Pépite intemporelle n°126 : Sure Shot (1994) des Beastie Boys

918TOjcOorL._SX355_ Après avoir écouté du 50 ans d’âge la semaine dernière, réduisons un peu la voilure pour revenir presque 30 ans en arrière. En 1994 plus précisément, pour nous replonger dans l’excellent Ill Communication des Beastie Boys. Pour leur quatrième album, Michael « Mike D » Diamond, feu Adam « MCA » Yauch et Adam « Ad-Rock » Horowitz mélangent hip-hop, punk rock et sonorités jazz. Ce mix aventureux pourrait tourner à la catastrophe. Entre les mains des Beastie Boys, l’ensemble constitue un des meilleurs albums du groupe. D’un titre à l’autre parmi les 20 qui constituent la galette, on navigue entre titres à chiller, ambiance plus vénère et flow hip-hop jazzy. C’est plutôt dans cette dernière case qu’on rangerait Sure Shot, titre inaugural de Ill Communication et pépite énergique et énergisante comme on n’en fait plus.

Exploitant au maximum le sample de Howlin’ for Judy du flûtiste de jazz américain Jeremy Steig, Sure Shot est un titre obsédant. Dans son rythme d’une part, qui se met en route et se tend sans jamais relâcher l’énergie durant ses 3 minutes 20. Dans son flow d’autre part, que se partagent les Beastie Boys, en semblant ne jamais respirer de la première à la dernière note. Les trois rappeurs se passent et repassent le micro dans un morceau qui sonne comme une profession de foi. Titre d’ouverture parfait pour un album, qui envoie sans délai toute l’énergie nécessaire pour se tarter immédiatement après les 19 autres compositions. Sure Shot fut mon titre de rencontre avec les Beastie Boys, et j’y reviens régulièrement. Dont aujourd’hui, avec partage ici-bas, ici même. Avec en prime le clip, qui fleure bon les années 1990.

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Review n°116 : Fishing for accidents (2023) de Wax Tailor

Cover-FishingForAccidents-3000_1b83cea1-d504-484d-a22c-2577457be02d_700x Deux ans après l’excellent et percutant The shadow of their suns (2021), Wax Tailor (aka Jean-Christophe Le Saoût) est de retour dans les bacs avec Fishing for accidents. Sorti le 10 février dernier, ce nouvel et septième opus parvient de nouveau à nous étonner. Tout en s’inscrivant dans la continuité des sons de son créateur, il renoue avec l’esprit des premiers albums, et notamment de Tales of the forgotten melodies (2005), pierre fondatrice de la carrière de Wax Tailor. Un disque qui n’a donc rien d’un accident, et qui apporte son lot d’énergie et d’émotions autant qu’il bouleverse. Au fil de ses 12 titres et de ses 38 minutes, le musicien nous embarque dans un voyage dont il a le secret, en mixant allègrement samples musicaux et vocaux, mais aussi en convoquant moult featurings comme pour toujours élargir un peu plus sa famille et ses horizons musicaux. Que trouve-t-on dans Fishing for accidents, et pourquoi faut-il absolument l’écouter ? Décryptage de l’objet et de ses pépites, sans attendre.

Tout commence par des présentations. Craftsman, premier titre de l’album, s’ouvre par un collage de deux samples vocaux : « I forgot to introduce myself / Tailor you remember me ? ». Comme si on avait oublié ce cher Wax Tailor, Craftsman parmi les craftsmen. Le Craftsman, c’est l’artisan, le bricoleur de génie. Celui qui transforme en beauté tout ce qu’il touche. Pas celui qui cloue trois planches en espérant économiser le prix d’un étagère Ikea, pas non plus celui qui sortirait un album tous les 6 mois depuis 9 ans en mode usine à sons. Non, Wax Tailor c’est plutôt l’artiste artisan qui, depuis 2005, habille et décore notre intérieur musical de ses créations. Craftsman nous le rappelle avec style et simplicité, sur un son qui pourrait accompagner une scène de Ghost Dog.

