Review n°19: ROADS Vol.1 de Thylacine (2019)

Trois EP en 2014/15, un premier album Transsiberian composé lors d’un périple en thylacineRussie et deux BO de films en 2017 pour De toutes mes forces et Gaspard va au mariage, pour autant je dois reconnaître que je n’ai jamais rien écouté de William Rezé alias Thylacine, autre nom du loup de Tasmanie, au moment où je lance ce ROADS Vol.1. J’ai simplement en tête les conditions idylliques de composition de cet album où Thylacine a arpenté les routes de l’Argentine à bord de son Airstream de 1972 réaménagé en studio alimenté par des panneaux solaires (#studiodemesrêves).

Murga ouvre brillamment l’album avec ses percus et sa guitare judicieuse. Les sons nous enveloppent, la rythmique est addictive et il se dégage incontestablement de ce titre une luminosité et une humanité qui seront les marques de fabrique de cet opus, dans la droite lignée de la superbe pochette mettant en valeur les espaces sauvages sous une lumière virginale. Purmamarca ralentit le tempo avec son début plus contemplatif à la Boards of Canada auquel vient se joindre une voix intemporelle rappelant les premiers Moby. La guitare entre en jeu et réveille les paysages argentins pour un sublime tableau en mouvement. El Alba, avec Weste en featuring, nous offre alors une belle plage de douceur qui réhabilite à mes yeux le saxophone qui n’a jamais été mon instrument de prédilection. Le morceau est d’une simplicité et d’une grâce désarmantes…

Petit clin d’oeil rappelant les conditions de création de ce ROADS Vol. 1 avec la voix d’un GPS sur le début de The Road qui se montre plus techno dans son approche. Une techno subtile laissant la part belle à une large palette de sons légers pour un résultat hypnotique. Volver reste dans la même atmosphère en apportant un saxophone brillant qui m’évoque le premier album d’Aufgang dans cette volonté de confronter techno et musique classique. Le résultat est d’une grande douceur, le maître mot de l’album… Mais que dire de 4500m après ce dyptique techno? Le rappeur américain Mr J. Medeiros pose son flow acéré sur un océan de douceur pour un morceau d’anthologie. Le flow gagne en intensité et rappelle par sa rythmique insensée Eminem, la montée est imparable et me file des frissons. #pluslesmotspourdecrireça

Condor nous aide à atterrir rapidement avec une techno plus âpre et dansante à laquelle le refrain apporte une étrange note de douceur pop avant que Sal y Tierra continue avec brio son ardue mission de réhabilitation du saxophone. Les deux derniers morceaux viennent nous donner une leçon d’humilité et d’humanité: Santa Barbara, en featuring avec la voix de cristal de Julia Minkin, nous cajole et nous offre une belle montée tout en intensité à la Woodkid et la douceur enfantine de 30(Outro) nous offre un joli moment de poésie lorsque William Rezé tente de faire prononcer trente à une vieille femme… Ou comment finir modestement un album sublime dont la première écoute m’a profondément marqué, à l’instar de ma première écoute de Swim de Caribou. Le garçon cite comme références Four Tet, Massive Attack, Moderat, nous étions définitivement prédestinés à nous rencontrer. Allez je vous laisse, j’ai un ROADS Vol. 1 à réécouter! On a beau être simplement fin janvier, je peux prendre le pari avec vous que je reparlerai de Thylacine dans les tops de fin d’année et qu’il sera bien difficile de le déloger de la première place…

Sylphe

Review n°18: First Bloom de Saint Mela (2018)

First review en 2019 avec l’album First Bloom, la logique est imparable… Aujourd’hui je saint melavous propose de faire connaissance avec un quartet issu de New York, Saint Mela, qui a sorti son premier opus fin 2018. Ce groupe possède en son sein un joyau en la personne de la chanteuse Wolf Weston, créature hybride sachant se faire douce comme Macy Gray ou plus engagée avec un flow rappelant Selah Sue. L’album sait subtilement croiser les influences pour un résultat aux confluents du rnb et du hip-hop avec des nuances de trip-hop et de soul. (# overdosedestyles)

