Pépite du moment n°78: Flat Earth Theme de Just Jack & Parson Jones (2020)

Voilà un artiste pour lequel j’ai un attachement particulier et que j’avais quelque peu perdu de vue, à savoir Jack Allsopp alias Just Jack… Ecrire un petit mot sur ce titre d’une douceur infinie c’est un plaisir double car il me permet de retrouver une voix et un flow toujours aussi touchants mais aussi d’aller réécouter des albums de Just Jack et de me remémorer des plaisirs passés. Avant tout, je dois reconnaître que je ne connais pas du tout le duo composé de Joshua Hollenstein et Kerry Fogarty alias Parson Jones qui possède à son compteur un premier opus Clear as Day sorti en 2019. Egoïstement c’est bien pour Just Jack que je vous parle aujourd’hui de ce Flat Earth Theme. Loin de vouloir vous résumer la carrière du garçon, je vous invite à aller jeter une oreille attentive du côté de ses deux albums centraux, Overtones en 2007 et All Night Cinema en 2009. Le premier (enfin le deuxième de sa discographie en réalité) est particulièrement percutant et dansant, porté par le flow hip-hop de Just Jack et des instrumentations extrêmement riches. Je vous mets au défi de ne pas vous noyer littéralement dans le triangle des Bermudes composé des 2 singles Writer’s Block et Starz In Their Eyes et du bijou émotionnel Mourning Morning  qui clot avec majestuosité l’album (oui je suis une âme faible, je ne sais pas résister aux cordes…). All Night Cinema, même s’il perd un peu en inventivité musicale avec un son plus électro, devrait lui aussi vous désarmer à travers Embers, le morceau d’ouverture extatique (oui encore ces fichues cordes), ou le diamant instrumental final Basement. J’avoue avoir un peu de mal à comprendre l’essoufflement de la carrière de Just Jack par la suite mais je ne vais pas bouder mon plaisir d’avoir de ses nouvelles avec ce très beau Flat Earth Theme, tout en espérant qu’il soit annonciateur d’un prochain album… Le morceau, brillamment illustré par les dessins de Mica Jennings pour le clip, est porté par la voix de Just Jack. Sa douceur enveloppe ces quatre personnages qui tentent de trouver l’amour face à un monde devenu si compliqué. Voilà une parenthèse enchantée qui, je l’espère, trouvera grâce auprès de vos oreilles averties, enjoy!

 

Sylphe

Review n°64: Lundi Méchant de Gaël Faye (2020)

Nouveau sérieux prétendant pour le titre de meilleur album de l’année 2020 aujourd’hui… ArrêtezGael Faye de remplir vos attestations numériques pour sortir votre chien pour la cinquième fois de la journée et retrouvez votre canapé qui se façonne depuis 2 semaines pour devenir le moule parfait de votre fessier… Après Pili pili sur un croissant au beurre en 2013, Gaël Faye vient tout juste de sortir son deuxième album Lundi Méchant qui s’impose comme un maëlstrom d’émotions, entre rage des injustices et foi en une humanité qui va enfin se relever. Un véritable hymne à la vie tout simplement. Si vous ne connaissez pas la musique de Gaël Faye, vous avez peut-être eu la chance de lire Petit Pays sorti en 2016, premier roman d’inspiration autobiographique qui s’appuie sur la vie du narrateur au Rwanda avant le génocide et l’exil vers la France. Un premier roman plein d’humanité ne tombant pas dans le pathos qui a mérité amplement le Prix Goncourt des Lycéens.