Vont ensuite s’enchainer trois types de morceaux, pour un voyage somme toute assez feutré : les sons très low-tempo hip-hop, les étrangetés freaks et les mélodies capiteuses.

Du côté du low-tempo hip-hop, on relèvera Searchin, Home, Just rock on, Let them know et No more magical. Soit une bonne partie de l’album. Chacun de ces 5 titres recèle sa petite touche individuelle. Home par exemple déroule une grosse et très présente ligne de basse sur laquelle se colle une ambiance distordue, tandis que Just rock on pose un groove plus tranquille pour chiller après plusieurs titres troublants. No more magical, quant à lui, sera le onzième et avant-dernier titre de l’album. Un low-tempo pour porter un flow diablement efficace tout juste interrompu par de langoureux « No more magical ». Wax Tailor fait ce qu’il a toujours su faire. Du hip-hop, qui se fait pourtant plus intimiste sur cet opus. On n’est plus sur les House of Wax (sur Hope & Sorrow en 2007), The sound (sur Dusty rainbow from the dark en 2012) ou même Keep it movin (sur The shadow of their suns en 2021). Ici le low-tempo hip-hop se fait moins groovy, plus déconstruit, mais terriblement captivant et troublant.

Le trouble, c’est précisément ce qu’apportent les titres que nous regrouperont sous la bannière étrangetés freaks. Font partie de ceux-là That good old tomorrow, Freaky circus, et Forbidden cabinet. Ces trois morceaux apportent une couleur très nouvelle dans le son Wax Tailor. That good old tomorrow sonne comme un pied de nez au sépia « C’était mieux avant », en étant plutôt un « C’était mieux demain » (le meilleur étant à venir, rappelons-le). Sur un rythme de valse lente, Wax Tailor brouille les époques et les pistes. Et si le meilleur moment, c’était maintenant ? Freaky circus nous emmène dans un cabinet des curiosités sonores, en mixant un flow efficace et des samples qui évoquent une BO de Tim Burton et un film joyeux de David Lynch (oui, j’ai bien dit ça). Quant à Forbidden cabinet, c’est une avalanche de samples vocaux parfaitement mixés sur une trame musicale toujours plus intrigante. Ces trois titres, respectivement en 3e, 6e et 7e position sur la galette, tombent à point nommé pour nous surprendre et nous emmener là où on ne pensait pas aller.

Précisément, là où ne pensait pas aller, c’est dans un troisième univers avec Come with me et Shaman in your arms. Placés tous deux en 4e position des faces A et B, ils se parlent l’un à l’autre. Victoria Bigelow dans le premier, Jennifer Charles (de Elysian Fields) dans le second : deux voix féminines, langoureuses, envoutantes et captivantes. Voilà bien deux titres qui font penser très fort à Twin Peaks et ses scènes capiteuses à souhait. Comme deux bulles respiratoires autant que séduisantes, l’un et l’autre offrent un moment en suspension. Une sorte de Red Room dans laquelle on se poserait et s’abandonnerait, avant de reprendre le voyage.

Un voyage qui, vous l’aurez compris, n’a rien d’un gros son mal dégrossi. Wax Tailor livre ici un album d’une richesse et d’une finesse assez bouleversantes. Une fois de plus, il brouille nos attentes et les frontières musicales en mélangeant avec grand talent du low-tempo hip-hop (sa marque de fabrique) et divers univers qui trouvent pourtant une cohérence évidente. A aucun moment on ne se demande ce qu’est ce melting-pot sonore. En revanche, à chaque seconde et chaque titre, on frissonne d’émotions et de plaisir face à cette intelligence artistique qui, une fois encore, me laisse admiratif et captivé. Comme à son habitude, Wax Tailor convoque une longue liste de featurings parfaitement choisis, selon le climat qu’il veut donner à chacune de ses compositions.