Après les 37 secondes d’ouverture de Widen, (Root)less vient d’emblée poser les bases du groupe. Le titre est porté par une instrumentation tout en sobriété pour permettre au flow de Wolf Weston de se développer en toute liberté, la voix est chaude, groovy et surtout empreinte d’une douceur rassurante. Presque l’impression d’une nouvelle collaboration de TrickyBare et ses drums imposants vient alors distiller un vent chaud de rock pour un résultat épatant que ne renierait pas Beth Ditto. La rythmique fonctionne parfaitement, tout en gardant une forme d’introspection judicieuse. Les synthés de The Bends apportent une distorsion séduisante qu’on retrouvera dans le sommet Blk tout en tensions. Les drums  amènent une rythmique martiale qui se marie parfaitement avec les guitares et le chant plus affirmé et volontiers guerrier. Un refrain qui hérisse les poils…

Globalement la deuxième partie de l’album nous embarque dans deux directions pas si opposées. Des morceaux d’une grande douceur comme la première moitié de Sway ou le brillantissime Will It Come? qui te désarmerait la première brute venue mais aussi des titres plus engagés où le flow de Wolf Weston sent bon la sueur et le stupre avec Jericho et Buckley. Le titre éponyme démontre quant à lui les possibilités illimitées du groupe qui sait jouer avec les codes du hip-hop.

Voilà en tout cas un bien bel album qui brille par son énergie communicative et j’ai hâte de recueillir les prochaines fleurs pour créer le bouquet Saint Mela, subtil mélange de parfums doux et intenses.

Sylphe

Review n°17: Séquence collective de Cabaret contemporain (2018)

Cabaret contemporain ou le défi de jouer de la techno de manière acoustique en oubliant Cabaret contemporainles machines… Signés sur le label d’Arnaud Rebotini, Blackstrobe Records, les cinq compères (Fabrizio Rat au clavier, Giani Caseroto à la guitare, Julien Loutelier à la batterie, Ronan Courty et Simon Drappier aux contrebasses) font souffler un vent frais sur les complexes industriels désaffectés de Détroit pour réveiller Jeff Mills et consorts. Une musique âpre et brillamment produite qui démontre que la techno a bien, elle aussi, sa place sur Five-Minutes.

On ne va pas se mentir, la techno est un style musical aussi séduisant qu’exigeant et j’ai de plus en plus de mal à écouter des albums ou des sets en entier… (#jevieillisetjeposeplusmespiedsenclub) Cet album se pose donc comme une belle exception tant je trouve la démarche artistique louable. Petit tour d’horizon de ces 8 titres taillés dans la pierre brute.

Les 7 minutes du morceau d’ouverture Ballaro ne laissent pas la place au doute. Sonorités sombres et urbaines, ryhmiques lancinantes des contrebasses, superposition des couches sonores, le titre est un subtil hommage à la techno de Jeff Mills et une vraie pépite de haut vol. Transistor reste dans cette même veine tout en se montrant encore plus âpre et plus anxyogène. Plus dépouillé et privilégiant moins une ligne mélodique évidente, ce titre ne trouve pas véritablement grâce à mes yeux… ce qui n’est pas du tout le cas de La selva qui me rappelle les premiers morceaux de Vitalic. Le climat est inquiétant et la rythmique dub particulièrement entêtante pour un résultat brillant et hypnotique. Arrive alors mon sommet de l’album, La chambre claire, plus downtempo et volontiers groovy avec ses contrebasses. La mélodie est plus douce et l’ambiance plus lumineuse, ce morceau est d’une richesse évidente et s’impose comme un de mes titres préférés de l’année.

Arnaud Rebotini collabore ensuite sur le morceau Boogaloo, la voix caverneuse et les synthés délivrant une mélodie répétitive donnent l’impression que Faithless est sorti de la naphtaline. Ce morceau un brin suranné amène le minimaliste Cactus qui, par son âpreté et ses bruits qui hérissent le poil, représente la froideur de la techno qui me séduit peu. Heureusement la rythmique uptempo de TGV va vite me faire oublier ce Cactus avec ses envies de trance qui me rappellent le très bon Manual For Successful Rioting de Birdy Nam Nam. De nouveau Arnaud Rebotini collabore sur le morceau final October Glider, subtile montée en puissance portée par des sirènes angoissantes où l’explosion finale réveille le démon de la danse hypnotique en moi.