Pour en revenir à ce Lundi Méchant, je suis particulièrement séduit par la plume acérée de Gaël Faye dont les mots peuvent être extrêmement durs tout en sonnant vraiment justes. Le tableau de notre société occidentale, entre médias et racisme, est sans concession et d’une noirceur étouffante. Cependant, la volonté de se rebeller et de s’appuyer sur les racines d’une Afrique qui aime profondément vivre et danser arrive paradoxalement à nous donner le sourire. On profite de notre dimanche pour parcourir ensemble ce Lundi Méchant et se préparer au réveil difficile de demain…

Le morceau d’ouverture Kerozen apporte une douceur cotonneuse à partir de la thématique dure de l’émigration, le chant n’est pas sans rappeler TERRENOIRE dans sa capacité à nous caresser de sa poésie -« Je t’inventerai des exils/ Des archipels fragiles » du refrain – tout en se montrant plus âpre avec un flow coupé à la serpe du rap « L’existence mord comme un coup de tesson/ Je rêve, je dors, je vis sous pression/La ville dehors est comme sous caisson ». Ce morceau tout en contrastes amène sur un plateau le premier titre marquant Respire qui brille par sa volonté de dénoncer le rythme oppressant de nos vies en insufflant un souffle quasi pop. Le refrain fonctionne à merveille et l’on retrouve une intensité digne de Stromae. Cette dénonciation du rythme de nos vies quotidiennes occidentales se retrouvera dans le titre éponyme Lundi méchant où le flow de Gaël Faye est encore plus percutant, les mots claquant fort et sec.

Passés un Chalouper et ses sonorités caraïbéennes incitant les corps à bouger pour lutter contre nos présents difficiles et un Boomer qui est le titre de l’album me touchant le moins, son rap manquant de finesse et se montrant trop facilement frontal, Only Way Is Up me séduit en particulier grâce à la voix chaude et réconfortante de Jacob Banks. Après Lundi Méchant, le trio suivant touche au sublime: C’est cool entrelace tout d’abord la jeunesse innocente et les médias avec en point d’orgue la cicatrice indélébile du génocide au Rwanda, le pouvoir des images est dénoncé subtilement, de même que l’égoïsme de notre société « Quand le drame est bien trop grand, il se transforme en statistiques/Et Lady Di a plus de poids qu’un million de morts en Afrique/L’ignorance est moins mortelle que l’indifférence aux sanglots/Les hommes sont des hommes pour les hommes et les loups ne sont que des chiots/Alors on agonise en silence dans un cri sans écho ». Les paroles de ce titre sont brillantes et, si vous êtes nés au début des années 80 (Gaël Faye est né en 1982) vous reconnaitrez vous aussi votre enfance « Ma jeunesse s’écoule/Entre un mur qui tombe et deux tours qui s’écroulent ». Vient alors une véritable pépite taillée dans l’émotion la plus pure, un postulant au plus beau titre de 2020 (et plus si affinités), avec Seuls et vaincus. La douceur du piano et les cordes sur la fin, un ascenseur émotionnel qui ne cesse de monter, des paroles écrites par Christiane Taubira (excusez du peu) d’une justesse infinie qui dénoncent les travers de notre société, un flow dépouillé où l’on sent le feu sous la glace, le chant final de Melissa Laveaux, ce morceau vous fera briller les yeux. Je ne résiste pas à la tentation de citer ces mots « Vous finirez seuls et vaincus, grands éructants rudimentaires/Insouciants face à nos errances sur la rude écale de la Terre/Indifférents aux pulsations qui lâchent laisse à l’espérance » ou encore « Vous finirez seuls et vaincus car invincible est notre ardeur/Et si ardent notre présent, incandescent notre avenir/Grâce à la tendresse qui survit à ce passé simple et composé ». Le dernier morceau du trio Lueurs est un cri de moins de 2 minutes sortant des entrailles, ce cri contre les ravages du racisme et de l’esclavagisme est d’une intensité folle et me fait vibrer.