Fishing for accidents est un magnifique album, qui se clôt sur The final note. Une conclusion au voyage, construite sur quelques notes de pianos et une nappe de cordes traînante. Un peu comme s’il était tard dans la nuit, au fin fond d’un bar lynchien, et que nous avions rêvé les 38 minutes qui viennent de passer. L’album est pourtant bien là, avec de plus une pochette absolument somptueuse réalisée par Hanako Saïto, artiste japonaise qui a notamment collaboré avec Tarantino sur Kill Bill. Tourné autant vers ses prédécesseurs (à commencer par Tales of the forgotten melodies) que vers l’avenir et de nouvelles pistes musicales, Fishing for accidents est la très belle surprise de ce début 2023. Après un excellent The shadow of their suns puissant mais assez sombre, Wax Tailor démontre une nouvelle fois ses talents de Craftsman avec ce nouvel opus tout aussi excellent que ses albums précédents. Procurez vous d’urgence cette merveille si ce n’est déjà fait : voilà un sérieux prétendant au podium 2023.

(Visuel pochette par Hanako Saïto)

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Review n°112 : Transmissions (2022) de Transmission

Capture d’écran 2022-11-04 à 11.29.03 Pour qui a eu la chance de passer un moment au festival HopPopHop d’Orléans mi-septembre dernier, il y avait une performance à ne rater sous aucun prétexte : le collectif Transmission, pour une création originale. Nous avions entendu à peu près tout et son contraire avant d’entrer dans la dernière session des quatre programmées : « Sans doute le meilleur moment du festival » versus « C’est particulier, mais c’est intéressant » versus « Il y avait des gens dans la salle qui ont manifestement aimé ». On kille le suspense tout de suite : on a adoré Transmission, et c’est personnellement la meilleure prestation que j’ai vue et entendue durant ce weekend là. Une claque. Transmission est fait de plein de personnes et d’influences différentes. Autour de Johann Guillon et Benjamin Nérot tout droit sortis d’Ez3kiel, on y trouve d’autres artistes : James P Honey aka Dull Fame, Lionel Laquerrière, Félix Classen et Victor Neute. Autant de personnalités différentes qui unissent leur talent au sein de Transmission.

Et du talent dans Transmission, il y en a : dès les premiers sons, nous voilà plongés dans un monde qui se dessine note après note, mot après mot. Dans un savant mélange d’électro et de hip-hop, le sextet dessine un univers sonore nerveux et mélancolique plein de machineries, de bruits de ferrailles, mais aussi de nappes infra-basses et electro-ambient. Comme par exemple dans Mussolini mistress. Il en résulte la fantasmée bande son d’un film à la croisée de Blade Runner et de 8 mile. Transmission est cinématographique dans l’âme. Les premières minutes nous installent dans un univers cyberpunk, violent, dark, parfois cauchemardesque, mais toujours profondément humains par les deux voix qui interviennent tour à tour dans les compositions. A la voix grave et toujours incroyable de Benjamin Nérot répond celle de James P Honey qui déverse un flow généreux et imparable.

Au cœur de Transmission et du dispositif scénique, une cabine téléphonique 3.0. Relique d’un monde passé, l’objet sort tout droit de notre imaginaire post-apocalyptique. Tel un vestige d’un monde où la communication passait par le temps d’attente à la porte de ladite cabine, la patience, mais aussi l’essentiel : avec quelques pièces ou une carte téléphonique (les plus jeunes, ne me regardez pas avec des yeux effarés… oui, ceci a existé), il fallait synthétiser nos échanges, tout en profitant un maximum de ces quelques minutes. C’est quasiment la réussite méta, en plus de la claque sonore, de Transmission. Comme des personnages échoués d’un Fallout ou d’un Death Stranding, les musiciens du groupe entrent tour à tour dans la cabine pour des Calls, qui servent d’intermèdes entre les morceaux comme autant de tentatives de remettre en lien un monde fragmenté. Plus encore, le collectif recrée un lien communicationnel en faisant de cette prestation d’une heure un vrai moment de partage entre la scène et le public. Autre signe qui ne trompe pas : l’espace scénique est central, le public en cercle autour. Reconstituer du tissu social et humain par l’art, c’est bien l’éclatante réussite de Transmission.