Cabaret contemporain réussit donc le tour de force avec ce Séquence collective de revitaliser brillamment la techno.

Sylphe

Review n°16: From Gas to Solid / You Are My Friend de Soap&Skin (2018)

Un piano, des ambiances sombres, une artiste torturée, voilà les premières expressions Soap&Skinqui me viennent à l’esprit lorsque j’évoque l’autrichienne Anja Franziska Plaschg alias Soap&Skin. Il faut dire que les deux premiers albums Lovetune for Vacuum en 2009 et Narrow en 2012 marqué par le décès de son père  s’apparentent à une éclipse totale à peine illuminée par la  grâce touchante de l’artiste. Si vous commencez à me connaître, vous vous doutez que la musique exutoire d’un mal-être existentialiste possède souvent les armes pour me toucher…

Je retrouve donc avec une impatience fébrilement dissimulée Soap&Skin pour ce troisième opus qui aura su se faire attendre, From Gas to Solid/ You Are My Friend. Un titre assez obscur, une pochette particulièrement réussie avec cette vue aérienne et ce paysage surréaliste qui tranche littéralement avec les deux précédentes où Anja se mettait sobrement en scène. Premier signe d’une évolution radicale? La réponse dans moins de cinq minutes…

L’ouverture This Day nous ramène d’emblée vers des contrées familières. Un certain dépouillement à prime abord avec la voix toujours aussi touchante d’Anja qui se marie parfaitement à son instrument de prédilection, le piano… les violons s’installant au fur et à mesure pour accentuer la mélancolie du titre. Ce tableau se dessine avec une grâce et une pudeur incommensurables tellement séduisantes… Athom nous aide à quitter ces régions éthérées pour aborder un son plus organique. L’ambiance instrumentale est plus riche et tout en contrastes, les percussions répondant au piano et aux violons qui prennent un plaisir sadique à venir nous cueillir sur la deuxième partie du morceau. La recette est un brin classique mais imparable. Italy, créé initialement pour la BO de Sicilian Ghost Story, s’impose alors comme un premier tournant de l’album. Des paroles obsédantes qui tournent en boucles et des cuivres omniprésents qui me rappellent le Gulag Orkestar de Beirut apportent un souffle épique au morceau. Morceau paradoxal pour moi, car je peux le trouver tout aussi séduisant que trop facile par cette litanie obsédante.

Les choeurs inquiétants de (This is) Water viennent alors brutalement mettre fin à la légèreté presque pop d’Italy, Soap&Skin n’a pas vendu son âme au diable de la pop et ce n’est pas le sommet de l’album Surrounded qui me contredira. Ce morceau est à mon sens un bijou d’orchestration où les couches de sons se superposent avec une rigueur de métronome d’où jaillit la voix d’Anja. L’impression que Woodkid aurait décidé d’orchestrer un morceau de Fever Ray… juste brillant. Le doux piano de Creep vient nous rassurer avant le titre plus baroque Heal qui permet de souligner la puissance plus directe du chant, un peu dans une démarche similaire à Jeanne Added dans son deuxième album. A noter la douceur enfantine et ingénue de ce « I have no fear » final prononcée par la fille même d’Anja.

Après un Foot Chamber très (trop?) classique, l’album finit très fort. Safe With Me souligne l’évolution d’Anja à maîtriser ses démons avec ce piano presque virevoltant qui donne une belle luminosité au titre. Falling est brillant et instaure un climat plus anxyogène avec ses orgues et ses sonorités électroniques à la Caribou, telle une complainte dystopique. Cette vaste odyssée électronique montre la capacité à créer des fresques sonores en se passant d’une voix pourtant au centre même du succès de Soap&Skin. Au passage je suis curieux de connaître vos interprétations des quelques secondes finales où nous entendons la mélodie presque discordante d’un jouet pour enfant, de mon côté euhhh je ne vois pas… Petit clin d’oeil pour sa fille? (# interpretationpourrie). Palindrome reste dans cette volonté d’instaurer une ambiance plus sombre avec ses choeurs tout droit sortis d’un couvent abandonné le soir d’une pleine lune, petite allusion au courant de la pop gothique à laquelle on s’est plu à rattacher Soap&Skin au début de sa carrière. Finir sur ce titre aurait été surprenant pour un album qui, dans l’ensemble, a gagné en luminosité. Anja, qui avait déjà repris Voyage, voyage de Desireless dans Narrow, imprime un sourire de béatitude sur notre visage en reprenant avec finesse et délicatesse What a Wonderful World de Louis Armstrong. Voilà un titre qui finalement résume tellement bien cet album qui aurait sa place dans la hotte du père Noël pour n’importe quel mélomane.

