la voilure pour revenir presque 30 ans en arrière. En 1994 plus précisément, pour nous replonger dans l’excellent Ill Communication des Beastie Boys. Pour leur quatrième album, Michael « Mike D » Diamond, feu Adam « MCA » Yauch et Adam « Ad-Rock » Horowitz mélangent hip-hop, punk rock et sonorités jazz. Ce mix aventureux pourrait tourner à la catastrophe. Entre les mains des Beastie Boys, l’ensemble constitue un des meilleurs albums du groupe. D’un titre à l’autre parmi les 20 qui constituent la galette, on navigue entre titres à chiller, ambiance plus vénère et flow hip-hop jazzy. C’est plutôt dans cette dernière case qu’on rangerait Sure Shot, titre inaugural de Ill Communication et pépite énergique et énergisante comme on n’en fait plus.
Il est grand temps d’écrire ma chronique hebdomadaire, et si vous en avez lu le titre, vous voyez déjà la pirouette que je vais faire. Il est grand temps… et hop un titre avec le mot temps dedans, en anglais pour faire un peu stylé. It’s time ! Retour 50 ans en arrière, avec un ultra classique comme on n’en fait plus. Tout a déjà été dit et écrit sur Dark Side of the Moon de Pink Floyd. Paru le 1er mars 1973 aux Etats-Unis et le 23 mars 1973 (on reviendra sur cette date) au Royaume-Uni, ce huitième album studio est la concrétisation du son Pink Floyd en gestation depuis la galette studio de Ummagumma (1969), puis Atom Heart Mother sur l’album éponyme en 1970 et Echoes sur Meddle en 1971. Un rock progressif qui expérimente les sonorités, une production studio léchée et tirée au cordeau avec notamment un mixage quadriphonique, un concept sonore qui conduit à l’évasion totale. Les 43 minutes et 10 titres de l’album forment comme un seul et même morceau qui déroulerait ses différents mouvements. Figurant dans le top 25 des albums les plus vendus de tous les temps, Dark Side of the Moon est resté 736 semaines dans le classement des albums du Billboard, de 1973 à 1988. On pourrait aligner les chiffres à l’envi, le constat est bel et bien là. Au-delà des ventes, des chiffres de production, Pink Floyd publie en 1973 un album majeur de l’histoire de la musique, dont le succès et les qualités ne se sont jamais démentis depuis.
l’affirment dans une interview accordée aux Inrocks « On a besoin d’accueillir certaines propositions pour se les approprier et ne pas être dans un dialogue immédiat avec ce que l’on vit. » Dans une époque de l’immédiateté poussée à son paroxysme, la démarche est pour le moins à contre-courant. Le premier album The Dog and the Future (apprécié et chroniqué par ici pour l’inauguration des Five-Titles) date donc déjà de 2018 et c’est avec une véritable impatience que je me lance dans ce Player Non Player, album-concept qui est la bande-son du jeu vidéo du même nom créée par un ami d’Armand, Jonathan Coryn. Un jeu vidéo au concept assez original où l’on incarne un personnage qui arrive sur une île et rencontre des personnages énigmatiques qu’il va aider à accomplir leurs rêves, la progression du jeu débloquant les clips musicaux interactifs d’Agar Agar.
Qu’apprend-on la semaine dernière à la lecture des Inrockuptibles (27 février 2023, lien vers l’article complet en bas de chronique) ? Que le méga succès planétaire Clint Eastwood de Gorillaz repose sur une simple boucle de préréglage sur un instrument de musique électronique. Enfin pas vraiment. C’est plus exactement la rythmique de base et sa coloration traînante si particulière qui sort tout droit d’un Omnichord Suzuki OM-300. Le reste du titre relève du talent de composition de Damon Albarn, leader de Blur, mais aussi créateur (avec Jamie Hewlett) et tête pensante de Gorillaz. Rappelons que ce groupe existe sans exister, puisqu’il est officiellement composé de musiciens virtuels et/ou de fiction. Seul Damon Albarn existe réellement. C’est justement lui qui, récemment invité dans le Zane Lowe Show (podcast diffusé sur Apple Music), a révélé le secret du riff rythmique de Clint Eastwood, single emblématique de Gorillaz, premier album du groupe. Je vous invite à visionner les premiers instants dudit podcast ci-dessous, pour comprendre en quelques secondes. Albarn explique nonchalamment “That’s it. That’s the preset. It’s the Rock 1 preset”, avant de presser un bouton de la machine devant lui. Aucun doute possible, c’est à la note près la base de Clint Eastwood.
et qui m’électrise toujours autant lorsque l’aléatoire de ma playlist Top Choucroute (mon paradis musical qui envoie du lourd comme la choucroute…#nosrégionsontdutalent) me l’offre. Le titre original Mia Mia est sorti sur le trois titres Take My Way en 2017 par le français Üm, un beau morceau chill sublimé par des choeurs d’enfants et des cordes en fond qui rajoutent ce supplément d’âme sur une rythmique funk savoureuse. Cependant, j’ai découvert l’original après ce remix extatique de Romulus qui insuffle un vent de folie épique au morceau. Il y a dans ce titre tout ce que j’aime dans la musique électronique au sens le plus large, dans sa capacité à nous raconter et nous emporter sans paroles. C’est une véritable terre de contrastes entre une rythmique électro/techno affirmée et ces cordes initiales qui prennent une véritable place centrale avec sa construction d’une grande intelligence qui réveille en moi cette foutue envie de laisser mon corps prendre le pouvoir sur mon dance-floor intérieur. Un bijou que Baudelaire aurait bien placé au rang des paradis artificiels avec le vin et l’opium, enjoy !
Five-Minutes 