Si l’on en parle aujourd’hui, c’est à la faveur de la réécoute du disque Transmissions (sorti le 19 août dernier), ou l’occasion de replonger dans cette création assez incroyable portée par les festivals HopPopHop (Orléans) et Les Rockomotives (Vendôme), sous l’égide de l’association Figures Libres. Disponible chez Figures Libres Records/L’Autre Distribution, le double LP est disponible accompagné de la version CD. Tout ceci pour la modique somme d’une vingtaine d’euros : ne passez pas à côté d’un des albums les plus percutants et enchanteurs de cette année 2022. L’occasion de (re)découvrir des titres assez incroyables tels que Jane Austen (et le flow de Dull Fame qui tabasse), The ebb and the flow (peut-on mettre de la cornemuse dans de l’électro hip-hop et que ça soit génial ? Oui), ou encore Diana folded in half (le cauchemar cyberpunk incarné).

L’album est aussi disponible sur Bandcamp en version numérique, mais faites vous plaisir et soutenez la création artistique : offrez vous ce génial album en physique comme on dit, vous ne regretterez pas le voyage. Et vous bouclerez ainsi la boucle meta en remettant un peu de matérialité dans ce monde parfois trop virtuel et humainement désincarné. Merci Transmission et Figures libres pour tout ça.

L’album en LP + CD est disponible sur le site de Figures Libres Records : https://figureslibresrecords.fr/transmission-2-x-lp-cd/

Le visuel pochette est tiré de la page Bandcamp de Figures Libres, où vous pouvez trouver l’album en numérique, mais aussi l’acheter en version physique : https://figureslibresrecords.bandcamp.com/album/transmission-transmissions

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Pépite intemporelle n°107 : Say yes (2009) de Wax Tailor feat. ASM

51gHjSK0AGL Quand, à quelques minutes de rédiger et publier sa chronique hebdomadaire, on n’a eu le temps de rien et pas de nouveauté particulière en tête, il faut se mettre un petit coup de pied au cul pour trouver une idée. Qui ne tarde pas à arriver, en allant vous chercher un son qui tabasse toujours autant près de 15 ans après sa sortie. Introduction meta, pour amener la pépite intemporelle du jour que l’on doit à Wax Tailor. Compositeur, DJ, producteur français, le garçon a toute notre attention chez Five-Minutes, et ce depuis son tout premier opus Tales of the forgotten melodies sorti en 2005. Rien à jeter depuis. Les albums se succèdent et se ressemblent, tout en cultivant chacun une couleur musicale différente. In the mood for life est son troisième album studio et tombe dans les bacs en septembre 2009. C’est toutefois dès l’été 2009 que Wax Tailor donne un premier aperçu de cette galette réjouissante, avec le single Say yes.

Exemple typique du groove hip-hop waxtailorien, Say yes est une vraie petite bombe qui fera bouger vos têtes et vos corps. Le son est intelligent, fluide, riche, accessible sans être jamais simpliste. Sur la globalité de In the mood for life, Wax Tailor explore différentes pistes, entre chansons portées notamment par la géniale Charlotte Savary, mixs downtempo, et hip-hop groovy mâtiné de trip-hop. Say yes appartiendrait plutôt à la troisième catégorie, mais le talent du garçon réside dans sa capacité à mélanger les genres, brouiller les frontières et abolir les distinctions. Tout cela pour aboutir à un son qui n’appartient qu’à lui, et dont on ne se lasse jamais.

Petite cerise : Say yes est partagé avec ASM. Rien à voir avec l’ASM Clermont Auvergne, pas plus qu’avec la SM (je vous vois du coin de l’œil). Génial collectif de hip-hop britannique regroupant des artistes canadiens, allemands et anglais, ASM aka A State of Mind a collaboré plusieurs fois avec Wax Tailor. Say yes est un parfait exemple de l’alchimie entre les deux. Assez parlé, il est grand temps de découvrir cette pépite. Comme on est généreux par ici, en bonus, on s’écoute aussi Positively inclined, autre collaboration Wax Tailor/ASM, disponible sur l’album précédent Hope and Sorrow (2007).