Sylphe

Review n°15: Darkly de Long Arm (2018)

Je vous avais déjà parlé du superbe titre For People With Broken Hearts (voir ici ) et Long Armfinalement je vais suivre le précepte d’Oscar Wilde et ne pas résister à la tentation de vous parler de l’album Darkly, troisième opus après The Branches en 2011 et Kellion/The Stories Of A Young Boy de Georgy Kotunov alias Long Arm.

Ecouter ce Darkly c’est accepter de partir pour plus d’une heure dans un voyage onirique où l’on rencontrera des créatures inquiétantes mais aussi des paysages magnifiques. C’est accepter de frissonner de plaisir et d’anxiété, c’est accepter d’être destabilisé par un artiste capable d’évoquer Amon Tobin, Boards of Canada, Yann Tiersen ou encore Fumuj (#namedropping). Je ne vous cache pas que la densité des propositions musicales de cet album n’est pas particulièrement facile à retranscrire mais je vais tenter modestement de relever le défi de vous donner une image, forcément partiale et imparfaite, de ce Darkly.

La pochette de l’album met d’emblée plutôt mal à l’aise avec ce corps nu recroquevillé, un sentiment d’oppression et d’enfermement s’installe et ce n’est pas le Prologue de moins d’une minute qui va nous rassurer. Synthés angoissants, word spoken porté par une voix tout droit sortie des cavernes et rappelant Maxi Jazz de Faithless, cette ouverture est volontiers anxyogène. Cette impression perdure avec le début plutôt âpre et bruitiste de For People With Broken Hearts jusqu’à l’émergence de ce premier rayon de soleil qu’est la ritournelle fragile de « clochettes » . Les violons apportent alors une douce mélancolie au morceau, le paysage sonore se construit subtilement et démontre la richesse instrumentale qui va animer ce Darkly. A peine les résurgences évidentes de Boards of Canada éteintes, I Walk, I Fly fonctionne comme un interlude d’une grande douceur portée par l’instrument de prédilection de Long Arm, le piano. Comme souvent dans l’album, l’aspect enjoué et primesautier du piano m’évoque les BO de Miyazaki et prouve la puissance cinématographique évidente de cet opus.

Air s’impose ensuite comme un nouveau sommet de l’album dans la droite lignée de For People With Broken Hearts. On retrouve tous les ingrédients, cette mélodie douce entêtante, les percussions et les violons, comme si Fumuj venait de signer sur le label Warp. La douceur éthérée de I Can’t Wait et son piano gracile nous permettent à peine de nous remettre de ce superbe Air que les 9 minutes du bijou de suavité Sleepy Bird nous mettent définitivement à terre. Les violons sont juste sublimes et j’aime la rythmique plus affirmée qui porte le morceau.

Le programme est d’une densité incroyable et ce n’est pas Utopia qui va me détromper. Ce morceau instrumental  lorgne vers une orchestration plus baroque et plus dépouillée que je verrais particulièrement bien accompagner un titre de Get Well Soon. Long Arm aime définitivement nous faire ressentir des sensations contraires et se joue de son auditeur avec délectation. Ainsi Lullaby et ses 8 minutes commencent tout en douceur avec ces notes de piano tombant comme des larmes pour voir peu à peu l’atmosphère se durcir par le biais des synthés angoissants qui prennent subrepticement le pouvoir dans le morceau.