Difficile de se remettre de ces trois derniers titres…Histoire d’amour paraît bien léger ensuite en posant de jolis mots sur la relation amoureuse, NYC nous offre un rap très 90’s à la IAM pour une découverte subtile de New-York, JTIL (Jump in the line) apporte des sonorités plus ensoleillées et rappelle le démon de la danse. Le dernier grand moment de l’album Zanzibar est illuminé par le piano de Guillaume Poncelet et la douce mélancolie des paroles avant que Kwibuka en featuring avec Samuel Kamanzi n’évoque avec poésie et émotion le besoin de se souvenir et de ne pas oublier les victimes du génocide rwandais. Besoin d’humanité et de poésie? Vous savez désormais ce qu’il vous reste à faire, enjoy! Merci Gaël Faye d’exister…

 

Sylphe

Review n°63: Pure Luxury de NZCA LINES (2020)

Aujourd’hui, nous allons nous intéresser au troisième album de NZCA LINES Pure Luxury sorti cetNZCA LINES été mais que j’avais laissé totalement passer. Il faut croire que le déconfinement estival m’avait quelque peu déconnecté de l’actualité musicale… Derrière ce nom de groupe un brin mystérieux se cache un trio composé de Charlotte Hatherley, Sarah Jones et le chanteur/compositeur Michael Lovett. Sans manquer de respect à ses deux compagnes, Michael Lovett que l’on connaît aussi pour sa participation en tant que guitariste et claviériste aux génialissimes Metronomy est véritablement le coeur et le poumon de NZCA LINES. Après deux albums riches de belles promesses, NZCA/LINES en 2012 et Infinite Summer en 2016 (à réécouter de toute urgence, en particulier pour savourer la pépite Two Hearts), ce Pure Luxury donne définitivement ses lettres de noblesse à un artiste qui réussit à se réinventer tout en ne reniant pas l’héritage hautement recommandable de Metronomy. Ce troisième opus arrive ainsi à brillamment croiser la synth-pop originelle avec la sensualité d’un disco funk digne de Prince, le résultat entraînant sans être faussement naïf (la dénonciation du consumérisme étant confirmé par cette pochette brillante) devrait vous donner envie de bouger sans retenue.

Le morceau d’ouverture, l’éponyme Pure Luxury, mérite amplement d’avoir donné son nom à l’album tant c’est un single en puissance à fort potentiel addictif. Synthés gourmands et sonorités ludiques à la Metronomy, ambiance disco lumineuse, pouvoir tyrannique du refrain à la mélodie imparable, ce riff de guitare brillant sur la fin du morceau, l’ensemble me donne une folle envie de danser nu chez moi, ce qui devient difficile quand tu sais que tes voisins confinés peuvent te voir à tout moment… En tout cas, refus du luxe et danser tout nu, on est dans le thème. Real Good Time et sa voix inaugurale gonflée aux hormones, Barry White si tu nous entends, vient ensuite proposer un funk sexy en diable qui flirte avec les limites du dance-floor. La voix dans les aigus réveille le démon de Prince, ce qui sera confirmé avec le deuxième tube imparable de l’album, Prisoner Love. Sur la thématique rebattue du pouvoir arbitraire de l’amour, NZCA LINES construit une électro-pop jouissive avec son refrain lumineux.

On retrouve un bijou de pop sensuelle illuminée par le piano et les cordes avec For Your Love (en featuring avec VIAA) qui confirme bien l’influence de la fin des années 70/ Début 80. Il devient de plus en plus difficile de rester habillé… L’atmosphère feutrée de Take This Apart et la douceur de la voix viennent tempérer ton rythme cardiaque même si la montée électrique finale vient te cueillir par surprise, distillant une subtile et mystérieuse touche de post-rock. Un Opening Night clairement estampillé Metronomy avec ses synthés en rupture et sa basse qui confirme le réchauffement climatique, un Larsen  plus sombre et incisif, un Primp & Shine aux accents garage qui déroule plus de 6 minutes d’orfèvrerie musicale et un Tonight Is All That Really Matters final passé sous le tromboscope des synthés confirment l’homogénéité de cet album qui ne connaît aucun temps faible. Tu cherches un album prétexte pour danser nu chez toi ou plus largement de l’électro-pop d’une sensualité folle pour oublier ce monde de merde? Tu sais désormais ce qu’il te reste à faire, enjoy!