Raf Against The Machine

Pépite intemporelle n°106: Gangsta’s Paradise de Coolio feat. L.V. (1995)

Il y a deux jours Coolio nous quittait et allait rejoindre là-haut une autre figure marquante du Coolio Gangsta's Paradise hip-hop des années 90, 2Pac. Le hip-hop n’est pas particulièrement mon domaine de prédilection mais c’est une figure marquante de mon adolescence qui s’en va… Certes, à la fin des années 90, j’écoutais davantage en boucle L’Ecole du micro d’argent d’IAM mais l’album Gangsta’s Paradise m’a néanmoins régulièrement accompagné, illuminé par son morceau éponyme.

A moins de vivre dans une grotte isolée au milieu de la forêt, tout le monde a déjà entendu ce bijou qu’est Gangsta’s Paradise, morceau culte qui était le titre phare de la BO du film Esprits rebelles -film très romancé autour de l’éducation aux Etats-Unis, sublimé par la magnifique Michelle Pfeiffer. Reprise du Pastime Paradise de Stevie Wonder sorti en 1976, le morceau aborde la vie des gangs et s’appuie sur un duo de flows percutants, Coolio et L.V. L’instru, les choeurs et le refrain donnent un supplément d’âme à ce titre d’une grande beauté qui s’impose pour moi comme un des titres marquants des années 90. Je vous laisse avec le clip officiel et la superbe prestation live aux Grammy Awards, magnifiée par la participation de Stevie Wonder. Enjoy !

Sylphe

Son estival du jour n°77 : Lose yourself (2002) de Eminem

R-4407037-1567219126-9335 Se réveiller avec dans la tête un son énorme, qui ne quitte jamais ton esprit. Lose yourself, chanson composée et interprétée par Eminem, fait partie de ce qu’on fait de mieux dans le genre. Sorti en 2002, le titre est tiré de la BO du film 8 Mile. Le long métrage, réalisé par Curtis Hanson, retrace la vie et les débuts de Jimmy « B-Rabbit » Smith Jr. : employé dans une usine automobile à Detroit, le garçon est surtout passionné par la musique et le rap, tout en étant empêtré dans une existence assez pénible et un manque de confiance. Film en partie biographique autour de Mashall Bruce Matters III aka Eminem qui interprète B-Rabbit, c’est une vraie réussite narrative et de réalisation, qui alterne moments d’introspection et battles rap. La BO n’est d’ailleurs pas pour rien dans le succès de 8 Mile.

Faite à la fois de titres rap des années 90 et de compositions originales d’Eminem, on y retrouve des pointures comme le Wu-Tang Clan ou The Notorious B.I.G., et du Eminem pur jus. A commencer par Lose Yourself et son très haut pouvoir énergétique et émotionnel. Le titre condense en quelques minutes les doutes, les espoirs, les craintes, les rêves d’un garçon qui bouillonne de rage intérieure de s’accomplir et d’être pleinement lui-même. Saisir la chance qui se présente en se lâchant totalement, c’est le sens du Lose yourself (Laisse toi emporter), explicité dans le refrain : « You better lose yourself in the music, the moment / You own it, you better never let it go ». Eminem suit le précepte et y met tout son cœur et son énergie. Lose yourself n’est sans doute pas le titre où il déploie au maximum son légendaire flow (qui fait toujours pâlir le copain Sylphe), mais c’est assurément un de ses titres les plus ravageurs et explosifs.

On écoutera donc la version originale (accompagnée d’images du film), avant de passer 18 ans plus tard au même Eminem qui réinterprète Lose yourself lors des Oscars 2020, dans une version un poil plus rock. L’énergie est la même, voire plus intense. La salle est on fire. Le game est plié direct. Le patron est sur scène.