On me fait signe dans l’oreillette que je ne dois pas vous retirer le plaisir de la découverte en vous parlant de tous les titres. Comment cela? Ne rien vous dire de ce piano fragile qui brille dans The Light et Prince au point d’évoquer l’orfèvre Yann Tiersen? Ne pas même évoquer  la montée post-rock de Flight Through Thunderclouds ou encore le cinématographique Darkly qui aurait eu toute sa place sur la BO de Princesse Mononoké? (#prétérition)

Depuis sa découverte, je reviens souvent vers Darkly qui m’apporte un véritable réconfort en ces temps révolutionnaires. Mon plaisir ne cesse de s’enrichir au fil des écoutes et je n’ai pas encore fini de percevoir toutes les subtilités musicales de cet opus opulent. Et vous, pas envie d’une heure coupé du monde?

Sylphe

Review n°14: Parcels de Parcels (2018)

Chose promise, chose dûe. Je vous avais laissés avec un avant-goût fort en bouche pour Parcelsvous faire patienter, le clip du morceau Withorwithout, mais je ne résiste pas à la tentation de  partager avec vous le coup de coeur qui s’impose à mes oreilles avec le premier opus de The Parcels. Nos autraliens, originaires de Byron Bay et depuis installés à Berlin, auraient pu très bien émerger du côté du Versailles de la french touch des années 2000. Ils sont lookés subtilement, nous offrent un joli florilège de coupes de cheveux surannées et symbolisent les bobos parisiens qui viennent s’encanailler une fois par an en assistant à Rock en Seine, « Cette année j’ai vu PNL, c’était tellement rafraîchissant! ». Trève de plaisanteries et de stéréotypes, ils pourraient être versaillais car Daft Punk et Phoenix sont clairement dans leurs gênes musicaux (Le duo casqué a produit leur premier single et la bande à Thomas Mars leur a permis de faire leur première partie avant même la sortie de leur premier album.). Pour le coup, des influences de qualité, un talent évident pour s’approprier ces influences, un label dénicheur de talents et reconnu comme Kitsuné, ne peuvent aboutir qu’à une conclusion imparable: claque musicale, chef d’oeuvre, pépite…

Depuis la reprise de ce blog en août, c’est clairement le meilleur album que j’ai eu la chance d’écouter avec le dernier opus de Jeanne Added. Cet album devrait être prescrit pour passer l’hiver car il est plus performant que n’importe quelle recette à base de fruits ou de luminothérapie. De la lumière cet album en revend à foison et 51 minutes de pop solaire friande de synthés et d’influences funk sauront vous redonner foi en l’humanité.

Le morceau d’entrée qui s’étale sur deux titres Comedown et Lightenup met tout de suite l’accent sur des ingrédients incontournables de Parcels, des synthés doux à la Phoenix et des choeurs suaves qui fredonnent avec délectation pour nos oreilles gourmandes. Lightenup gagne encore en consistance avec des influences plus funk et un chant plus affirmé. Vous venez d’arriver sur cette plage gorgée de soleil, un cocktail à la main et de l’autre votre planche de surf pour dompter les vagues. Parcels est d’une coolitude infinie et va vous laisser libre de dompter les vagues de l’océan avec la pop plus rythmée de Tape  ou les remous de votre cocktail avec la rythmique plus lente de l’addictif Withorwithout.

Arrive alors une bande de surfeurs paisibles qui viennent partager avec vous ce moment magique car Parcels ça se partage crénom de nom! Everyroad, vaste odyssée de 8 minutes plus expérimentales, s’impose par la richesse de ses propositions. On invoque ici Niles Rodgers, les morceaux plus apaisés du Discovery de Daft Punk (le bijou Night vision en tête), pour aboutir à un morceau qui nous fait voyager loin et démontre la richesse du panel des australiens, des 5 minutes du début qui montent en douceur à la fin plus électro après ce bel intermède porté par les violons. Savoureux… Yourfault est une jolie transition de pop soyeuse avec le bruit des vagues et des oiseaux en fond avant un Closetowhy qui continue de creuser avec délices le sillon de la pop solaire suave et délicate.

Iknowhowlfeel vient alors vous inciter à vous laisser caresser par les vagues et à délaisser momentanément votre cocktail. Des synthés estampillés Daft Punk, une petite mélodie aussi simple qu’évidente, un refrain entêtant, j’ai sincèrement l’impression d’écouter un morceau caché de Discovery. Je me rends compte que les vagues communient avec mon surf et que tout est facile et naturel, ma vision se brouille et je me laisse porter par les éléments au rythme de la pop ingénue d’Exotica. Je me surprends même à oser tenter des vagues plus impressionnantes grâce à la sucrerie pop Tieduprightnow qui s’impose comme un des sommets de l’album.