Sylphe

Pépite intemporelle n°61: Daydream In Blue de I Monster (2003)

Un petit son tout en douceur et en contrastes aujourd’hui avant de parler demain du dernier albumI Monster de NZCA Lines. Le groupe I Monster, composé de Dean Honer et Jarrod Gosling, n’a pas forcément eu la carrière qu’il méritait et peut probablement regretter que les talentueux Air aient attiré sur eux les projecteurs d’une musique électronique aérienne et cinématique. Leur deuxième opus Neveroddoreven sorti en 2003 restera le sommet de leur carrière et regorge de jolies trouvailles sonores. Le titre du jour Daydream In Blue devrait immédiatement parler à vos oreilles averties car il a figuré dans de nombreuses pubs. Ce titre est une reprise de Daydream des Belges de Wallace Collection, plage finale de leur album Laughing Cavalier enregistré aux studios d’Abbey Road et sorti en 1969. Le morceau de base qui s’appuie sur le final du Lac des Cygnes de Tchaikovski met à l’honneur cette mélodie touchante d’ingénuité avec cet art des choeurs propres aux années 60-70. La reprise d’I Monster brille par la volonté d’insuffler un souffle électronique et surtout une dichotomie séduisante avec ces poussées électriques qui révèlent l’évolution de ce rêve devenant « dirty ». Le clip vous éclairera assez limpidement sur les paroles si vous avez laissé votre anglais en confinement… Voilà en tout cas un album qui mérite amplement d’être réécouté ou découvert (on a un peu de temps devant nous les weekend non?), enjoy!

 

Sylphe

Review n°62: Midnight Resistance de The Toxic Avenger (2020)

Je vous propose aujourd’hui la découverte d’un album facile d’accès car c’est très clairement  ce dontThe Toxic Avenger j’ai besoin en ce moment. Je ne connaissais Simon Delacroix alias The Toxic Avenger (du nom d’un film d’horreur parodique de 1985) que de nom et ce cinquième opus studio Midnight Resistance, sorti cet été, est le premier que je prends véritablement le temps d’écouter. Bien m’en a pris car ces 56 minutes me permettent de m’évader facilement, même si l’album aurait peut-être gagné à être allégé sur sa deuxième partie. The Toxic Avenger s’est fait connaître par ses nombreux remixes avant de publier des albums mettant en avant sa patte électronique. Ce Midnight Resistance surprend par son hétérogénéité qui, au fil des écoutes, forme un tout cohérent et séduisant.

Le morceau d’ouverture Americana joue d’emblée la carte d’une électro au pouvoir cinétique évident. Rythmique sombre et prenant aux tripes, synthés spatiaux, voix voccodées, le résultat serait digne de figurer sur la BO d’un film de science-fiction. Cette ouverture majestueuse ouvre la voix à un Lies à l’atmosphère totalement différente. En featuring avec Sam Battle alias LOOK MUM NO COMPUTER , c’est la carte de l’électro-pop qui est abattue sans aucune retenue. La voix et la mélodie fonctionnent parfaitement et m’évoquent les pépites des premiers albums de The Shoes. Midnight Resistance, le titre éponyme, referme ce tryptique initial d’une grande hétérogénéité d’une manière abrupte. Je reconnais avoir un peu de mal à adhérer pleinement à ce titre indus assez âpre aux sonorités taillées dans une roche noire comme la nuit même si l’accélération finale n’est pas sans m’évoquer les souvenirs de Birdy Nam Nam ou Vitalic.

Les quatre titres suivants donnent ensuite toute sa valeur à ce Midnight Resistance. I Need You séduit par son électro d’une grande sensualité avec ses synthés omniprésents, Rent Boy ne peut que me plaire car Jay-Jay Johanson vient poser son timbre mélancolique sur une rythmique à la frontière de la pop mais que dire de ЧЕРНОЕ ЛЕТО (à traduire par Black Summer) qui s’impose comme une vraie déflagration sonore! Pépite électro que n’aurait pas reniée Thylacine sur son dernier album Timeless, ce titre brille par sa tension sous-jacente et sa montée imparable avec les cordes. Je vous dirais bien que c’est un morceau taillé pour les dance-floors mais bon en ce moment cette phrase perd tout son sens… L’avenir d’avant avec Diamond Deuklo en featuring referme ce quatuor brillant en nous donnant l’impression de s’être échappé de la BO de Drive