Raf Against The Machine

Pépite du moment n°112 : May the funk be with you (2022) de Ezra Collective

artworks-utmkk3aTViij-0-t500x500 Internet, les réseaux sociaux et Twitter peuvent être le déversoir d’une immonde bêtise et de moult stupidités. Néanmoins, si l’on prend le temps de trier et de bien chercher, c’est aussi l’endroit où l’on peut croiser des gens très bien, des personnes normalement constituées qui proposent des contenus au minimum intéressants, quand ils ne sont pas passionnants. Des lectures, des films, des jeux, ou encore des sons, dont celui d’aujourd’hui découvert au détour d’une passionnante discussion virtuelle. May the funk be with you est le dernier titre en date de Ezra Collective. Ce quintet londonien officie depuis maintenant quelques années dans le domaine du jazz, et se donne régulièrement en live (ils seront d’ailleurs au Hasard Ludique à Paris demain 25 mars, mais ne cherchez pas de place, c’est complet). Constitué autour de Femi Koleoso à la batterie, il regroupe TJ Koleoso à la basse, Joe Armon-Jones aux claviers, Ife Ogunjobi à la trompette et James Mollison au sax ténor. Un quintet tout ce qu’il y a de plus classique dans sa composition, mais qui a le bon goût de mélanger allègrement les genres. Loin de se cantonner à un jazz standard, Ezra Collective envoie une dose d’afro-beat, une louche de hip-hop, une pincée de soul et de musique latines et une cuillerée de funk pour des sons qui groovent et balancent bien comme il faut.

Ezra Collective brille ainsi sur ce que l’on appelle la nouvelle scène jazz britannique, mais il ne s’agit là que de mots et de tiroirs pour tenter de ranger et de classer les choses. Or, la musique n’est jamais plus belle que lorsqu’elle s’affranchit des catégories, dépasse les styles pour mieux les mixer et se réinventer, à l’instar de ce que peut proposer A State of Mind, formation très efficace dont on pourrait parler des heures. Le groupe de Femi Koleoso n’invente rien en soi, mais les ingrédients et influences sont subtilement dosés pour obtenir une musique qui fonctionne. En fin de compte, est-ce du jazz, du funk, de la soul ? J’avoue que je n’en ai vraiment rien à faire. Toute cela n’a aucune espèce d’importance, tant que j’ai dans les oreilles de la musique qui me fait de l’effet. Et ce May the funk be with you joue parfaitement son rôle sur moi. Doté d’un titre dont la référence StarWarsienne ne peut pas m’échapper, ce son fonctionne dès les premières secondes. Que le groupe soit bâti autour de sa section rythmique ne fait aucun doute, tant le groove est présent d’entrée de jeu, confirmé par l’arrivée trompette/sax à la 20e seconde. Exposition du thème, avant de passer au chorus de trompette, pour retomber sur le thème principal. Structure jazz pur jus, mais interprétation sincère et chaleureuse qui fonctionne toujours.

May the funk be with you est un savoureux bonbon jazzy qui se déguste sans réserve, et qui est une chouette porte d’entrée aux deux albums d’Ezra Collective Juan Pablo: The Philosopher (2017) et You can’t steal my joy (2019), que je découvre à peine mais que je vous conseille déjà fortement. May the funk be with you est le son smooth et sucré dont on a besoin par ces temps troubles et incertains. Entre un conflit mondial larvé, une planète au bord de l’asphyxie, et quelques autres joyeusetés sinistres, on peut se laisser complètement submerger et sombrer. On peut aussi chercher de la lumière, de l’énergie, du cœur, de l’apaisement et de la vie qui palpite. Suis-je en train de finir l’écriture de cette chronique au soleil en terrasse, avec un grand café fumant et une poignée de M&M’s ? Vous n’avez aucune preuve.

Rendons à César… Evidemment, un grand merci à toi avec qui j’ai discuté musique autour notamment d’Archive, Pink Floyd ou encore John Coltrane (trio de maîtres), et qui m’a fait découvrir Ezra Collective et quelques autres chouettes sons. Tu te reconnaitras aisément. Cette chronique est, de fait, un peu la tienne.