Les vagues me portent doucement vers le rivage et je m’échoue sur la plage brûlante. Un cocktail semble tomber du ciel pour réconforter mon corps suant, il ne me reste plus qu’à savourer la douceur de Bemyself et le flow funk de Dean Dawson sur le Credits final en me perdant dans le bleu du ciel.

Tenez, voilà un cocktail et un surf, à vous de savourer Parcels désormais…

Sylphe

Review n°13: Action d’Inüit (2018)

Désolé de vous avoir fait attendre chers Five-Minuteurs mais, avant de rédiger cetteInuit review, il m’a fallu aller aux sources de ce groupe et explorer les contrées sauvages du Groenland. Malheureusement, cette expédition, si elle a juste eu le mérite de me faire perdre quelques phalanges gelées, s’est avérée particulièrement inutile car Inüit est en réalité un groupe français originaire de Nantes… (#Amateurisme) Ils sont 6, 5 garçons entourant la chanteuse Coline (je vous laisse imaginer les combinaisons possibles),  et profitent des talents à la production de Benjamin Lebeau du brillant duo électro-pop The Shoes pour ce premier album studio. Un premier EP Always Kévin en 2017 avait déjà laissé entrapercevoir le talent des nantais avec des petites pépites comme Dodo Mafutsi et Anne. Cet opus, dont le titre et la pochette improbable paraissent résolument tournés vers un son plus explosif, va-t-il confirmer les bonnes impressions laissées par le premier EP?

Après ces deux minutes d’un faux suspense insoutenable, la réponse est en réalité évidente et ce Action s’impose comme un des meilleurs premiers albums écoutés dernièrement. Pour que vous ayez une idée du son d’Inüit, prenez d’un côté l’électro dansante de The Shoes et de l’autre la pop plus sombre de The Dø époque Both Ways Open Jaws, vous secouez fermement, vous rajoutez une pincée de synthés et un soupçon à la Maité de la belle voix de Coline et vous obtenez un cocktail aussi explosif que séduisant. La preuve plus en détails désormais…

Le morceau d’ouverture Sides nous plonge d’emblée dans une atmosphère sombre où la douceur de la voix de Coline et les choeurs viennent subtilement nous envelopper. Un morceau qui se développe langoureusement, telle une créature hybride se levant délicatement de marécages nauséabonds et révélant sa beauté sculpturale. Body Lies vient alors briser ce rêve éveillé et nous ramener vers des contrées plus connues, la rythmique s’est accélérée et on défriche ici clairement les plaines de l’électro-pop. Le morceau est plus attendu et pas forcément très novateur et je savoure davantage le tube We The People, hymne plus âpre aux influences électro-techno assez évidentes. La rythmique originale de Boy’s Dead Anyway que ne renierait pas The Dø et la douceur des synthés de Comment on fait le feu? (avec cet album d’Inüit pardieu!) nous amènent vers un des autres sommets de l’album, Move Slowly.

Ce Move Slowly est un joli bijou d’électro-pop à la Metronomy, la rondeur de la basse amène un sentiment indescriptible de coolitude illustrée avec brio par le refrain. Après un Phases qui me séduit moins avec l’âpreté extrême de sa rythmique et sa voix qui éveille les excès du deuxième opus de Fever Ray, un trio vient définitivement rafler la mise: la douceur lumineuse de Pretty Puppet, l’explosif Tomboy taillé pour briller dans les charts et l’électro dansante de Polar Bear qui me rappelle dans une certaine mesure l’album Swim de Caribou. Wrong Dance et Inside prolongent le plaisir et permettent de se délecter de l’univers de ce Action qui ne cesse de s’enrichir au fil des écoutes.

Allez je vous laisse, j’ai rendez-vous avec le médecin qui doit m’aider à récupérer de mes phalanges gelées (#humourdemerdecyclique) et sur le chemin j’ai bien envie de me réécouter Action.

Sylphe