La deuxième partie perd un peu en intensité, il faut le reconnaître. Ornette et Simone apportent la douceur de leur voix sur respectivement Mandala et Falling Apart pour une électro-pop de qualité mais sans grande originalité, même si l’on appréciera le message de fraternité de Mandala. On Sight propose une électro qui met à l’honneur la bidouille et le bricolage (sans rien de péjoratif) mais finalement je préfère retenir de cette deuxième partie l’électro tout en boucles de Long Hair, Black Leather Jacket! et surtout On My Own illuminé par la grâce du piano de Maxence Cyrin (dont mon ami Raf Against The Machine vous a déjà plusieurs fois parlé) et sublime d’émotions.

Besoin d’une parenthèse en ce monde de brutes? Midnight Resistance vous attend désormais, enjoy!

Sylphe

Pépite du moment n°77: Are We Alright Again d’Eels (2020)

Depuis 1996 et le très beau Beautiful Freak (si, si, vous connaissez forcément cette couverture Eelsd’album avec une petite fille effrayante par ses yeux démesurément grands), les Américains d’Eels mènent une très belle carrière en grande partie grâce à la sensibilité de leur chanteur Mark Oliver Everett que je rêverais de cotoyer tous les jours tant il sait sublimer notre quotidien sombre et distiller sa belle poésie avec grâce. Le treizième opus du groupe Earth to Dora vient de sortir en cette période complexe (et ce ne sont pas les résultats provisoires des élections américaines qui vont nous réconcilier avec les gens…) et c’est toujours avec plaisir que je retrouve le timbre éraillé de Mark Oliver Everett. Le titre du jour Are We Alright Again suffit amplement à mon bonheur avec sa petite mélodie faussement enfantine et ses paroles empreintes d’un optimisme salvateur. Le clown triste de notre époque a de nouveau frappé et finit sur des mots que l’on peine de plus en plus à croire, « Yeah, I think we’re alright ». En même temps écouter Earth to Dora est à coup sûr une première étape valable dans la quête du bonheur perdu, enjoy!

 

Sylphe

Five Titles n°14: The Ascension de Sufjan Stevens (2020)

Avec trois de jours de retard par rapport à ce qui était prévu, nous voilà donc aux Etats-Unis pour laSufjan Stevens 2 suite de notre road-trip musical des vacances. 3 jours à se torturer l’esprit face à ce gargantuesque onzième opus de Sufjan Stevens, The Ascension, que je voulais chroniquer entièrement mais que je vais finalement aborder plus modestement à travers cinq titres. Tentative d’explication… Je voue une vraie admiration pour Sufjan Stevens que je résumerai à travers 3 bijoux: le chef d’oeuvre d’émotion Illinois en 2005, la pop bricolée et orchestrée à souhait de The Age Of Adz et la folk intimiste de Carrie & Lowell. Certes, il existe certains accidents de parcours comme le très conceptuel et inaudible Aporia sorti en début d’année et je dois reconnaître que le message religieux souvent très présent dans les paroles est quelquefois un brin pesant mais Sufjan Stevens récolte cependant l’unanimité de mes suffrages. The Ascension, qu’on se le dise d’emblée, est un album brillant mais qui souffre de deux défauts m’empêchant de le placer au summum de la discographie de l’Américain. Peut-être à tort je vous l’accorde car cet album mérite d’être longtemps savouré en bouche…Tout d’abord, il est d’une très grande densité et dure… 1h15. Je ne fais pas partie de la génération actuelle qui aime zapper rapidement et pour laquelle l’album est en train de rendre les armes face aux playlists mais mon attention s’éteint malheureusement sur la fin. J’ai l’amère impression de ne pas savourer à sa juste valeur le tryptique final SugarThe AscensionAmerica et regrette que Sufjan Stevens ait laissé quelques morceaux tourner à la redite. Le deuxième défaut c’est justement ce message religieux oscillant entre un optimisme pas désagréable en cette période torturée et un angélisme désuet qui me fatigue, j’avoue. Une fois évacués ces deux défauts, il faut reconnaître que The Ascension brille par sa capacité à croiser avec délices la folk intimiste de Carrie & Lowell avec les trouvailles électroniques de The Age Of Adz pour un résultat plein d’émotions. Voilà cinq titres qui méritent de se confronter à cet album somme.