Raf Against The Machine

Pépite intemporelle n°83 : La rage (2006) de Keny Arkana

Retour aux affaires et à la publication de milieu de semaine, histoire de sortir d’un infernal tunnel boulot de septembre (ah, comment donc, on me dit dans l’oreillette qu’on serait déjà en octobre ? Ok, si vous le dites…) avec un son qui sent le souffre, le feu, la colère, mais aussi la lumière et l’espoir. La rage est un titre de 4 minutes seulement mais d’une puissance assez incroyable. Pour qui aime des furieux rageux comme Rage against the machine ou No one is innocent, ce titre est à ajouter à vos playlists. Niché en plein milieu d’Entre ciment et belle étoile, premier album de Keny Arkana, La rage est un brûlot intemporel : 15 ans déjà, et cruellement actuel. Son texte et son adrénaline nous chopent et nous guident sans prévenir. Le mélange d’un méga ras-le-bol de ce monde qui chie dans tous les sens, mais aussi le courage et l’énergie d’arrêter de se taire, et d’aller vers le meilleur, qui reste à venir. Ce titre ne pouvait donc pas trouver meilleure place que dans un album titré Entre ciment et belle étoile. Une quasi-profession de foi de Keny Arkana, et un titre que le copain Sylphe a mis dans mes oreilles voici quelques temps. Merci à toi mon ami.

Raf Against The Machine

Five reasons n°31 : Prose combat (1994) de MC Solaar

prosecombat Juillet 2021 et l’été avaient vu la réédition très attendue de Qui sème le vent récolte le tempo (1991), premier album de MC Solaar. Septembre 2021 et l’automne sont désormais le temps de Prose combat, deuxième album du même MC Solaar. Rappelons que, pour de maudites histoires de droits entre l’artiste et sa maison de disque, ces deux opus étaient indisponibles à la vente ou l’écoute en streaming depuis 20 longues années. La situation s’étant décantée, on a pu profiter voici quelques mois de la réédition de Qui sème le vent, notamment en support vinyle de belle facture sonore. Aujourd’hui (ou plutôt demain 24 septembre chez tous les bons disquaires) Prose combat suit le même chemin. L’occasion de retrouver cet album majeur du rap français, et disons même de la musique tout simplement. Explications en 5 raisons chrono.

Prose combat enfonce le clou du premier album, et sera tout simplement l’album de la consécration pour MC Solaar. Qui sème le vent récolte le tempo est un primo-album avec ce que cela comporte de fraîcheur, de naïveté et de spontanéité. Album pourtant très maîtrisé qui joue sur le mix hip-hop/acid jazz, il est à mon goût largement surpassé par la puissance de Prose combat. Comme si Solaar avait laissé fermenter pendant 3 ans sa galette séminale pour laisser exploser son talent d’écriture, son flow, et sa complicité avec Jimmy Jay, Boom Bass et Zdar.
Prose combat se pose comme un album plus mature, mais aussi plus sombre, tant dans ses compositions que dans les textes et thématiques. Il suffit d’écouter La concubine de l’hémoglobine, Dieu ait son âme ou La fin justifie les moyens pour prendre conscience de la profondeur et, bien souvent, de l’actualité des mots de Solaar. Rien que le titre de l’album annonce la couleur. Des mots qui percutent, du texte qui bataille et porte des messages. La mort, la religion, le sens de la vie, le temps qui passe, la célébrité : il y a tout ça, et bien plus, dans Prose combat.
La puissance de cet album est en effet dans le savant mélange entre ces moments plus graves et d’autres plus légers qui explosent de toute leur lumière. Tout le talent de Solaar est de ne pas juxtaposer titres lumineux et titres plus dark, mais de mélanger tout cela au fil des 55 minutes de son. Obsolète, sous des airs de ritournelle humoristique, cache des questionnements sur les rapports humaines. L’NMIACCd’HTCK72KPDP (à lire à haute voix) regroupe du beau monde comme Ménélik, Soon-e mc et les Sages poètes de la rue pour un titre collectif et festif.
Musicalement, Prose combat est une folie de tous les instants. Les samples, boucles, scratches et autres ingrédients hip-hop sont ici maniés avec un brio rarement retrouvé depuis, que ce soit chez Solaar ou dans le rap français en général. Un exemple ? A dix de mes disciples, une sorte de furieux titre sans aucune respiration, construit comme une avalanche de sons portés par une ligne de basse entêtante. Et, puisqu’on parle de samples sur Prose combat…
… comment ne pas parler de Nouveau western et de son sample hypnotique ? C’est presque tarte à la crème, tant ce morceau a été entendu et ré-entendu, tant il a fonctionné et marqué nos oreilles. Pourtant, renversons le propos : si Nouveau western est aussi marquant, c’est lié à sa perfection. Et à son sample d’ouverture, qui reprend l’intro de Bonnie & Clyde de Gainsbourg. Ecoutez bien : parfois le sample originel s’efface, pour mieux réapparaître en claquant dans l’air, en lien avec un texte parfait. Chaque mot percute, chaque ligne est une référence (voire plusieurs). L’ensemble compose un titre intemporel qui, à lui seul, justifie Prose combat.