  1. Le morceau d’ouverture Make Me An Offer I Cannot Refuse séduit par sa douceur électronique, comme si l’on avait allié la bidouille des machines d’un Baths ou d’un Animal Collective à la folk électronique d’un Loney Dear. Le résultat est imparable, d’autant plus avec la montée finale.
  2. Run Away With Me, quant à lui, est peut-être le plus bel hymne à l’amour écrit depuis longtemps. La douceur mélancolique nous enveloppe comme une bulle intemporelle, la voix feutrée de Sufjan Stevens s’adressant au plus profond de nous-mêmes. L’acmée de l’émotion dans cet album pour moi.
  3. Video Game referme le superbe tryptique initial dans un registre surprenant. Les synthés sont entêtants et la voix pleine de réverb donne une couleur psychédélique au morceau. A première vue incongru et trop mainstream, ce titre s’insinue en nous et devient vite addictif. Et oui, on peut s’appeler Sufjan Stevens et se faire un petit plaisir pop non?
  4. Tell Me You Love Me, tout comme Ursa Major plus tard, reste dans l’univers et les paroles de Make Me An Offer I Cannot Refuse. La rythmique down-tempo me séduit et j’aime le souffle épique final.
  5. Ativan (du nom d’un anti-dépresseur) m’évoque Loney Dear et me touche par sa description angoissante et sans concession des symptômes du consommateur d’Ativan. L’univers est esthétiquement anxiogène.

Voilà en tout cas un Sufjan Stevens incontournable qui devrait occuper vos soirées à la maison, couvre-feu oblige, enjoy!

Sylphe

Pépite du moment n°76: Another Wave de Catastrophe & Cure (2020)

Notre road-trip musical de ces vacances nous emmène aujourd’hui en Autriche après avoir visité laCatastrophe & Cure Colombie et le Canada. Voilà une contrée que je connais assez peu musicalement en dehors de Kruder & Dorfmeister, Parov Stelar ou Waldeck qui développent son versant électronique… Le groupe du jour au nom assez surprenant Catastrophe & Cure a sorti en 2020 son troisième opus Somewhere Down the Line qui fait très bien le boulot en à peine 30 minutes et mérite amplement d’être écouté. Le titre du jour Another Wave s’appuie sur une guitare d’une grande coolitude qui accompagne parfaitement la voix de Johannes Eder, l’ensemble peut paraître assez classique mais fonctionne à merveille pour moi. Voilà une superbe transition avant de retourner aux Etats-Unis demain avec le dernier Sufjan Stevens, enjoy!

 

Sylphe

Review n°60: Generations de Will Butler (2020)

Will Butler, le frère cadet du leader charismatique Win d’Arcade Fire, est d’une grande discrétionWill Butler derrière le couple formé par son frère et Régine Chassagne. Il brille néanmoins par son énergie et sa fantaisie dans les concerts et s’est lancé depuis 2015 dans une carrière solo avec son premier album Policy. Un album que je n’avais jamais écouté avant cette déflagration sonore qu’est ce Generations et qui, sans être brillant, démontrait un beau potentiel (le titre What I Want en étant un parfait exemple) s’il arrivait à prendre un peu plus de distance avec l’univers tentaculaire d’Arcade Fire, groupe pour lequel je voue une admiration sans bornes…

L’empreinte digitale ensanglantée de la pochette de ce Generations démontre deux volontés évidentes: se livrer corps et âme et ne rien occulter de la violence de notre monde contemporain. Le défi est relevé haut la main tant ces 44 minutes sont animées d’une intensité folle qui font de cet album un moment central de l’année musicale 2020… Nous pouvons désormais l’affirmer avec aplomb, une fée s’est véritablement posée au-dessus des berceaux de la famille Butler. Will dont la voix a des similitudes troublantes avec celle de son frère vient de se faire défintivement un prénom sans vouloir tomber dans de la pyschologie familiale de comptoir. Le fantôme d’Arcade Fire plane bien sûr au-dessus de l’album, ce qui n’est pas pour me déplaire, mais il s’apparente davantage à un mécène qui guide qu’à un héritage qui freine…

Le morceau d’ouverture Outta Here frappe fort d’emblée avec une power-pop qui révèle la puissance du chant de Will Butler. Le titre monte et, porté par ses percus et ses riffs de guitare acérés, prend une teinte rock séduisante. On n’est pas loin d’un rock taillé pour les stades mais Will résiste à la tentation de la facilité et on retiendra la belle énergie de ce morceau ainsi que les paroles qui invitent à fuir notre quotidien sombre. La claque musicale c’est Bethlehem qui va nous l’infliger… Rock uptempo d’une grande intensité, une batterie qui martèle le morceau, des choeurs bien sentis, Régine Chassagne en clin d’oeil sur la fin, voilà le genre de titres un brin épiques qui ont fait la marque de fabrique d’Arcade Fire. Close My Eyes ralentit le rythme cardiaque dans un registre plus classique de pop suave éclairée par les choeurs du refrain avant que I Don’t Know What I Don’t Know distille avec délices un univers sombre empreint d’une vraie tension électrique. Le traitement de la voix dans ce morceau m’évoque un David Bowie période Aladdin Sane, impression confirmée ultérieurement avec Promised. Un Surrender plus solaire avec une voix parcourant les aigus et une montée à base de choeurs digne d’Arcade Fire, un Hide It Away plus dépouillé et parcouru de décharges électriques étonnantes, un Hard Times séduisant par sa volonté de bidouiller pour créer une pop bricolée à la Baths, les explorations sont diverses et fonctionnent à merveille. Le tryptique final parachève avec brio l’album: Promised s’impose comme une créature hybride entre Arcade Fire et David Bowie, Not Gonna Die et son piano joue la carte de l’émotion dans un véritable hymne à la vie qui me donne autant le sourire qu’un No Cars Go alors que Fine finit sur un combo piano/clarinette qui a la fâcheuse tendance à me piquer les yeux… Merci Will Butler d’être définitivement sorti de l’ombre majestueuse d’Arcade Fire, ce deuxième album fait penser dans sa démarche artistique à un certain Neon Bible et on ne peut que s’en réjouir, enjoy!

Sylphe

Pépite du moment n°75: they told us it was hard, but they were wrong d’Ela Minus (2020)

On est partis pour deux semaines de vacances placées sous le signe de la musique, tant ces dernières semaines regorgent de nouveautés aussi excitantes les unes que les autres… La première étape de notre road-trip musical va nous emmener en Colombie pour découvrir une artiste qui sortira ce vendredi 23 octobre sur le label Domino son premier album studio acts of rebellion (oui la demoiselle est fâchée avec les majuscules), Ela Minus. Je suis tombé par hasard sur le premier single they told us it was hard, but they were wrong sorti en avril mais qui était passé sous mon radar amateur. Le morceau est littéralement hypnotisant avec ces synthés en staccato qui s’adressent au corps et invitent au dance-floor. Le chant tout en retenue amène un désenchantement séduisant qui se marie parfaitement à la montée électrique finale qui, dans l’utilisation des synthés, m’évoque Caribou. Le clip de Will Dohrn est d’une simplicité étonnante à la Michel Gondry et illustre avec sobriété la première pépite de ces vacances d’une artiste capable de croiser en 4 minutes Fever Ray (ou plus largement The Knives) et Caribou, enjoy!

Sylphe