Vous ne pouvez pas aimer le hip-hop et vous passer de Prose combat. Vous ne pouvez pas aimer la chanson française et faire l’impasse sur Prose combat. Vous ne pouvez pas aimer la musique et zapper Prose combat. Prose combat est incontournable et se doit d’être dans votre discothèque. Et comme la réédition vinyle est excellente, filez claquer 25 et quelques balles dès demain. Incontournable et magistral.

Même le clip de Nouveau western est une folie absolue

Raf Against The Machine

Son estival du jour n°32 : Qui sème le vent récolte le tempo (1991) de MC Solaar

mc-solaar-qui-seme-le-vent-recolte-le-tempo Même si la météo nous raconte tout le contraire, l’été est là et bien là. On est dedans et, comme annoncé, Five Minutes bascule en mode « Son estival du jour ». Toujours autant de musique, moins de bla-bla, pour (re)découvrir les sons qui accompagnent notre été. Le son estival du jour sera un album complet, qui s’apprête à fêter ses 30 années d’existence. Qui sème le vent récolte le tempo de MC Solaar sort en effet en octobre 1991. Néanmoins, pendant plus de 20 ans (2000-2021), la galette sera indisponible à la vente pour des questions de droits. Ce litige récemment réglé (que ce soit du côté des droits comme des bandes, aujourd’hui de nouveau entre les mains de Solaar), l’album a été réédité (CD, vinyle et streaming) au début de ce mois de juillet 2021. Une excellente occasion de se replonger dans ce génial album, ou tout simplement de le découvrir.

Qui sème le vent récolte le tempo contient Bouge de là, que l’on a coutume de considérer comme le premier grand tube du hip-hop français. Cependant, réduire l’album à ce single reviendrait à passer à côté d’un ensemble percutant, intelligent et terriblement efficace. Outre les autres singles Caroline, Victime de la mode et Qui sème le vente récolte le tempo, on retrouve aussi dans d’autres titres moins connus tout ce qui constitue la Solaar touch : des samples puissants, des textes finement ciselés, un flow inimitable, et une énergie sublimée par les producteurs Jimmy Jay et Boom Bass (aka Hubert Blanc-Francard, future moitié de Cassius). Matière grasse contre matière grise, Armand est mort ou encore La devise sont autant de pépites incontournables, mais aussi de souvenirs et de moments vieux de 30 ans.

Relancer Qui sème le vent récolte le tempo, c’est retrouver les origines de ce qui donnera, 3 ans plus tard, l’excellent Prose combat. Ces deux albums restant, à mon goût, les meilleurs de MC Solaar. Relancer ce premier album, c’est aussi prendre conscience de l’avance, voire de l’avant-gardisme, de cet artiste : le son est parfait et n’a pas vieilli, pas plus que les textes qui sont toujours d’une actualité criante. Relancer ce disque, c’est enfin regarder de 30 années dans le rétroviseur. Se rappeler où l’on était et ce que l’on faisait lorsque cet ovni musical a débarqué. Se souvenir aussi de qui l’on était. Ce jeune garçon que j’étais, cette jeune fille que tu étais. Que nous ne sommes plus. Les nous d’il y a 30 ans ont disparu. Plus exactement, ils se sont dissous dans nous-mêmes et nos expériences de vie, pour contribuer à ce que nous sommes devenus aujourd’hui. Voilà aussi pourquoi réécouter Qui sème le vent récolte le tempo, c’est être pleinement dans le temps actuel, tout en mesurant le chemin parcouru.

Raf Against The Machine